Le dernier billet

Ce carnet entame sa vie d’archive, au moment où je me retire de l’université. Quoi de plus banal que de se retirer, le moment venu (ou presque). Toutefois, ce retrait prend une dimension qui me dépasse : c’est une parenthèse qui se referme sur une tentative d’enseignement et de recherche dont je persiste à défendre la pertinence, quelles qu’en aient été les insuffisances.

Au fond, l’affaire peut se résumer à une dissension autour d’un énoncé : « Informatique et histoire de l’art » – intitulé du poste sur lequel je fus recrutée par l’UFR d’histoire de l’art et archéologie de l’université Paris 1. Les « commanditaires » le pensaient limpide, fièrement campés sur l’impensé de la technologie et du tournant numérique ; moi, je n’ai cessé d’y entendre une promesse énigmatique à laquelle il fallait donner sens.

Treize années se sont écoulées si bien que le bail se termine, de mon fait, et met enfin fin – c’est long, treize ans ! – à une malencontreuse « erreur de recrutement ». De mon point de vue, en revanche, le temps d’explorer, observer, découvrir, analyser, interroger, suggérer, construire…

Résultat in fine du malentendu : c’est un PRAG1 qui sera recruté pour me remplacer et enseigner la « culture numérique »…

L’Observatoire critique, 1ère et 2nde formule, fut l’heureux produit du dialogue impossible « intra muros » ; le désaveu de l’institution a favorisé son contournement, le web offrait un terrain d’expression inespéré. Une aventure rendue possible par ces étudiantes et ces étudiants qui ont consacré une part significative de leur temps et de leurs talents, à mes côtés, pour donner vie à ces projets éditoriaux – par pure conviction car aucune gratification universitaire ne faisait partie du “contrat”. La plupart d’entre eux, ça n’est pas un hasard, s’impliqua activement dans la menée des Travaux Dirigés de Licence dont il fallait constamment actualiser la formule car le web ne cessait d’en transformer les enjeux. Un compagnonnage d’une qualité rare, stimulant et précieux. A un moment ou un autre, ils furent mes interlocuteurs et mes partenaires les plus constants2.

Toute ma gratitude, enfin, à Pierre Mounier et Marin Dacos qui m’ont invitée à relancer l’Observatoire critique sur la plateforme Hypothèses. Quelle satisfaction d’avoir été partie prenante de cette vaste composition, porte-voix inédit et pluriel de la recherche en train de se faire  !

C’est à leur initiative également que je dois de laisser une trace orale du dernier chantier qui m’a occupée, en m’invitant à soumettre quelques pistes de réflexion sur l’histoire de l’art et ses technologies, dans le cadre du Séminaire Digital Humanities, animé désormais avec Aurélien Berra.

 

Support de présentation.

Captation audio de la séance du 9 janvier 2013.

  1. Professeur agrégé de l’enseignement du second degré. Le gain est double, économique et académique : l’enseignant effectue deux fois le service horaire d’un Maitre de Conférences – de quoi absorber les nombreux TD – et il n’est plus question de recherche… []
  2. Une pensée particulière à Laurent Genest, Aurélia Chossegros, Cynthia Pedroja, Simon Bachelier, Marc Aufraise, Antoine Mazières, Cécile Joyet, Alexandra Legrand, et bien sûr, Elisavet Doulkaridou… []

Des données aux documents – La diffusion en ligne de la documentation scientifique des collections muséales, par Alexandra Legrand.

 

 

Mémoire de Master 2

Histoire et Politique des musées et du patrimoine.

Université Paris 1 – Panthéon-Sorbonne,

soutenu en septembre 2012.

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Annexes

 

Université d’été des Digital Humanities – A Leipzig du 23 au 31 juillet 2012.

Une démarche à développer : l’université européenne d’été des Digital Humanities. La troisième initiative européenne du genre, se tient à l’université de Leipzig, du 23 au 31 juillet 2012, grâce à Elisabeth Burr1. Ce sont 75 participants, venus d’Europe et au-delà, étudiants, doctorants, post-docs, ingénieurs, enseignants chercheurs, bibliothécaires investis impliqués dans les enjeux théoriques et pratiques de l’application des méthodes informatiques aux domaines variés des humanités et du patrimoine (bibliothèques, archives, musées).

L’université d’été offre l’opportunité d’échanger, d’apprendre ou de se perfectionner dans les problématiques des Digital Humanities, et embrasse de nombreux aspects : du traitement des données et l’édition des documents aux enjeux scientifiques et culturels plus généraux. Un programme intensif, durant 9 journées, propose la participation à des ateliers, des conférences quotidiennes, des tables rondes, des sessions de présentations de projets et de posters. Impliquée, cette année, dans le comité de programme, j’ai le plaisir d’y animer un atelier.

Le cursus des ateliers donne droit à des ECTS… et des bourses sont disponibles. La date limite d’inscription est le 15 juin.  On trouve toutes les informations détaillées sur le programme, les conditions d’inscription et toutes sortes d’autres choses, sur le site de l’ESU C&T.

Un été germain, décidément. Après Hambourg, où je participe la Conférence des Digital Humanities, direction Leipzig !

  1. Prof. Dr. Elisabeth Burr, Französische / frankophone und italienische Sprachwissenschaft Institut für Romanistik, Universität Leipzig. []

Formation à la culture des ressources numériques – Une sélection des travaux étudiants 2012.

Depuis trois ans maintenant, un cours sur la Culture numérique est venu compléter des Travaux Dirigés qui ont été instaurés, à la rentrée 1999, en 2èmeannée de Licence, à l’UFR d’histoire de l’art et archéologie (université Paris 1). L’équipe des chargé/e/s de cours et moi-même1, sommes heureux de présenter une sélections des meilleurs travaux réalisés par les étudiant/e/s, ce second semestre de l’année 2012. Des blogs qui méritent d’être signalés et consultés comme autant de ressources nouvelles, sur des sujets choisis par les étudiant/e/s.

Quelques mots sur la formule de ces formations. Depuis le début, je les ai orientées vers la découverte, la description et l’analyse des ressources en ligne pour l’histoire de l’art et l’archéologie2 ainsi que leur appropriation, par le moyen d’outils numériques. Il s’agissait d’engager les étudiants dans de nouvelles pratiques d’étude, en favorisant les réflexions sur la culture numérique. Ce cadrage général s’est maintenu, au fil des années, tout en intégrant les évolutions du web. Ainsi, notamment, les compétences d’édition (blog) et de partage (plateformes d’images, gestionnaires de signets, etc.) se sont imposées pour donner forme à la gestion des ressources numériques de tous ordres, afin de documenter les travaux dans la discipline. La formation privilégie l’emploi d’outils ouverts ainsi que la mise à disposition des résultats auxquels les étudiant/e/s parviennent ; une pédagogie de projet sert de support au travail collaboratif de petits groupes constitués autour d’un sujet.

Quant au cours magistral, il donne à comprendre le web  comme l’environnement dans lequel l’étudiant, l’enseignant et le chercheur travaillent désormais ; les ressources utiles n’y sont pas seulement offertes dans un immense réservoir, mais en font partie intégrante. Ce qui implique, par exemple, de s’initier aussi bien aux enjeux du fonctionnement de Wikipédia, de l’identité numérique, des caractéristiques du numérique au regard de la culture de l’imprimé  ou encore aux questions ouvertes par le mouvement des Digital Humanities.

Une part non négligeable des réalisations des étudiants a rempli le cahier des charges des TD :

–         en rassemblant des ressources de qualité, établissant souvent une passerelle entre ressources émanant de scientifiques(institutions patrimoniales, académie, blogs de spécialistes) et d’autres publications écrites et audio-visuelles, disponibles sur le Web ;

–         en rassemblant et indexant ces ressources grâce à un gestionnaire de signets en partage (Delicious) ;

–         en constituant des porte-folios d’images ;

–         en sélectionnant des flux d’informations permettant de suivre l’actualisation d’informations et de documents sur leur sujet et son contexte ;

–         en articulant la présentation des ressources et leur classification documentaire avec le traitement de leur sujet.

Nombre de blogs ont rempli ces critères mais souvent de façon partielle, manifestant de grandes qualités, dans un registre ou un autre. Aussi, les blogs sélectionnés se distinguent-ils par le fait d’avoir intégré plus complètement des diverses exigences de ce cahier des charges.  Au-delà de la gratification que cette sélection représente pour les étudiant/e/s, la valorisation de ces quelques réalisations a  une vocation exemplaire pour la suite de cette formation et ses perfectionnements. Car les résultats permettent d’ouvrir de nouvelles questions pour le devenir de ces pistes de travail qui évolueront forcément à l’avenir.

Un dernier mot pour dire que ma satisfaction de ces résultats est d’autant plus grande que, ce semestre, je n’ai pas pris part directement à la formation3. La relève est assurée, brillamment assurée.

Archéologie subaquatique

Par Philippe Boulaire, Alicia Espinosa, Lou Octavia Morch, Chloé Rouzier.

Les soldats de terre de Qin Shi Huang

Par Marion Boudou, Aziliz Gautier, Fanny Ichar Ladoux, Elisabeth Kroub-Barrière.

 

Art contemporain et identité - l'expression de la quête identitaire chez Urs Lüthi, Orlan, et Frida Kahlo

 Par Elise Bernier, Annaëlle Lecry, Kimia Ravari.

La plume dans la société aztèque - Attributs et enjeux de la plume dans la civilisation aztèque à la période post – classique

Par Paola Montagna, Armelle Pascaud, Thomasine Zoler.

 

L'influence de la peinture dans les débuts du cinéma

Par Aicha Farman-Farmaian, Sarah Hatziraptis, Linda Zheng, Amandine Cappelier, Liudmila Timchenko.

Veronese ou la Théâtralité - Un espace scénique entre sacré et profane.

 Par Nathalie RAINE, Maréva U, Maud CHOINARD.

 

Les Pieta de Cosmé Tura - Un exemple emblématique de l'art à Ferrare

Par Anna PAGOWSKA, Julia MAILLARD et Héloïse DEBEUSSCHER.

Rothkocolorfields - Mark Rothko et la couleur

    Par Sophie GALLET, Anna TARASSACHVILI, Margaux HELD.

Autour de l'Olympia de Manet

Par Youna SEVESTRE, Morgane GOUZIEN, Cathleen ROBITAILLE.

Les Guerrilla Girls - Reinventing the "f" word : feminism !

Par Clémence BONELLO, Margaux GAYET.

 

 

 

  1. Marc Aufraise, Doctorant en Histoire de la photographie, université Paris 1 ; Antoine Mazières, Coordinateur du programme de Licence Frontières de vivant, université Paris Descartes, Responsable de Fabelier ; Areti Damala, Post-doctorante – Chef de projets en Informatique et Ingénierie Culturelle, Centre d’Etude et de Recherche en Informatique et Communications (CEDRIC), CNAM ; Cécile Joyet, Master 1 Histoire de l’art de la Renaissance, université Paris 1. []
  2. En L2, les disciplines forment encore un tronc commun. []
  3. En congé recherche ; c’est Marc Aufraise qui m’a remplacée en amphi et l’équipe enseignante a montré de sérieuses propensions au travail collectif, à cet esprit collaboratif qui fait la marque de cette formation, depuis ses débuts. []

“S’approprier la visite au musée – Quels modèles pour la participation amateur ?” par Laetitia Aubin

 

 

 

Mémoire de Master 2 – Histoire et politique du patrimoine et des musées,

université Paris 1 – Panthéon-Sorbonne, soutenu en septembre 2011.

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 Mémoire

ANNEXES

 

 

Les pratiques numériques de l’image (II) – Perception des corpus, la prévisualisation.

Nous avons fait le choix de décomposer l’étude instrumentée des images en quelques phases ou fonctions.  Même si, précisément, les dispositifs numériques se caractérisent par l’intégration des opérations : une  fluidité accrue entre la constitution du stock et la gestion du corpus, entre les différents gestes ou stades de visualisation.  Nous marquons donc un premier arrêt sur la prévisualisation.

L’affichage des fichiers images s’effectue selon des tailles et des agencements variables. Dans ce contexte, l’affichage simultané d’images de petite taille, disposées  sur l’écran dans un espace homogène, une même fenêtre, produit une situation nouvelle de visibilité. La mise en visibilité a priori d’un ensemble d’images, sous la forme de  vignettes, est une propriété primordiale qu’il convient de souligner, de soustraire à l’évidence distraite. Servie par une interface adaptée, la visibilité de grandes quantités d’images présente une affordance1, inédite en matière de visualisation. Certains agencements, suppléés par quelques outils d’ajustement, permettent à la fonction de prévisualisation de se détacher en tant que telle et de s’imposer dans les pratiques numériques de l’image.

Dans le cadre des manipulations ante-numériques d’un corpus d’images, il n’est pas aisé d’identifier formellement une phase de prévisualisation pourtant effective : du parcours manuel et visuel rapide de boites de diapos ou de tirages ou encore de planches contact à la dissémination d’un « tas » sur le bureau ou la table lumineuse, les gestes se différencient selon que le corpus est connu de celui qui le manipule parce qu’il l’a lui-même constitué ou selon qu’il s’agit d’une recherche au sein d’un corpus composé par d’autres (photothèques, diapothèques institutionnelles (universités, centres de recherche, musées, bibliothèques, archives). Ces gestes sont avant tout insaisissables car ils relèvent de méthodes singulières, intimes, les moins aisément formalisables. Quoi qu’il en soit, on peut affirmer que la prévisualisation  d’un corpus visant à sélectionner une ou plusieurs images pour l’étude a procédé jusqu’alors d’un mouvement complexe,  combinant la mémorisation de ce que l’on a regardé avec ce que l’on regarde effectivement, à un instant T : des aller-retour constant entre visible/non visible, entre montré/caché, mettant en jeu sous des formes multiples, le perçu, le su, le connu.

Les possibilités actuelles de perception d’un grand corpus dont la pleine visibilité est désormais assurée modifient quelque peu les fonctionnements cognitifs établis sans que l’on espère modéliser totalement le fonctionnement des pratiques singulières. Reste qu’on peut identifier les conditions d’un mode de prévisualisation inédit.

Avec le numérique, en local ou en ligne, et quels que soient le corpus et son classement, une configuration s’impose qui favorise ce mode de prévisualisation. Il s’agit de l’affichage mobile et malléable de vignettes, souvent de taille équivalente, et disposées selon la structure d’une grille ou mosaïque ; quel que soit son format, cette organisation visuelle permet de parcourir du regard une grande quantité d’images, c’est l’un des caractères de nouveauté ; sa généralisation nous fait dire que l’on a affaire à un standard.

 Variations heuristiques de la grille

La structure de la grille pour agencer des images d’art n’a rien d’inédit en soi. On l’a déjà évoquée, notamment, avec la planche contact ; plus anciennement, on la retrouve dans les recueils imprimés des premiers historiens de l’art. Si le fait de rassembler sur des feuilles, des planches, les dessins ou les représentations gravées d’objets (objets, statues ou détails de bâtiments) est commun à de nombreux ouvrages anciens2, la forme la plus achevée, systématisée sous forme de grille précisément, est incontestablement livrée par Séroux d’Agincourt (1730-1814)3

Tableau historique et chronologique des frontispices des temples, avant et durant la decadence de l'art ©BNF

Le résultat n’est pas sans nous faire penser aux typologies d’objets industriels composées par Bernd (1931-2007) et Hilla Becher (1934-).

Quelles que soient la distance historique et la technique empruntée, ces exemples ont  en commun de rassembler les objets pour être comparés. En effet, dans ces différents cas, la grille prend une valeur heuristique de comparaison : elle illustre déjà une thèse où des rapprochements sont suggérés : elle est le fruit d’une sélection préalable d’objets ou de détails soustraits à leur contexte.

Bernd et Hilla Becher, Châteaux d'eau, Wassertürme, Water Towers, 1970-1998, © Bernd und Hilla Becher, Düsseldorf, 2003

La grille de vignettes numériques peut également résulter d’une sélection au sein d’un corpus mais elle se propose avant tout comme un agencement au service de la prévisualisation d’un ensemble d’images, en vue d’un tri, d’une sélection.

 

D’une façon générale, de nombreuses formes éditoriales ménagent la vision synoptique d’images pour accéder aux documents. Par exemple, les flux d’aggrégateurs comme Netvibes, peuvent être consultés par le moyen d’une grille de vignettes. Dans ce cas de figure, la fonction de prévisualisation est à même de déclencher la consultation d’un billet. Dans le cas de sites ou blogs dédiés aux arts visuels, cet avantage s’impose, sans aucun doute. Mais, outre la structure et la navigation hypermédia, le déploiement du visuel s’inscrit dans la filiation des relations textes/images dans la presse magazine.

 

Mon fil Rhizome sur Netvibes

Plus directement dédiée à la consultation ou à l’étude des images, il est notable que cette figure de la grille de vignettes est proposée aussi bien par les plateformes de stockage et de partage d’images généralistes (par ex., Flickr) que par les outils de consultation des bases de collections de certains sites de musées et de bibliothèques, enfin, par des outils de gestion personnelle d’images.

 

 

En ce qui concerne les plateformes de partage, l’adoption de la grille de vignettes s’est imposée d’évidence ; toutes sortes d’images y sont stockées sans norme d’identification.  Dès lors, la vision rapide et synoptique participe du processus d’identification et de recherche. Une forme d’équilibre est trouvé entre les nécessités d’exposition/identification des images et la gestion de quantités indéterminées.

Galerie de vitraux de Gordonplumb sur Flickr

Un standard du commun au professionnel

On retrouve également ces types de présentation dans le cas de certaines propositions éditées de bibliothèques. Ici, parmi les « expositions virtuelles » de la BNF, toute l’iconographie du dossier sur l’enluminure en Islam est rassemblée sur une même planche ; on peut non seulement entrer dans le site par les images mais surtout on peut prendre immédiatement la mesure de l’iconographie rassemblée.

Enluminures en Islam ©BNF

 

Dans le cas des catalogues de collections des musées, ce choix de la grille de vignettes s’inscrit généralement parmi l’offre des entrées dans le corpus. La proposition du MOMA nous semble l’une des plus remarquables, de ce point de vue, car  la possibilité de visionner, dans un même mouvement, au sein de la même interface, jusqu’à 160 images de la collection donne de la consistance à la prévisualisation. Ne présumant en rien du mode de consultation qui s’ensuivra, le moindre arrêt sur image avec le pointeur (rollover) livre une identification minimale de l’œuvre  (nom de l’artiste, titre, date) tout en modifiant sensiblement la taille de l’image.

Ainsi, c’est la perception des images des œuvres qui préside à la consultation. Cette approche s’inscrit délibérément dans une démarche en direction de publics indéterminés dont on ignore les motifs de consultation. En fait de publics indéterminés, ce sont les non initiés qui sont en fait visés, en accord avec la préoccupation politique principale des institutions patrimoniales. Cet abord des collections par l’image, privilégiant la perception visuelle plutôt que les entrées discursives, vise à séduire et susciter la curiosité, le désir de voir, le désir d’image. Approches hasardeuses, portées par le balayage du regard, serendipity ou rencontre de fortune, découverte des œuvres.

Collection du MoMA

Mais ce type d’approche “vagabonde” de grands corpus, connus de ceux qui les pratiquent, qu’ils les aient constitués eux-mêmes ou non, peut s’avérer riche de sélections non routinières, de redécouvertes, dans l’exercice de l’étude ou de la préparation d’une communication à un public. La rencontre inopinée provoquée par de nouvelles modalités de prévisualisation relance une certaine liberté d’associations, de mises en relation.

La rencontre des pratiques communes et professionnelles est un trait persistant des développements du web : non seulement les modes de consultation se rejoignent, comme dit précédemment, mais les outils également. Dans le droit fil de notre sujet, c’est précisément un outil “sans qualité” qui permet d’outiller les pratiques d’images des professionnels de l’étude des images. La photographie nous a déjà familiarisés avec ce phénomène, dira-t-on, avec raison. Mais, avec le numérique, la portée des outils “profanes” s’accorde aux propriétés puissantes de la technologie. L’outil Picasa, par exemple, l’un des « gestionnaires » d’images couramment appropriés, nous parait offrir un mode exemplaire de prévisualisation d’un corpus déterminé (dossier constitué) ou d’une collection (l’ensemble des dossiers d’images) en local. La manipulation se soutient des fonctions de réglage de l’outil : variation de la taille de l’ensemble des vignettes, déplacements des images, réplications infinies pour modifier les dossiers, les assemblages. L’ascenseur de la fenêtre permet d’ajuster le rythme du visionnage ainsi que son étendue ; quel que soit le nombre d’items considéré, le défilement repousse les limites de la fenêtre à un terme indéfini. Le réglage de la taille des vignettes soutient le choix de visualiser des quantités plus ou moins grandes d’images et surtout d’ajuster l’acuité de la prévisualisation. Considération, réflexion et sélection prennent appui sur l’action combinée du regard et du geste.

Points de fuite

Mais d’autres figures propices à la prévisualisation s’essaient ou se profilent qui méritent qu’on s’y attache quelque peu, quelle que soit leur fortune à venir. En réalité, la grille ou la mosaïque demeurent la matrice de ces propositions. Nous pensons – et revenons, décidément– à l’interface de la collection en ligne du SFMOMA, Artscope qui rassemble plus de 4 000 images sur une même grille.

Artscope

Si l’on considère ce modèle non plus à la lumière d’une pratique ludique et « intuitive » – en fait, à l’aveugle – mais du point de vue du chercheur qui connaît sa collection, l’outil change de nature. L’exploration à l’aide de la loupe numérique ne procède plus du hasard mais parcourt un paysage dont la moindre tache de couleur ainsi que sa place sur la grille est évocatrice. On peut être tenté par la promesse d’avoir à portée d’œil et de main l’ensemble d’une collection, d’un seul tenant…

Une solution approchante est au principe de Sea Dragon, un outil présenté avec succès par Microsoft, lors d’une conférence TED, en 2007. La quantité faramineuse d’images qui passe de l’imperceptible au visible parait ici sans limites.

Le zoom sert de levier à l’opération et sa puissance parait également illimitée. C’est d’ailleurs cette technique spectaculaire de zoom qui a assuré un développement et une application au système Sea Dragon qui s’exporte sur les smartphones, dès 2008. Est-ce à dire que la consultation de collections d’images à des fins d’étude pourrait ainsi migrer vers la mobilité ? Avec l’arrivée des tablettes multimédias, l’hypothèse de la diversification des situations de travail ne peut être négligée.

En réalité, ces figures “excentriques” se distinguent de ce que nous avons appelé la visibilité a priori ; l’accent est ici porté sur la disponibilité des corpus, en toutes situations, mobilisant davantage la référence du “tas”, du corpus informe, mais constamment disponible à l’exploration.

Ainsi, avec la standardisation de la figure de la grille de vignettes, une forme de prévisualisation se fraie un chemin, propice à la considération de grands ensembles d’images, articulant le regard et le geste, projetant, dans le fil du mouvement, des opérations de sélection et de manipulation de l’image, pour l’étude. En second  lieu, on remarque que les outils communs et les outils professionnels, en l’occurrence les systèmes de gestion de bases d’images, convergent pour adopter des langages formels communs. L’affordance de l’interface de prévisualisation, telle qu’envisagée ici, semble valoir pour des usages d’experts aussi bien que d’amateurs ou de simples curieux, même si les motifs ni les modes de consultation ne sont identiques.

Affichage mosaïque de la collection du MNAM

Si les logiciels de gestion des bases d’images, utilisés par les documentalistes et les conservateurs des musées, ne comportent pas tous de telles interfaces d’affichage de vignettes, certains systèmes en sont pourvus comme, par exemple, Navigart, choix judicieux effectué très tôt par l’association Videomuseum, L’interface de consultation publique de la base de collection du Musée National d’Art Moderne, partie prenante de ce réseau des collections contemporaines françaises, en donne un aperçu. Dans ce cas de gestion mutualisée de nombreuses collections, on entrevoit aisément l’intérêt d’une telle offre d’affichage des images des œuvres ; toutefois, l’avantage vaut également pour le travail sur n’importe quelle collection.

Pour les historiens de l’art qui ne bénéficient pas des outils professionnels utilisés par les musées pour la gestion des collections, l’opportunité de s’approcher des pratiques de leurs collègues se concrétise, comme on l’a vu, pour autant qu’ils adoptent les outils de la culture numérique commune.

Dans cette perspective, outre les nouvelles possibilités de prévisualisation, d’autres opérations sont à portée d’écran…

A suivre…

  1. nous avons choisi de référer à la présentation de ce concept par wikipedia anglophone car elle s’avère sensiblement plus complète que la version française bien que celle-ci s’en inspire explicitement []
  2. On consultera avec profit le catalogue de l’exposition éponyme,  Elisabeth Décultot, Musées de papier – L’Antiquité en livres (1600 – 1800), Paris, Editions du Louvre/Gourcuff Gradenigo, 2010. []
  3. Histoire de l’art par les monumens, depuis sa décadence au VIe siècle jusqu’à son renouvellement au XVIe siècle, Paris, Treuttel et Würtz, 6 vol., 1823 (en réalité 1810-1823). []

Les pratiques numériques de l’image (I) – La révolution silencieuse et le syndrome PPT .

La révolution numérique aurait bien eu lieu : les salles de cours sont équipées de micro-ordinateurs connectés au réseau et au vidéo projecteur. Un ou deux carrousels restent à disposition, au fond des salles, au cas où… Il s’agit d’une révolution silencieuse : seuls les équipements parlent la révolution des pratiques.

Il y a peu, «  Internet à la une – Enquête sur les pratiques de recherche en histoire de l’art », a été mis en ligne. Il s’agit d’une étude réalisée par Claire Boisserolles1 et Joëlle Raineau2, publiée dans le n°261 de Musées et Collections publiques de France3. Sur 48 réponses recueillies, on y apprend que l’usage documentaire d’un certain nombre de sites progresse. Mentionnons au passage que le degré de satisfaction par rapport à l’offre en ligne des institutions patrimoniales françaises, en l’occurrence les musées, est très faible. Ce qui se conçoit aisément. On en retire également que, à de rares exceptions près, les sites désignés privilégient les ressources françaises (ce qui éclaire la remarque précédente). Ces résultats, somme toute encourageants, témoignent d’une connaissance encore réduite des ressources internationales et en libre accès : la défiance à l’égard de l’Internet, encore palpable à l’université, s’y manifeste en creux ainsi  qu’un manque de formation à la recherche documentaire ad hoc. Pour les plus hardis ou les plus bavards qui se sont exprimés dans cette étude, l’Internet est de mieux en mieux accepté comme réservoir complémentaire de ressources : bibliographies, textes sources, articles et images.

Cependant, une fois repérés, fréquentés, récupérés les données ou les documents, qu’en est-il des pratiques d’appropriation ? Quelles formes prend donc l’usage des documents numériques et plus particulièrement, des images ? Il faut dire que l’on n’en sait rien ou pas grand-chose et qu’il est difficile de le savoir, touchant là à une sorte d’intimité de l’usage, l’histoire de l’art s’identifiant elle-même comme une pratique parmi les plus solitaires des sciences humaines et sociales.

Dès la mise en ligne de l’Observatoire critique, en 2006, dans le premier dossier, je m’étais attachée à faire le point sur l’offre d’images dans la discipline, sous le jour des changements induits par le passage au numérique4. L’approche adoptée privilégiait l’observation de l’exploitation du web par le monde académique et tentait de rendre compte, par un panorama aussi informé que possible, des politiques de mise en ligne : quelles tendances pouvait-on déceler alors dans l’offre documentaire et en particulier, l’offre d’images. La conclusion envisageait l’usage possible de plateformes ouvertes telles que Flickr… Perspective sacrilège, à l’époque ; elle ne l’est pas restée grâce aux initiatives des bibliothèques et des musées, disséminant des parties de leurs collections, non seulement sur des plateformes de partage mais également dans les wikisources ou wikicommuons où l’appel à la contribution des wikipédiens fait partie intégrante du contrat.

Mais la maturation du sujet ne tient pas uniquement à l’impact généralisé des outils et pratiques du web 2.0, pas davantage au déploiement exponentiel des ressources iconographiques en ligne. Ce qui nous incite à faire un nouvel arrêt sur l’image est lié à la décantation des modalités mêmes de l’offre, clarifiant par là même comment procède l’appropriation, bien sûr. Au-delà de l’offre documentaire considérée comme un « réservoir » – d’appoint ou principal, là n’est plus la question –, le point d’entrée ici proposé est de mettre en relation les formes de mise à disposition des images et la praxis qui leur est attachée, du point de vue de l’histoire de l’art et des études visuelles, en général. En effet, on peut désormais faire état d’une sorte de vocabulaire des mises en formes élémentaires de l’image numérique ; certains agencements qui favorisent des gestes de manipulation et d’appropriation des corpus d’images en composeraient la syntaxe, pour continuer de filer la métaphore d’un langage. En d’autres termes, il s’agit d’approcher le renouvellement des pratiques de l’image numérique, d’une façon concrète, phénoménale, à partir des outils disponibles, en privilégiant les dimensions de l’interfaçage entre l’organisation des corpus, la communication et la manipulation des documents iconographiques.

D’ailleurs, il est souhaitable que cet éclairage contribue à dissiper la représentation dominante dudit réservoir…

A partir des situations d’étude et d’enseignement ou de communication à un public, cette série de billets examinera le complexe des formes et des outils, utilisables en local et en ligne : au-delà du mot d’ordre de la numérisation – nécessité devenue indiscutable –, on peut désormais envisager les orientations de la (mise à) disposition des images par les acteurs collectifs (institutions) et les individus. En effet, des modèles se dessinent, servis par des interfaces, des outils et des fonctions qui sont le fait aussi bien d’une instrumentation commune, dispensée par l’offre sui generis du web, que de l’édition instrumentée sur des plateformes communautaires  ou des sites institutionnels. Des correspondances entre ces modes d’organisation et d’édition des images se confirment et tendent à constituer des standards que l’on se doit d’identifier, d’évaluer voire de préconiser.

Le syndrome PowerPoint ou la transition mimétique.

La part immergée de la révolution silencieuse est matérialisée par l’emploi du PowerPoint – ou d’un logiciel de P(résentation)AO équivalent –, pratique émergeante et dominante de l’image par les enseignants chercheurs, en situation de communication à un public (cours ou autre). Par ce moyen, reste accréditée l’idée selon laquelle le passage de l’image analogique au numérique se résout à une question de changement de support qui, lui-même, n’entraîne que des modifications d’importance relative. En effet, l’usilisation du PowerPoint peut donner à penser que l’on reste rivé aux usages antérieurs. Une fois insérée dans une « diapositive » –  l’analogie est ancrée dans le vocabulaire même –  l’image s’inscrit dans le même défilement fixe et linéaire du diaporama et ne déroge en rien à la projection de diapositives issues du tirage photographique.

On retrouve une fixité de l’image analogue au photographique ; les contraintes de format et de taille associées à ce support de présentation s’accordent à la fixité de l’imprimé, reproduit par le cadre immuable proposé : une page dans laquelle s’insère l’image. Certes, ces caractères de rigidité sont atténués ou compensés par certaines possibilités. S’agissant de l’image projetée, on peut intégrer des animations qui permettent de complexifier la « vue », en ajoutant des images dans l’image, par exemple (détails, image additionnelle, etc.). Toutefois, le cadre assignant une taille à l’image finale s’avère toujours aussi contraignant.

Certes, dans la phase de conception, le passage entre les modes « conception », « trieuse de diapos » et « diaporama » diffèrent du mode photographique, en s’effectuant au sein d’un même système opératoire, au sein de la même « application ». Plus encore, la malléabilité de l’image numérique dans l’environnement simulé de la « trieuse de diapos » se manifeste de manière sensible car le geste relayé par le pointeur de la souris permet la préhension directe des vignettes pour modifier à l’envie leur place dans la séquence composée.

Mais il faut insister sur le fait que le PPT est une application dédiée à un usage, à une situation uniques : la projection. Ce qui ne constitue pas seulement un cadre d’usage mimétique par rapport aux usages antérieurs mais risque d’entraver l’acculturation nécessaire à l’approche de la radicale nouveauté de la pratique numérique des images. Car celle-ci se caractérise notamment par l’intégration d’opérations diverses ainsi que par la contiguïté des situations antérieurement séparées et matérialisées par la mise en place ou en œuvre et la manipulation de plusieurs matériels et supports (boites ou albums de photos ou diapos, planches contact, table lumineuse, visionneuse, carrousel, projecteur, etc.).

Si la situation de projection de l’image numérique favorise l’illusion d’une persistance du photographique, elle fait écran à la solution de discontinuité, si l’on ose dire, qui caractérise le dispositif numérique complexe dans lequel s’intègre la projection. Opérateur devant sa station de travail, l’utilisateur garde la main sur le stockage, l’archivage, la visualisation sous diverses formes, la communication, l’édition de l’image. Une image, en instance de traitement comme tout document numérique, sur laquelle « garder la main » implique d’associer nouvellement le regard et le geste, l’œil et la main. Y compris en situation de projection. C’est cette proposition qu’il s’agit d’illustrer…

A suivre…

 

 

 

 

  1. Responsable des ressources documentaires, Petit palais, musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris []
  2. Collaboratrice scientifique, Petit Palais, musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris []
  3. De l’arbre à la souris : l’édition dans musées, une histoire de réseaux, Revue de l’association générale des conservateurs des collections publiques de France []
  4. Vers un nouveau partage de l’image, in Dossier Universités et Centres de recherche en ligne []

Séminaire doctoral – L’histoire de l’art et les Digital Humanities.

Vendredi 8 avril 2011, 16h-18h, Salle Jullian – 1er étage, INHA.

L’histoire de l’art et les Digital Humanities

Un milieu international s’est constitué autour de l’usage du numérique dans les sciences humaines et sociales, sous le nom de Digital Humanities. Ainsi de plus en plus d’ensei­gnants-chercheurs, dans de nombreuses régions du monde, expérimentent et s’interro­gent. De l’exploitation automatisée des données utiles à la recherche à l’édition de corpus instrumentés, des réalisations accessibles en ligne illustrent les recherches en cours. Ces explorations sont également porteuses d’interrogations sur de nouvelles relations entre les disciplines. Comment l’histoire de l’art se situe-t-elle dans ce mouvement ?

La date de la quatrième et dernière séance de ce cycle “Pratiques de l’histoire de l’art à l’ère du numérique”  est fixée au 13 mai 2011.

Arts numériques – Questions d’exposition et de consservation – Samuel Huron, le 21 mars.

Samuel Huron, htmlgramme - Feel the feed - 2009

Le 21 mars, nous recevrons Samuel Huron

Depuis bientôt 10 ans Samuel Huron participe à la conception et réalisation de multiples projets web grand comptes.  En 2009, il est diplômé du Master 2 Recherche, Arts et Médias Numériques de l’Université de Paris I Panthéon-Sorbonne. Il a été promu major de promotion pour ses recherches concernant le design d’information appliqué au Web. En tant que plasticien et programmeur il a participé durant 2 ans à des travaux d’expérimentation et de recherche sur les métasverses et les installations interactives artistiques à l’ENSAD Lab (ITR, ENER).
Il exerce actuellement comme designer et développeur à l’Institut de Recherche et d’Innovation du Centre Pompidou et commence une thèse avec l’équipe AVIZ.

Samuel Huron centre son travail sur l’étude des interfaces et la représentation de données.
Il crée des méthodes de représentation de données, interrogeant le traitement numérique de l’information comme des passages entre
virtuel et actuel. Son travail ce situe a la frontière entre création plastique et recherche scientifique.

On trouve une partie de ses travaux plastiques sur son site : http://www.cybunk.com/blog2/fr/category/works/
ainsi que sur Flickr : http://www.flickr.com/photos/samuel-huron/collections/72157625948235917/
Au cours de cette séance, en présentant certains de ces travaux artistiques, Samuel Huron interrogera l’émergence de nouveaux espaces de créations propres à la numérisation de l’information et au développement des interfaces.

Le cours a lieu, le lundi de 14h à 16h, Salle Demargne, Galerie Colbert, INHA. (M° Bourse).

Arts numériques – Questions d’exposition et de conservation – Brice Roy, le 14 mars

Le 14 mars 11, nous recevrons Brice Roy. Brice Roy est game designer indépendant. Il a co-fondé le collectif OneLifeRemains en février 2010, au sein duquel il élabore des jeux vidéo à caractère expérimental ou innovant. philosophe de formation, membre de l’OMNSH (Observatoire des Mondes Numériques en Sciences Humaines), il enseigne le Game Design à l’ICAN (Institut de Création et Animation Numériques) et à Gamagora.

A l’occasion de son intervention, il reviendra sur Générations, un projet de jeu où une partie dure plusieurs siècles. Cette présentation servira de point d’entrée pour interroger les notions de patrimoine numérique, d’obsolescence programmée et de transmission inter-générationnelle. En prenant appui sur une série d’oeuvres analogues, il invitera enfin à débattre sur les propriétés expressives du matériau numérique et celles du jeu vidéo en particulier.

Quelques unes de ses créations sont jouables sur le site http://oneliferemains.com.

Le cours a lieu, le lundi de 14h à 16h, Salle Demargne, Galerie Colbert, INHA. (M° Bourse).

Arts numériques – Questions d’exposition et de conservation – Luc Dall’Armellina le 7 mars

Le 7 mars 11, nous recevrons Luc Dall Armellina

Luc Dall Armellina est enseignant de design hypermédia, à l’Ėcole des beaux-arts de Valence depuis 1999 ; chercheur associé au Laboratoire Paragraphe (EA349) de l’université Paris 8, il anime le groupe Hypertexte et il assure également des cours « arts et technologies contemporaines », à l’université technologique de Compiègne

Son travail théorique s’accompagne d’une pratique artistique dont l’image, le langage et la philosophie forment le socle des expérimentations numériques.

Ses travaux en cours : flu#3, lecture performative musicale langagière [ en cours d’écritures] ; flow#2 (juin 2009), lecture performative musicale narrative [ pas encore en ligne ] ; flog#1 (mars 2008) flux + blog = flog = lecture performative musicale emballée de flux d’informations

Et : Instants Portraits (mai 2008) A l’invitation d’Annie Abrahams, un fil RSS d’instants choisis écrits au fil des heures pendant un mois, sans possibilité de correction. SeeVeniceAndDie (avril 2007), p[r]o[g]ème variable pour synthétiseur vocal. e-poetry 2007, extraits vidéos des sets joués lors d’e-poetry 2007 à Paris. gener_hâtifs (avril 2006), protos (dé)générateurs de texte. in_tensions (depuis 2005), facéties poétiques pour journaux lumineux urbains. QQA3 (septembre 2004), pong dialogique.  oui / non (septembre 2003), conversation algo-rythmé. e-cris (octobre 2001), lectecritures (que pourrez-vous écrire avec mes mots ?).  trois fils (juin 2001), portraits e-mouvants.

Au cours de cette séance, Luc Dall Armellina présentera quelques œuvres et les considérera au regard de différents supports et formats. Il nous livrera également l’état de sa réflexion et sa stratégie en ce qui concerne la conservation de ses travaux numériques.

On peut consulter ses travaux sur son site http://lucdall.free.fr et sur son blog http://lucdall.free.fr/blog.

Culture numérique, musée,œuvre et document. Semestre 2 : arts numériques : questions d’exposition et de conservation

En publiant ce Carnet, j’ai dû, par réalisme, « réduire la voilure », par rapport au précédent projet de l’Observatoire critique : plus d’art numérique, plus d’œuvre du mois. Dans mon cours de Master du second semestre, toutefois, je continue de faire venir des artistes et ces séances sont ouvertes au public.

Le cours a lieu, le lundi de 14h à 16h, Salle Demargne, Galerie Colbert, INHA. (M° Bourse).

Le 21 février 11, nous recevons Simon Bachelier

Après avoir suivi des études en histoire de l’art, à l’université Paris 1, Simon Bachelier a orienté ses travaux de Master vers l’exploration des relations entre histoire de l’art et numérique ( On peut lire ses deux mémoires ici même )  , puis, il s’est intéressé aux perméabilités entre jeux vidéo et art contemporain. Actuellement en charge des projets jeux vidéo et serious games pour Universcience, il dédie une partie de son temps libre au développement d’une scène française créative et indépendante qui cherche à s’affranchir des règles établies par l’industrie et les institutions culturelles dominantes

Au cours de cette séance, Simon Bachelier traitera de la façon dont certains artistes contemporains s’emparent du numérique à travers le web, le jeu vidéo ou encore les interfaces mobiles  pour réinventer ou s’approprier de nouveaux espaces de création et d’exposition. Du net art aux art games en passant par les interventions artistiques en zones urbaines et virtuelles, il dressera un état des modalités de légitimation et de reconnaissance de ces créateurs qui privilégient les supports mobiles.

Le 28 février 11, nous recevrons Anne-Sarah Le Meur

La recherche d’Anne-Sarah Le Meur, tant pratique que théorique, concerne l’influence du processus informatique sur l’imaginaire, et notamment la transformation éventuelle du rapport au corps. Ses images/animations (Aforme : Un peu de peau s’étale encore, Horgest, Etres-en-tr… et Là où cela veut poindre) ont été montrées en France, Allemagne, Angleterre, Brésil, Hong-Kong, Corée et Japon.
Depuis 2000, elle travaille en 3D temps réel, sur OpenGl, pour réaliser un environnement interactif : Au creux de l’obscur, basé sur le désir de percevoir du spectateur. Depuis 2005, Oeil-océan, la partie visuelle, est présentée, au fur et à mesure de son évolution, sous forme de projection vidéo ou/et performance-clavier (comme Gris-moire ou Stries plissées). La partie panoramique interactive, Outre-ronde, est quasi-réalisée (résidence ZKM), et sera bientôt exposée.


Après avoir enseigné deux années (1995 – 1997) à l’Université Bauhaus-Weimar, elle est, depuis l’an 2000, Maître de Conférences et enseignante-chercheure à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, en Arts Plastiques et Sciences de l’Art, site Saint-Charles.

Ses oeuvres numériques ont été réalisées avec différentes versions du logiciel de Michel Bret, Anyflo, développé à Paris VIII, outil particulièrement intéressant pour l’artiste qui programme et qui cherche à concevoir autrement l’image tridimensionnelle. Après avoir goûté de WTK (bibliothèque graphique World Tool Kit), elle travaille actuellement sur OpenGL.

Au cours de notre séance, Anne-Sarah Le Meur présentera quelques œuvres et s’attachera à analyser l’incidence des conditions diverses d’exposition auxquelles celles-ci se prêtent.

Les 7, 14 et 21 mars, nous recevrons, respectivement, Luc Dall Armellina, Brice Roy et Samuel Huron. Informations à suivre…

Master UCLDH – En savoir un peu plus… avec Claire Warwick, Centre Director.

Dans la foulée de l’information que nous avions publiée au sujet de la création du Master Digital Humanities à University College, London, nous avons posé quelques questions à l’équipe de direction, composée de Claire Warwick, Melissa Terrass et Simon Mahony. Claire Warwick, Directrice du Centre de D.H., nous a répondu par mail.

What are the contextual circumstances that have permitted or facilitated UCL to decide the creation of the D.H. Center ? Could you answer that question taking into consideration the academic situation in the field in the United-Kingdom, and in the local academic environment ?

The idea for UCLDH came about after the then Head of the Department of Computer Science, Professor Anthony Finkelstein heard a talk about DH at Cambridge University, given by Willard McCarty of KCL. Inspired by this talk he contacted me, and we decided to set up a meeting at UCL to see whether other people were interested. Over 100 people attended the meeting from every Faculty of the university including Life Sciences, Engineering Science and Built Environment. As a result of this impressive level of interest we were encouraged by the Vice Provost Research, Professor David Price and the Dean of Arts and Humanities, Professor Henry Woudhuysen, to start a centre. We were successful in being awarded a grant from the UCL Provost’s Development Fund, which is used to support the establishment of new, interdisciplinary research and teaching initiatives. This will fund UCLDH for its first two years.

UCLDH was particularly timely in the UCL context since a series of research Grand Challenges had recently been established. These are intended to create interdisciplinary networks of scholars to address global problems: Global Health, Human Wellbeing, Intercultural Interactions and Sustainable Cities. Several interdisciplinary research institutes have been established to facilitate this work and UCLDH fits well within this model. UCL is also unique in world top 10 universities in having a Department of Information Studies, world leading Computer Science and humanities research, as well as museums, libraries, galleries and archives both at UCL and close to us in central London. This creates a very fertile mixture of materials, influences and ideas with which we can work.

We feel that this combination of factors makes us unique not just in the UK, but in the world. But it certainly drives our distinctive approach to DH. We believe that excellent DH research can only come about when the project is challenging both for computer scientists or engineers and to humanities scholars and we aim to create new knowledge in both parts of this equation. This distinguishes us from more traditional approaches to DH, where computing was generally in the service of humanities research, rather than an equal partner with it.

How do you argue the necessity of a MA degree : is it the very responsibility of the D.H. Centres to assume this kinds of courses ? Is this part of a strategy that aims to foster an interdisciplinary field? Is the aim to supply to the technological gaps in the Humanities disciplines?

As a university UCL believes that leading researchers in all disciplines should teach and pass on their knowledge to the next generation of potential scholars. Thus we feel that students should be able to benefit from UCLDH’s unique interdisciplinary approach and not just academic researchers. So it seemed obvious to develop a teaching programme that is highly interdisciplinary and allows students to call on the very diverse subject areas in which UCL has expertise. Students may indeed be from a humanities background, seeking more technical content, but we also envisage that some of them will be technical people who might like to work in a humanities or cultural heritage context.

In my understanding of the D.H. Master, the “main courses” (4 core modules) express the essential place of producing and managing digital resources and digital edition in research or in professional practices (notably, cultural heritage). How have you designed the architecture of the MA, composed by these “main courses” and so many choices with the optional modules?

We discussed the skills that students ought to have to be considered a digital humanist and these formed the core courses. For the options we looked at all the possible courses that UCL departments offer which we felt would be of interest to DH students, and approached the relevant academics to ask if they would allow their module to be included in the MA/MSc. Almost all of them were happy to do so.

In your opinion, which fields do you expect the students come from? How do you figure out their disciplinary origin? How do you figure out their academic or professional objectives?

See above. We don’t mind what fields people come from. We get information about their backgrounds and objectives from the application forms that they send and also from interviews, if we feel that they have potential to study the course. If they are awarded a place at UCL we will of course discuss their chosen path with students when they begin their course, and as it progresses.

Could we design a general strategic schema where the D.H. Centers integrate earlier the academic degrees, creating a PhD first, then Masters, then?

No, not really. There is no generic schema, and not all universities will want to operate in the same way.

In addition, do you think that Digital Humanists have to think about the place assigned to the digital culture in the lowest degrees, in terms of renewing pedagogy and courses do you think it is rather a discipline which deals with graduate degrees or higher

No I think DH should definitely be integrated into undergraduate teaching, and I am sure that will come with time. Indeed we have a DH module suggested for a planned interdisciplinary BA/BSc Undergraduate degree.

As the Staff, all of you belong to Information Studies faculty – although each of you have undertaken research and teaching in other disciplines – (that is not common in the French academic culture). Is it an “accident” or do your think that Information studies have a specific vocation to set up interdisciplinary Digital Humanities?

Not all of us are in DIS. There are several DH people in other departments, notably Computer Science. Also people who do DH are to be found in many other UCL departments, such as archaeology, anthropology, fine art, architecture, engineering etc. We are really a network whose base just happens to be in DIS. But Information Studies is a very good base for DH because it is a naturally collaborative and interdisciplinary area. People in IS often work across boundaries of disciplines and collaborate with others in different subjects, so we are a good place for people who want to make links with others. As you may know several US iSchools also do DH.

How do you regard the relationships with the other disciplines : do you invite students in literature or in art history, for instance, to follow the master as a complementary or as an alternative degree?

I’m not sure what this means. If it means can they take modules from DH then yes we plan to allow that in future if people from their primary subject would like to do this. Otherwise we are happy to collaborate with anyone in any discipline if we can think of a productive way to work together.

Séminaire Nouvelles formes d’éditorialisation : constitution du savoir et apprentissages.

Nous attirons particulièrement l’attention sur la prochaine séance du séminaire, organisé par Invisu et Sens Public, qui se tiendra le10 février 2011, Salle Peresc, à l’iNHA, de 18h à 20h.

Ce sont les Serious games qui seront présentés par Simon Bachelier, chargé de projet jeux vidéo et serious game à Universcience (Cité des Sciences et Palais de la Découverte). La conférence permettra de situer ces “jeux sérieux” dans le développement des jeux video pour s’attacher ensuite à leur usage comme outils d’apprentissage et de transmission des savoirs.