Culture numérique, musée,œuvre et document. Semestre 2 : arts numériques : questions d’exposition et de conservation

En publiant ce Carnet, j’ai dû, par réalisme, « réduire la voilure », par rapport au précédent projet de l’Observatoire critique : plus d’art numérique, plus d’œuvre du mois. Dans mon cours de Master du second semestre, toutefois, je continue de faire venir des artistes et ces séances sont ouvertes au public.

Le cours a lieu, le lundi de 14h à 16h, Salle Demargne, Galerie Colbert, INHA. (M° Bourse).

Le 21 février 11, nous recevons Simon Bachelier

Après avoir suivi des études en histoire de l’art, à l’université Paris 1, Simon Bachelier a orienté ses travaux de Master vers l’exploration des relations entre histoire de l’art et numérique ( On peut lire ses deux mémoires ici même )  , puis, il s’est intéressé aux perméabilités entre jeux vidéo et art contemporain. Actuellement en charge des projets jeux vidéo et serious games pour Universcience, il dédie une partie de son temps libre au développement d’une scène française créative et indépendante qui cherche à s’affranchir des règles établies par l’industrie et les institutions culturelles dominantes

Au cours de cette séance, Simon Bachelier traitera de la façon dont certains artistes contemporains s’emparent du numérique à travers le web, le jeu vidéo ou encore les interfaces mobiles  pour réinventer ou s’approprier de nouveaux espaces de création et d’exposition. Du net art aux art games en passant par les interventions artistiques en zones urbaines et virtuelles, il dressera un état des modalités de légitimation et de reconnaissance de ces créateurs qui privilégient les supports mobiles.

Le 28 février 11, nous recevrons Anne-Sarah Le Meur

La recherche d’Anne-Sarah Le Meur, tant pratique que théorique, concerne l’influence du processus informatique sur l’imaginaire, et notamment la transformation éventuelle du rapport au corps. Ses images/animations (Aforme : Un peu de peau s’étale encore, Horgest, Etres-en-tr… et Là où cela veut poindre) ont été montrées en France, Allemagne, Angleterre, Brésil, Hong-Kong, Corée et Japon.
Depuis 2000, elle travaille en 3D temps réel, sur OpenGl, pour réaliser un environnement interactif : Au creux de l’obscur, basé sur le désir de percevoir du spectateur. Depuis 2005, Oeil-océan, la partie visuelle, est présentée, au fur et à mesure de son évolution, sous forme de projection vidéo ou/et performance-clavier (comme Gris-moire ou Stries plissées). La partie panoramique interactive, Outre-ronde, est quasi-réalisée (résidence ZKM), et sera bientôt exposée.


Après avoir enseigné deux années (1995 – 1997) à l’Université Bauhaus-Weimar, elle est, depuis l’an 2000, Maître de Conférences et enseignante-chercheure à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, en Arts Plastiques et Sciences de l’Art, site Saint-Charles.

Ses oeuvres numériques ont été réalisées avec différentes versions du logiciel de Michel Bret, Anyflo, développé à Paris VIII, outil particulièrement intéressant pour l’artiste qui programme et qui cherche à concevoir autrement l’image tridimensionnelle. Après avoir goûté de WTK (bibliothèque graphique World Tool Kit), elle travaille actuellement sur OpenGL.

Au cours de notre séance, Anne-Sarah Le Meur présentera quelques œuvres et s’attachera à analyser l’incidence des conditions diverses d’exposition auxquelles celles-ci se prêtent.

Les 7, 14 et 21 mars, nous recevrons, respectivement, Luc Dall Armellina, Brice Roy et Samuel Huron. Informations à suivre…

Master UCLDH – En savoir un peu plus… avec Claire Warwick, Centre Director.

Dans la foulée de l’information que nous avions publiée au sujet de la création du Master Digital Humanities à University College, London, nous avons posé quelques questions à l’équipe de direction, composée de Claire Warwick, Melissa Terrass et Simon Mahony. Claire Warwick, Directrice du Centre de D.H., nous a répondu par mail.

What are the contextual circumstances that have permitted or facilitated UCL to decide the creation of the D.H. Center ? Could you answer that question taking into consideration the academic situation in the field in the United-Kingdom, and in the local academic environment ?

The idea for UCLDH came about after the then Head of the Department of Computer Science, Professor Anthony Finkelstein heard a talk about DH at Cambridge University, given by Willard McCarty of KCL. Inspired by this talk he contacted me, and we decided to set up a meeting at UCL to see whether other people were interested. Over 100 people attended the meeting from every Faculty of the university including Life Sciences, Engineering Science and Built Environment. As a result of this impressive level of interest we were encouraged by the Vice Provost Research, Professor David Price and the Dean of Arts and Humanities, Professor Henry Woudhuysen, to start a centre. We were successful in being awarded a grant from the UCL Provost’s Development Fund, which is used to support the establishment of new, interdisciplinary research and teaching initiatives. This will fund UCLDH for its first two years.

UCLDH was particularly timely in the UCL context since a series of research Grand Challenges had recently been established. These are intended to create interdisciplinary networks of scholars to address global problems: Global Health, Human Wellbeing, Intercultural Interactions and Sustainable Cities. Several interdisciplinary research institutes have been established to facilitate this work and UCLDH fits well within this model. UCL is also unique in world top 10 universities in having a Department of Information Studies, world leading Computer Science and humanities research, as well as museums, libraries, galleries and archives both at UCL and close to us in central London. This creates a very fertile mixture of materials, influences and ideas with which we can work.

We feel that this combination of factors makes us unique not just in the UK, but in the world. But it certainly drives our distinctive approach to DH. We believe that excellent DH research can only come about when the project is challenging both for computer scientists or engineers and to humanities scholars and we aim to create new knowledge in both parts of this equation. This distinguishes us from more traditional approaches to DH, where computing was generally in the service of humanities research, rather than an equal partner with it.

How do you argue the necessity of a MA degree : is it the very responsibility of the D.H. Centres to assume this kinds of courses ? Is this part of a strategy that aims to foster an interdisciplinary field? Is the aim to supply to the technological gaps in the Humanities disciplines?

As a university UCL believes that leading researchers in all disciplines should teach and pass on their knowledge to the next generation of potential scholars. Thus we feel that students should be able to benefit from UCLDH’s unique interdisciplinary approach and not just academic researchers. So it seemed obvious to develop a teaching programme that is highly interdisciplinary and allows students to call on the very diverse subject areas in which UCL has expertise. Students may indeed be from a humanities background, seeking more technical content, but we also envisage that some of them will be technical people who might like to work in a humanities or cultural heritage context.

In my understanding of the D.H. Master, the “main courses” (4 core modules) express the essential place of producing and managing digital resources and digital edition in research or in professional practices (notably, cultural heritage). How have you designed the architecture of the MA, composed by these “main courses” and so many choices with the optional modules?

We discussed the skills that students ought to have to be considered a digital humanist and these formed the core courses. For the options we looked at all the possible courses that UCL departments offer which we felt would be of interest to DH students, and approached the relevant academics to ask if they would allow their module to be included in the MA/MSc. Almost all of them were happy to do so.

In your opinion, which fields do you expect the students come from? How do you figure out their disciplinary origin? How do you figure out their academic or professional objectives?

See above. We don’t mind what fields people come from. We get information about their backgrounds and objectives from the application forms that they send and also from interviews, if we feel that they have potential to study the course. If they are awarded a place at UCL we will of course discuss their chosen path with students when they begin their course, and as it progresses.

Could we design a general strategic schema where the D.H. Centers integrate earlier the academic degrees, creating a PhD first, then Masters, then?

No, not really. There is no generic schema, and not all universities will want to operate in the same way.

In addition, do you think that Digital Humanists have to think about the place assigned to the digital culture in the lowest degrees, in terms of renewing pedagogy and courses do you think it is rather a discipline which deals with graduate degrees or higher

No I think DH should definitely be integrated into undergraduate teaching, and I am sure that will come with time. Indeed we have a DH module suggested for a planned interdisciplinary BA/BSc Undergraduate degree.

As the Staff, all of you belong to Information Studies faculty – although each of you have undertaken research and teaching in other disciplines – (that is not common in the French academic culture). Is it an “accident” or do your think that Information studies have a specific vocation to set up interdisciplinary Digital Humanities?

Not all of us are in DIS. There are several DH people in other departments, notably Computer Science. Also people who do DH are to be found in many other UCL departments, such as archaeology, anthropology, fine art, architecture, engineering etc. We are really a network whose base just happens to be in DIS. But Information Studies is a very good base for DH because it is a naturally collaborative and interdisciplinary area. People in IS often work across boundaries of disciplines and collaborate with others in different subjects, so we are a good place for people who want to make links with others. As you may know several US iSchools also do DH.

How do you regard the relationships with the other disciplines : do you invite students in literature or in art history, for instance, to follow the master as a complementary or as an alternative degree?

I’m not sure what this means. If it means can they take modules from DH then yes we plan to allow that in future if people from their primary subject would like to do this. Otherwise we are happy to collaborate with anyone in any discipline if we can think of a productive way to work together.

Séminaire Nouvelles formes d’éditorialisation : constitution du savoir et apprentissages.

Nous attirons particulièrement l’attention sur la prochaine séance du séminaire, organisé par Invisu et Sens Public, qui se tiendra le10 février 2011, Salle Peresc, à l’iNHA, de 18h à 20h.

Ce sont les Serious games qui seront présentés par Simon Bachelier, chargé de projet jeux vidéo et serious game à Universcience (Cité des Sciences et Palais de la Découverte). La conférence permettra de situer ces « jeux sérieux » dans le développement des jeux video pour s’attacher ensuite à leur usage comme outils d’apprentissage et de transmission des savoirs.

Séminaire doctoral – report de la séance du 11 février 2011

Pour des raisons exceptionnelles, la prochaine séance du séminaire Pratiques de l’histoire de l’art à l’ère du numérique – Les usages de l’image numérique pour l’histoire de l’art, est reportée au 11 mars 2011. Toutes les séances prévues seront déplacées d’un mois sur l’autre. La date de la dernière séance, en mai, sera communiquée dès qu’elle sera fixée.

Contacts : Élisabeth Doulkaridou, elisabeth.doulkaridou@gmail.com ; Marie-Laure Gabriel, mlauregab@yahoo.fr ; Gaylord Brouhot, gaylord.brouhot@inha.fr

MET CONNECTIONS ou la subjectivité en partage

Le MET (Metropolitan Museum of  Art) propose depuis le début du mois de janvier une nouvelle approche des collections, avec CONNECTIONS . La forme est simple :des séquences d’images sonorisées ; la formule n’en est pas moins inédite.

CONNECTIONS est remarquable par la tonalité de l’adresse. Des conservateurs, des commissaires d’exposition, des scientifiques, des bibliothécaires, des personnels éducatifs, des photographes, des designers, des producteurs multimédia, des techniciens, des administrateurs, bref l’ensemble des personnels du musée nous présente une série d’objets conservés par le musée. A la façon d’une carte blanche, chacun/e s’adresse, en à peine plus de quatre minutes,  à vous, à moi. Les intitulés des sujets choisis sont variés : Religious Art, par exemple, ne déroge en rien, a priori, aux thèmes artistiques qu’il convient de traiter. Toutefois, Quiet ; Black ; White, Ideal Man, Small Things ou encore Date Night…. intriguent davantage ou du moins témoignent d’une intention de varier les plaisirs de la leçon d’histoire de l’art.

Or, ici, on a délibérément quitté le projet de la leçon pour celui de la composition personnelle. Essayez Black, par Aimée Dixon, par exemple. C’est le premier que j’ai écouté/regardé, sans doute à cause du début d’une phrase affichée en exergue : The concept that black is the absence of color… pour moi, la résonance fut immédiate avec l’exposition d’ouverture de la Galerie Maeght1. On verra que la question de la résonance chez le spectateur/auditeur n’est pas ici hors propos. Black est traité du point de vue personnel d’Aimée Dixon : les œuvres qu’elle nous présente incarnent plutôt qu’elles n’illustrent ce que le noir évoque ou a évoqué pour elle ; les associations sensibles, biographiques qu’elle relie à la rencontre de ces œuvres sont d’ailleurs en partie marquées par son existence d’Afro-Américaine …

Outre le plaisir que l’on prend à certaines de ces séquences (l‘unanimité n’est pas de mise – ça fait partie du jeu), plusieurs éléments nous frappent :

Le discours du musée s’est mué ici en une pluralité de paroles livrées par des personnes qui ne sont pas celles assignées à l’exercice habituel de la médiation ; les conservateurs ni les chargé/e/s des services éducatifs n’en sont exclu/e/s mais tant d’autres s’y joignent, des plus « légitimes » aux plus habituellement périphériques ou plutôt invisibles.

Le musée, l’institution s’incarnent. Depuis un certain temps déjà, un principe de transparence, au sens où des fonctions prennent corps et visages pour discourir ou œuvrer publiquement dans toutes sortes d’exercices, accessibles, visibles et audibles sur le Web : des conférences ou lectures (les cas anglo-américains sont majoritaires), podcastées, des séquences de commentaires d’œuvres ou de montage d’expositions, distribuées sur Youtube ou bien encore sur Art Babble, où le monde de l’art surtout contemporain, est autant représenté par les directeurs d’institutions que par les artistes. Red Studio du MoMA où des collégiens dialoguent avec des conservateurs… Les professionnels du musée sortent de l’abstraction institutionnelle. Mais dans le cas présent, il vaut d’insister sur la pluralité de la représentation, sa démocratisation : !‘égalité de traitement de tous ces protagonistes du monde muséal produit une égale légitimité de ces récits. Car cette légitimité puise à la source de l’authenticité plutôt qu’à celle de la connaissance instituée.

Ces récits n’ont rien de didactique, donc ; seule l’expression de la subjectivité guide la monstration d’une petite collection personnelle. Si les œuvres se succèdent, au fil du récit, par le biais de simples images fixes, donnant lieu parfois à plusieurs vues (détaillée, rapprochée), la voix qui les porte au regard capte l’attention par le ton emprunté. On est loin de la voix off du commentaire démonstratif, explicatif et contextuel. Ici, l’énonciation se place sur un plan où se mêlent le savant et l’intime, le circonstanciel dans la biographie et l’expérience singulière de celle ou celui qui parle ; on serait tenté de dire plutôt : de celui ou celle qui prend la parole car une impression de libre consentement émane de la prestation,à la façon d’une initiative personnelle. Des petits rires comme ceux que l’on s’adresse à soi-même, ponctuent parfois le cours du monologue et renforcent le sentiment de proximité recherché.

La subjectivité dont il est question fait glisser le discours du savoir, de l’histoire de l’art, du côté de l’esthétique. L’expression du goût, de l’inclination pour tel objet ou tel autre, semble fournir le socle de la parole livrée, tisse une trame dans laquelle viennent s’intriquer les œuvres présentées. La relation esthétique avec les objets, ici dévoilée, repousse à l’arrière plan la fonction occupée dans l’institution et semble contenir celle-ci dans son rôle de gardien des œuvres. L’esthétique ne fait pas exactement partie de la relation prise en charge en direction des publics, si l’on convient du fait qu’il ne suffit pas de décréter que telle œuvre est admirable pour ouvrir les voies du sensible. C’est le registre de la résonance, de la rencontre et de l’association qui est proposé, le régime de la prédilection pour des raisons qui n’ont pas à voir avec l’évidence des chefs-d’œuvre.  Ceci ne peut être énoncé qu’à la première personne du singulier.

L’effet miroir est immédiat auprès du spectateur : l’échange des subjectivités s’engage, sur un mode muet, imaginaire ; chacun/e se sent prêt/e à rassembler sa collection, à évoquer ses œuvres, celles qui restent inscrites et embrayent toujours sur des associations sensibles, celles qui sont à même d’enclencher un récit du goût. Lequel peut prétendre à autant de légitimité que celui des spécialistes.

Cet appareil, très séduisant car il renouvelle les discours émanant de l’institution, parait provenir en droite ligne de l’expérience des réseaux sociaux dans lesquels le MET s’est tenu aux avant-postes2  Si la subjectivité reprend ses droits – est encouragée comme forme de médiation –  au sein même de l’institution, il semble bien que les nouvelles postures de dialogue et d’animation engagées avec, au sein des communautés des friends, amateurs, amis du musée, followers, etc. y soient pour beaucoup. Ces dispositifs de communication engagent à la personnalisation des échanges avec les amateurs, amateurs du lieu, des œuvres ; ceux-ci manifestent leurs appréciations, leurs goûts. Ils s’approprient le musée, un musée  incarné, par ceux qui le font vivre et par eux-mêmes.

CONNECTIONS relance l’échange entre les subjectivités ; il nourrit le jeu de la proximité, de l’égalité face à l’expression du goût, par cette nouvelle formule d’expression, pourtant conçue sur un mode de communication unidirectionnelle. Mais certaines des séquences sont plus directement que d’autres indexées sur une biographie enracinée dans un territoire ; c’est le cas de Tennessee, par exemple. Une perche plus évidente est tendue à l’expression des subjectivités, des histoires personnelles où le musée, les œuvres ont imprimé une marque. Et les amis, les fans, les followers sont invités à rejoindre la conversation :

On January 7, for instance, we asked our Facebook fans: Which work of art in the Met’s collections reminds you of a fond childhood memory? Here’s a sampling of the responses:

« The painting of Joan of Arc. I remember it from a childhood book and I wanted to be like her. Years later, I saw the original painting at the Met. » —Merri

« The Egyptian collection!! Wonderful memory of my mom taking me there when I was very young and me falling down while running up to see the temple [of Dendur] !! Still remember how that hurt my shin but it was worth it!! » —Angie.3

Pour finir, à propos de CONNECTIONS, il faut tout de même ajouter que la page de chaque présentation contient trois autres onglets :qui permettent de situer historiquement et géographiquement les œuvres présentées. En fait, la liaison est établie avec la considérable encyclopédie Heilbrunn Timeline of Art History – ; un troisième onglet permet de localiser les œuvres dans le musée. CONNECTIONS n’est pas une extravagance mais reste bien intégré à l’ensemble du dispositif en ligne du musée.

  1. Le Noir est une couleur, exposition d’ouverture de la Galerie Maeght de Paris, 1946. L’exposition fut reprise et actualisée, à la Fondation Maeght, en 2006. []
  2. Flickr Commons, Groupes Flickr avec incitations à photographier des œuvres, opérations particulières du type You got Eyes, participation à l’expérimentation du Stevemuseum, etc. Voir la page Met Share []
  3. Source : MET News, January 2011 – Connections Part II. []