Le dernier billet

Ce carnet entame sa vie d’archive, au moment où je me retire de l’université. Quoi de plus banal que de se retirer, le moment venu (ou presque). Toutefois, ce retrait prend une dimension qui me dépasse : c’est une parenthèse qui se referme sur une tentative d’enseignement et de recherche dont je persiste à défendre la pertinence, quelles qu’en aient été les insuffisances.

Au fond, l’affaire peut se résumer à une dissension autour d’un énoncé : « Informatique et histoire de l’art » – intitulé du poste sur lequel je fus recrutée par l’UFR d’histoire de l’art et archéologie de l’université Paris 1. Les « commanditaires » le pensaient limpide, fièrement campés sur l’impensé de la technologie et du tournant numérique ; moi, je n’ai cessé d’y entendre une promesse énigmatique à laquelle il fallait donner sens.

Treize années se sont écoulées si bien que le bail se termine, de mon fait, et met enfin fin – c’est long, treize ans ! – à une malencontreuse « erreur de recrutement ». De mon point de vue, en revanche, le temps d’explorer, observer, découvrir, analyser, interroger, suggérer, construire…

Résultat in fine du malentendu : c’est un PRAG1 qui sera recruté pour me remplacer et enseigner la « culture numérique »…

L’Observatoire critique, 1ère et 2nde formule, fut l’heureux produit du dialogue impossible « intra muros » ; le désaveu de l’institution a favorisé son contournement, le web offrait un terrain d’expression inespéré. Une aventure rendue possible par ces étudiantes et ces étudiants qui ont consacré une part significative de leur temps et de leurs talents, à mes côtés, pour donner vie à ces projets éditoriaux – par pure conviction car aucune gratification universitaire ne faisait partie du “contrat”. La plupart d’entre eux, ça n’est pas un hasard, s’impliqua activement dans la menée des Travaux Dirigés de Licence dont il fallait constamment actualiser la formule car le web ne cessait d’en transformer les enjeux. Un compagnonnage d’une qualité rare, stimulant et précieux. A un moment ou un autre, ils furent mes interlocuteurs et mes partenaires les plus constants2.

Toute ma gratitude, enfin, à Pierre Mounier et Marin Dacos qui m’ont invitée à relancer l’Observatoire critique sur la plateforme Hypothèses. Quelle satisfaction d’avoir été partie prenante de cette vaste composition, porte-voix inédit et pluriel de la recherche en train de se faire  !

C’est à leur initiative également que je dois de laisser une trace orale du dernier chantier qui m’a occupée, en m’invitant à soumettre quelques pistes de réflexion sur l’histoire de l’art et ses technologies, dans le cadre du Séminaire Digital Humanities, animé désormais avec Aurélien Berra.

 

Support de présentation.

Captation audio de la séance du 9 janvier 2013.

  1. Professeur agrégé de l’enseignement du second degré. Le gain est double, économique et académique : l’enseignant effectue deux fois le service horaire d’un Maitre de Conférences – de quoi absorber les nombreux TD – et il n’est plus question de recherche… []
  2. Une pensée particulière à Laurent Genest, Aurélia Chossegros, Cynthia Pedroja, Simon Bachelier, Marc Aufraise, Antoine Mazières, Cécile Joyet, Alexandra Legrand, et bien sûr, Elisavet Doulkaridou… []

L’histoire de l’art et sa technologie – Concordance des temps.

                                                                                                              

 

Ce texte est celui de la communication présentée, lors de la Journée d’étude organisée à l’INHA par Elli Doulkaridou, le 5 mars 2012.1.

Lorsque l’on se penche sur l’historiographie de l’histoire de l’histoire de l’art, on voit se consolider un intérêt accru pour les composantes matérielles des supports d’étude et de communication de la discipline. Des publications de plus en plus nombreuses, issues de colloques ou d’expositions, soit ménagent une place à ces questions soit y sont consacrées. Si ces évènements s’inscrivent dans le mouvement plus général de réflexivité de la discipline, engagé depuis plusieurs décennies, avec une intensité et une chronologie variables selon les aires géo-culturelles de la discipline, ce qui frappe, ce sont les déplacements des objets d’étude de sorte que l’on peut identifier un axe technologique dans l’ensemble de ces réflexions. Que l’on s’attache aux techniques de reproduction, à la mise en forme des images, aux relations qu’elles entretiennent avec l’écrit ou encore aux protocoles de communication dans lesquelles les images sont embarquées, les méthodes et les pratiques, la sociabilité et la circulation dans la culture et la société sont restituées dans leurs formats, à chaque époque considérée. En un mot, la technologie s’est invitée dans le paysage de l’histoire de l’art.  Il n’est pas douteux que cette tendance doive être mise en rapport avec le moment que nous traversons. Le moment du tournant numérique. Aussi peut-on s’interroger sur la valeur heuristique de ces études du passé, informées par le présent ou plutôt par un present conituous, un présent progressif. Ces regards renouvelés sur le passé des médias de l’histoire de l’art et le déchiffrage de ce qui se présente à nous peuvent-ils se féconder mutuellement ? Dans le cadre de cette communication, nous tenterons d’indiquer quelques pistes pour arpenter ce vaste domaine qui se construit à la façon d’une médiologie de l’histoire de l’art.

Encore au milieu du gué, dans le passage au numérique, on comprend aisément que l’on se tourne vers ce que l’on est en train de quitter, le régime photographique de la reproduction, en partie lié à la culture de l’imprimé. Dans cette perspective, on dispose déjà d’une historiographie conséquente sur les premiers usages de la photographie par les grandes figures de la discipline, une voie ouverte, dès 1979, par un article de Wolfgang Freitag, Early uses of photography in the history of art.2. Pour ce qui est des mérites respectifs du nouveau support, au regard des différentes techniques de gravure, Prints and Visual Communication, en 1953, de William M. Ivins3 a posé une balise importante.  Quant au fait que de la photographie accompagne l’établissement de la discipline académique et de ses méthodes, il est reconnu dans de nombreux travaux. On note d’emblée que les travaux s’inscrivant dans ces filiations se sont focalisés sur la technique de reproduction et ses qualités au regard de son référent, l’œuvre.

Mais de nouvelles directions de recherche retiennent ici notre attention. La suite des  quatre colloques organisés par le Courtauld Institute et le Kunsthistorisches Institut in Florenz, sur le thème Photo archives and the photographice memory of Art History, en 2010-2011, en fournit l’illustration, des plus récentes et significatives.

Dans le volume4 qui rend compte des deux premières sessions de ces rencontres, nous  relevons en premier lieu une  approche résolue pour considérer ces archives, qu’elles soient le fait d’historiens de l’art, de connaisseurs, ou d’institutions scientifiques et patrimoniales, comme un fait social complexe. Un fait proprement archivistique, c’est-à-dire une composition indissociable des rationalités et des instruments professionnels et scientifiques qui les organise et préside à leur usage, au long d’une histoire qui épouse la fin du 19ème et le 20ème siècle.

En effet, ce sont les logiques de classement et d’indexation, cette « intelligence mécanicienne » pour emprunter l’expression de Patricia Falguières5 qui sont prises en considération, ces structures opératoires dont la compréhension est devenue un impératif, à l’ère du numérique, comme on sait. A cette occasion donc, une passerelle est jetée vers la science de la documentation et l’œuvre fondatrice de Paul Otlet, auteur notamment de la Classification Décimale Universelle (CDU), jusqu’alors fréquentée par les professionnels et les scientifiques de la documentation et de la bibliothéconomie, fait une incursion dans le champ. Des fenêtres sur des disciplines exogènes s’ouvrent car il est question d’envisager ces corpus structurés d’images au-delà de la simple lisibilité de ce qu’elles reproduisent. Une autre orientation est notable, qui veut saisir au plus près la pratique de ces archives, par ceux qui les ont constituées ou qui les consultent. Là encore, l’image n’est plus seulement envisagée en relation avec son référent mais devient un objet matériel, porteur d’indices sur les pratiques cognitives.

Recto-verso annoté par B. Berenson – Photothèque Berenson.

Ainsi, par exemple les traces laissées par Bernard Berenson (1865-1959), sur les tirages, ses annotations, sont considérées pour rendre compte des trajets de la pensée associant l’œil et le geste, dans le processus d’attribution.

Mais ce déplacement des recherches vaut également pour des périodes antérieures. Ce qui renforce l’hypothèse des vertus heuristiques du tournant numérique.  Ainsi, à ne mentionner qu’autre exemple récent, l’exposition Musées de papier – L’antiquité en livres, 1600-1800, qui s’est tenue au Louvre, à l’hiver 2010, constitue une sorte de point d’orgue des recherches sur ces ouvrages, recueils, catalogues, livres d’art selon la terminologie, de F. Haskell6.

Cette entreprise est portée par une ambition épistémologique interne à la discipline, puisqu’il s’agit, selon Elisabeth Décultot, commissaire, de reconsidérer la prétendue césure représentée par l’œuvre de Winckelmann (1717-1768), en rétablissant la continuité avec les musées de papier. L’enjeu effectif est de réévaluer le poids respectif du visuel et du discursif dans l’historiographie de l’histoire de l’art.

Plus amplement, il s’agit d’inscrire ces musées de papier dans une enquête épistémologique qui associe arts et sciences. Ainsi, à travers l’apport de Gabriele Bickendorf, cette problématique prend appui sur des transformations de la culture visuelle au 17ème siècle, époque d’instrumentation de la vision par le télescope et le microscope7.

Illustration de la première figuration d’objets observés au-delà du visible à l’œil nu, la représentation de l’abeille grossie, réalisée par Francesco  Stelluti,  en 1625, sera offerte au pape Urbain VIII dont il fera son blason. Si cette innovation fait incursion ici, c’est qu’elle nourrit le contexte visuel dans lequel baigne Cassiano del Pozzo, qui fréquente l’Académia dei Lincei avec Stelluti. Comme on sait, le départ entre art et sciences n’a pas lieu d’être, dans son Museo Cartaceo. On doit noter que la fameuse abeille a souvent illustré ce moment clé dans la dialectique du voir et du savoir, dans la « fabrique du regard », intitulé que j’emprunte à l’ouvrage de  Monique Sicard8.

Pour revenir aux musées de papier, on remarque aussi que des aspects de la pratique des images sont désormais mis en exergue. Les collections de dessins et de gravures ne donnent que partiellement lieu à des volumes reliés et laissent les feuilles libres, dès lors l’examen visuel peut se soutenir de manipulations qui permettent toutes sortes de confrontations.

Parmi les études récentes qui s’attachent à rassembler les éléments matériels et immatériels, cognitifs, intellectuels, de la fabrique du regard,  La République de l’œil, l’expérience de l’art au siècle des Lumières9, occupe, bien sûr, une place de choix. L’auteur vise à rassembler les éléments matériels et immatériels, intellectuels, cognitifs, de la culture visuelle qui se transforme, au 18ème siècle. L’instrumentarium de l’historien de l’art s’y compose aussi bien des techniques d’inscription utilisées pour reproduire les œuvres (dessins, gravures) que des nouveaux régimes de perception et de mémorisation qui s’instaurent. Les conditions de possibilité de cette « lecture des œuvres » sont aussi bien ménagées par les travaux de Locke que par la pratique de dépose des pigments d’un support à un autre ; l’image se détache ainsi de l’oeuvre et prend forme dans un espace mental, cognitif, qui fonctionne en corrélation entre les espaces d’exposition (Salons, musées) et l’espace du livre.

A l’étape actuelle du passage au numérique, gageons que notre regard se trouve de mieux en mieux armé par ces nouvelles orientations historiographiques. En retour, l’acculturation numérique nous dote sans doute d’une plus grande clairvoyance sur les médias du passé. Nous nous tiendrons ici à proposer quelques pistes pour initier ces va-et-vient anachroniques et nous les formulerons, à ce stade, en termes de jeux de relations entre configurations du passé et du présent.

D’abord, sur le terrain des pratiques individuelles de l’enseignant et du chercheur. Dans les situations de communication à un public, la pratique de la présentation d’images avec le PowerPoint semble s’être imposée. Ce système entretient une relation mimétique explicite avec l’usage établi de la projection de diapositives. Car l’usage répandu du PowerPoint  prolonge l’inscription figée d’une image, sur un support fixe simulé, assimilé une diapositive, impliquant un déroulement séquentiel, souvent unilinéaire, à la façon du diaporama. Ce jeu mimétique est assimilable à ce que Stephen Bann avait mis en lumière10 , à savoir, la cohabitation de la gravure et de la photographie, au cours du 19ème siècle et les rapports d’imitation et de reproduction respectifs que les deux supports ont entretenus.

Mais l’usage du Powerpoint se fait également le vecteur d’autres réitérations. Ainsi de la double projection. Ce dispositif, dont la mise en œuvre est attribuée à H. Wöllflin (1864-1945), manifestait, à l’époque, un parfait exemple d’appropriation créative de la technique. Pourtant, aujourd’hui, l’appropriation des techniques de montage numérique d’images est à même de desserrer l’habitus de la comparaison binaire pour s’étendre, si besoin, à plusieurs items; inutile de souligner les implications méthodologiques donc épistémologiques de ce jeu mimétique.

A considérer les nouvelles possibilités de montage numérique, ceux que l’on trouve dans de nombreux livres d’images des 17ème et 18ème siècle resurgissent en écho. La photographie, tout en démultipliant l’offre d’images et les possibilités de confrontation des oeuvres, aurait-elle porté le paradoxe de réduire les figures de visualisation des images, en situation de projection mais aussi dans les livres d’art ?  C’est une question qu’on peut se poser. En convoquant ici à nouveau les livres anciens, nous sommes passés au jeu de l’analogie. L’analogie peut receler des ressorts intéressants, sauf à considérer que l’on revient au même. Ainsi, les planches gravées montrent une grande liberté d’association et mettent en regard des représentations en quantité variable. Mais simultanément, notre regard rétrospectif, informé par le numérique, projette une conscience toujours plus vive de leur caractère figé, lié au support imprimé.

Aby M. Warburg, «Mnemosyne-Atlas», 1924 – 1929 Mnemosyne-Atlas, Nr. 79, 1926.

Notons au passage le regain d’intérêt dont jouit la méthode de montage de Warburg pour constituer son atlas11

Dans cette perspective analogique, une structure récurrente se signale particulièrement, la grille, un schéma organisateur puissant, qui favorise à la fois la comparaison synoptique et analytique ; elle a trouvé aussi son expression dans le régime photographique, avec la planche contact photos ou diapos, et s’est imposée dans le régime numérique.

La grille comparative de Jean-Baptiste Louis Georges Séroux d’Agincourt12 est la forme aboutie d’une sélection de ce qui est donné à comparer ; en l’occurrence, elle participe d’un programme didactique voué à démontrer la corruption du goût antique, la décadence du Moyen Age, comme l’ont montré les travaux de Daniela Mondini13.

Dans le régime numérique, la fonction de la grille s’apparente davantage à celle de la grille photographique. Toutefois, au-delà de l’agencement analogue, la grille de vignettes numérique se montre autrement propice à la phase de prévisualisation de corpus d’images.

Elle a d’ailleurs acquis l’évidence d’un standard, aussi bien pour les bases d’images des musées, des bibliothèques ou des archives que dans le cadre de l’appareillage personnel.

L’équivalence de toutes les images y est prégnante, en celà elle est la fidèle traduction de ce qu’est une base de données. La vision synoptique de grands nombres d’images qu’on peut dérouler  favorise la sérendipité, ainsi des associations impromptues peuvent davantage inspirer l’étude visuelle, d’autant que ces associations peuvent se concrétiser par des actions de rapprochement en temps réel. Cette malléabilité est bien sûr inédite.

grilles de vignettes.

Dans ces conditions, la prévisualisation des images devient une configuration pivot pour une série d’opérations ; en amont : la classification, par exemple, ou en aval, la sélection pour d’autres formes de visualisation. Face à l’écran, c’est en terme d’interface qu’il faut penser. Dans une interface, chaque signe a une vocation opératoire ; ici, chaque image est aussi un outil. Du point de vue de l’interface, la grille offre une affordance adéquate, c’est-à-dire qu’elle suggère de façon limpide sa propre utilisation, disponible aussi aux opérations en amont et en aval14.

A partir de cette simple figure, s’impose la compréhension de ce qui fait la marque du numérique, au regard des systèmes antérieurs. Un même dispositif intègre toutes les opérations : stockage, archivage, visualisation, traitement des images, sans solution de continuité, rompant ainsi avec les opérations fragmentées liées à la manipulation d’objets et de matériels séparés. Autre rupture de taille : chaque action donne lieu à l’affichage de son résultat, en temps réel. Au centre du dispositif, l’opérateur est l’auteur et le gestionnaire de ces configurations illimitées, intrinsèquement variables, réversibles, multipliables, en prise avec toutes les situations d’usage.

Nous avons affaire à un dispositif intégrateur, donc, mais comment en circonscrire les contours ? En prise avec le réseau, ce dispositif est doté d’une plasticité inédite : les limites des espaces et des situations de travail, des productions sont poreuses, à géométrie et géographie variables. Chaque opérateur est toujours potentiellement en interaction avec d’autres opérateurs, le dispositif est enchâssé dans d’autres dispositifs. Le réseau ne peut plus être considéré comme un simple réservoir de ressources, de documents, mais comme l’espace où se prolongent et se combinent des capacités de stockage, des systèmes d’archivage, des outils de traitement, de visualisation des documents produits par tous les opérateurs.

Pour illustrer les redéfinitions issues de cet état fluide, nous avons choisi un exemple parmi de nombreux autres possibles, dans le domaine de la publication scientifique initiée par les musées. Signalons, au passage, que l’activité scientifique des musées acquiert un surcroît de visibilité dans l’environnement du web. Le Cranach Digital Archive, édité par plusieurs institutions allemandes, propose une redéfinition significative du catalogue raisonné. Au regard de la somme imprimée, aucune limite ne contraint l’actualisation des informations ni des documents. Non plus que leur  quantité ou la nature de ces documents ; ce qui permet notamment d’y insérer avec une visée exhaustive les documents particuliers issus des laboratoires de conservation et restauration.

Cranach Digital Archive en réseau.

A partir du solide fonds documentaire mutualisé par les musées conservant les œuvres de l’artiste,  le catalogue est ouvert à la contribution de tous les spécialistes, afin de compléter l’information factuelle ou critique et de pourvoir aux nombreuses attributions pendantes : la publication prend une dimension de laboratoire transnational. Le Cranach Digital Archive est un exemple parmi d’autres de la transformation des modes de production, d’édition et de circulation de la publication scientifique. Là encore, les publications imprimées, l’usage et la sociabilité qui leur sont associés sont l’aune à laquelle on peut prendre la mesure des mutations de l’édition numérique et les évaluer. Les pratiques de lecture, notamment, se règlent progressivement sur les changements qui affectent les relations textes/images : l’image y acquiert une autonomie croissante grâce à la démultiplication des modalités de visualisation, au sein d’un même cadre éditorial. Les problématiques de diffusion se muent en problématiques d’appropriation, dans un contexte qui déjoue les catégories établies de composition et de comportement des publics destinataires. Ceux-ci peuvent se porter protagonistes.

Pour conclure, il nous faut revenir à l’image document. Le document numérique a certes des propriétés singulières au regard des supports antérieurs mais comme ceux-ci, il est partie intégrante de dispositifs techno-logiques. L’historiographie qui se concentre sur les médias à l’œuvre dans l’histoire de la discipline met toujours davantage en lumière cette complexité, tout comme l’expérience pragmatique que nous faisons de nos dispositifs informatisés.

Pour aborder cette complexité, je me suis appuyée sur l’idée de remédiation qui est dérivée d’une thèse de Marshall Mc Luhan qui soutient que tout nouveau média se déploie en imitant les formes du medium auquel qu’il succède. Imitations, analogies, on perçoit effectivement des répétitions, des traces. Toutefois, se révèlent également, à certains niveaux des représentations, des structures dont la récurrence est plus profonde, comme la grille, ou le cadre dont l’écran est une instanciation après d’autres. L’anthropologie culturelle a toute sa place pour élucider ces aspects des médias. Ces démarches sont nécessaires car elle déconstruisent la transparence qui fait naturellement écran à la perception de ce dont les dispositifs sont formés, les nouveaux comme les anciens.

Avec le numérique, un phénomène essentiel déjoue aussi cette invisibilité, c’est son caractère intrinsèquement opérationnel. L’opérateur agit, fabrique, au-delà des distributions des tâches établies. Cette praxis nécessite des formations. Mais elle indique aussi que l’entrée dans le régime numérique procède par l’expérimentation, la fabrication de projets pour la discipline. En même temps que cette réflexivité. Les Digital Humanities, entendu comme champ d’expérience aussi bien que comme acteur scientifique collectif, constituent précisément le cadre de ces démarches épistémologiques et créatrices.

 

 

  1. On en trouvera le programme complet, ici-même L’image-document face au numérique : mise en crise ou mise en lumière ? []
  2. FREITAG, W. M., 1979-1980, « Early Uses of Photography in the History of Art »,Art Journal, XXXIX/2, p. 117-123. []
  3. IVINS, W. M., 1953, Prints and Visual Communication, The MIT Press, Massachusetts, 1969 (1953).(Londres, Routledge & Kegan Paul. []
  4. CARAFFA, C. ed., 2011,Photo Archives and the Photographic Memory of Art History, Berlin and Munich, Deutscher Kunstverlag. []
  5. FALGUIERES, P. 1996, « Les Raisons du catalogue », in Du Catalogue, Cahiers du musée national d’art moderne, nº 56/57, p. 5-20. []
  6. HASKELL, F., (1987), La difficile naissance du livre d’art, Paris, RMN, 1992. []
  7. BICKENDORF, G., 2010, « Musées de papier – Musées de l’art, des sciences et de l’histoire », in Musées de papier: l’Antiquité en livres, 1600-1800, Paris, Le Louvre/Gourcuff Gradenigo – Catalogue d’exposition, Musée du Louvre, 25-09-2010 au 03-01-2011. []
  8. La Fabrique du regard: images de science et appareils de vision (XVe-XXe siècle), Paris, Ed. Odile Jacob, 1998 []
  9. GRIENER, P., 2010, La République de l’œil – L’expérience de l’art au siècle des Lumières, Paris, Ed. Odile Jacob. []
  10. BANN, S., 2001 , « Photographie et reproduction gravée – L’économie visuelle au XIX° siècle », Études photographiques, [En ligne], mis en ligne le 10 septembre 2008. URL : http://etudesphotographiques.revues.org/index241.html. Consulté le 2 novembre 2012 []
  11. En ligne : Media Art Net, http://www.mediaartnet.org/works/mnemosyne/flash/1/  Consulté le 2 novembre 2012. []
  12. SEROUX D’AGINCOURT, J-B-L-G., 1810-1823, Histoire de l’art par les monumens, depuis sa décadence au IVe siècle jusqu’à son renouvellement au XVIe. Paris, Treuttel et Würtz, 6 vol. []
  13. MONDINI, D., 2005, Mittelalter im Bild. Séroux d’Agincourt und die Kunsthistoriographie um 1800, Zürich, Zurich InterPublishers. []
  14. Voir ici-même, Les pratiques numériques de l’image (II) – Perception des corpus, la prévisualisation . []

Les catalogues de collections des musées en ligne, au carrefour des points de vue. De la médiation à la propédeutique de l’image numérique.

Cet article est daté du 13 mars 2011 et est à paraitre dans l’ouvrage collectif Numérisation du patrimoine et nouvelles formes de médiation : DUFRENE, B. et IHADJADENE, M. (dir.),  Paris, Editions Hermann, 2012. Il résulte de l’une des journées d’étude d’un cycle intitulé, Numérisation du patrimoine des bibliothèques et moteurs de recherche, organisé par Bernadette Dufrene (Paris-Ouest – Nanterre)  et Madjid Ihadjadene (Paris 8) avec la BNF, les 7/12/09 ; 8/01/10 et 18 mars 2010. Seul, un passage a été réactualisé, signalé entre tirets.

 

Le catalogue de collections en ligne illustre, par excellence, la documentarisation du patrimoine. Par ce néologisme un peu barbare, nous avions souhaité nous éloigner d’une focalisation des débats sur ladite figure du musée virtuel, expression floue au demeurant, tirant toute son énergie évocatrice du Musée imaginaire de Malraux. Depuis ces époques reculées, – une dizaine d’années dans l’espace-temps du web parait une éternité –, la redocumentarisation généralisée a fourni un cadre pour penser les modalités de l’explosion documentaire et son inscription dans l’environnement du numérique en réseau. Ainsi, les sciences de l’information ont été arrimées plus solidement que jamais aux sciences de la communication pour aborder les productions éditées en ligne. Emblématique de cette double perspective,  le catalogue des collections peut être approché comme la pièce maîtresse de la médiation de l’institution patrimoniale en direction des publics mais également de la mise en jeu de nouvelles compétences documentaires. Cette combinatoire prend une pertinence accrue dès lors que les pratiques d’indexation des collections font l’objet d’un partage inédit entre professionnels et amateurs, dans le contexte du Web 2.0. tout en nourrissant certaines politiques de médiation. Ces approches sociotechniques prennent sens au regard de la particularité du domaine concerné : l’appropriation des images d’art. Aussi, nous parait-il nécessaire d’éclairer ces lectures par une mise en perspective supplémentaire, bordée par l’histoire d’une médiatique de l’histoire de l’art. Cet angle de vue nous permettra, en l’occurrence, de dégager le rôle actif du musée dans une propédeutique de l’appropriation des corpus d’images numériques, dans le cadre des pratiques de la discipline. Le catalogue en ligne se situe au carrefour de points de vue multiples ; instrument névralgique dans la politique de médiatisation du musée, il n’est pas certain que l’institution ait encore pris toute la mesure des vertus de cet objet numérique singulier.

L’identité du musée remodelée

Pièce maîtresse de la présence des musées en ligne, le catalogue de collection illustre de façon irréductible à toutes les autres manifestations de l’institution, l’identité de chacun d’eux, l’identité singulière d’un fonds que l’histoire a façonné. Mais l’origine même de ces catalogues excède l’identité publique usuelle du musée et en remodèle tant le visage que l’usage.

Dans l’environnement du web, cette fonction identitaire prend une visibilité renouvelée, servie par un site web de musée qui a depuis toujours – une quinzaine d’années – assuré la fonction et les formes d’une sorte de représentation consulaire de l’institution. La mise en avant des chefs d’œuvres ou de pièces susceptibles tout à la fois d’identifier et de distinguer chaque institution est emblématique de cette attitude. Ainsi, la mise en ligne du catalogue a pu se confondue avec l’exposition des collections dans le musée même, favorisant la popularité du thème imprécis du musée virtuel, employé ici pour le double du musée physique. Mais la mise en ligne du catalogue de collection ressortit à une logique autre que manifeste plus clairement la tendance prégnante à la mise en ligne exhaustive des collections . Outre le constat que l’institution donne par là accès à des images d’œuvres qui ne sont pas visibles dans l’espace d’exposition du musée, on mesure, à ce stade, que le catalogue en ligne est directement issu de l’outil documentaire informatisé qui supporte une part importante de l’activité des professionnels du musée ; documentalistes, conservateurs, gestionnaires des collections, services scientifiques et culturels.

Produit des activités internes du musée, au fil de la constitution des fonds (inventaires, récolements), de leur étude (dossiers d’œuvres, documents historiques et scientifiques, états de conservation), de leur gestion (circulations diverses), le catalogue s’est informatisé tirant parti de certains schèmes organisateurs des processus documentaires préexistants (inventaires, listes et tables, …). La structuration de l’information de ces supports de consignation normalisée de la documentation scientifique muséale s’inscrit dans une filiation à laquelle la fabrique des collections donne la juste profondeur de champ. Le catalogage reste fondamentalement empreint d’une relation entre « les mots et les choses » que Patricia Falguières a éclairée, à partir de l’étude des Chambres de merveilles1.

Quant à l’apparition des catalogues où les objets ne sont que référents, elle souligne la portée conceptuelle essentielle de l’outil en en précisant la machinerie :

« Mettant en œuvre des catégories là où l’inventaire se fie à l’assentiment aux objets donnés, supposant un principe d’ordre, de classement, et un principe de désignation, une déictique, le catalogue témoigne de cette intelligence « mécanicienne » qui est apte à mettre en place des procédures, à édifier des dispositifs, à décliner les agencements du montrer-s’orienter-classer. »2.

Ėtayé sur le socle de cette déictique, en l’occurrence grâce à l’indexation des objets de la collection, le catalogue de collection en ligne se trouve confronté à un environnement, le web, où la mise en jeu de l’« intelligence mécanicienne » est relancée. Cette relance procède d’un double mouvement technico-culturel. C’est ici que se loge, d’une première façon, une politique institutionnelle, portée par un principe d’ajustement. En d’autres termes, le musée est engagé dans un processus d’acculturation que l’outil catalographique permet de saisir dans sa double dimension : technologique et culturelle. Immergé dans le milieu socio-technique de l’informatique connectée en réseau, le musée adapte l’édition numérique du catalogue, au regard des contraintes technico-documentaires du milieu et des pratiques qui se forment dans un espace public instrumenté, d’un nouveau type.

D’une part, il s’agit, au plan technologique, de jointer avec l’une des composantes essentielles de l’Internet, à savoir la base de données3,  sujette à des contraintes en évolution constante4. Nous ajouterons à ces  langages des nouveaux médias, le procédé de l’indexation, principe opératoire et organisateur essentiel du web. D’autre part, le catalogue, outil professionnel, est transféré dans un espace public indéterminé, au sens où les compétences documentaires, numériques, artistiques des publics adressés sont indéterminées, qu’on les considère dans leur ensemble ou les unes au regard des autres. Les paramètres usuels de la médiation sont assujettis à cette situation inédite.

La médiation par l’ajustement des langages documentaires

Dans cette dynamique d’adaptation rapide, ce sont les langages documentaires qui concentrent d’abord notre attention parce qu’ils sont directement en relation, dans le cas des collections muséales, avec la double dimension discursive et opératoire du catalogue ; la particularité sur laquelle il convient d’insister étant que la médiation, l’adresse aux publics opère grâce à des énoncés qui ont une double signification, dans l’ordre discursif et dans l’ordre opérationnel.

Si, dans la pratique professionnelle les catégories ou les descripteurs se muent en leviers de circulation dans un corpus, cette fonctionnalité, dans un contexte public, se charge d’une valeur heuristique. La valeur discursive et opératoire des « mots outils » qui instrumentent le catalogue des images sont nourris par les notices et cartels mais plus complètement encore par les différents champs pourvus par l’information scientifique produite par les musées. Le point de vue du musée est alors porté par la description, par la classification des œuvres de la collection en ligne. Il faut rappeler, dans ce registre, la caractéristique d’importance, indissociable de la base de données, qui modifie les modes publics habituels de classement des œuvres : la marque d’équivalence est imprimée par la structure même de la base de données : aucune entrée ne prévaut sur une autre. De ce point de vue, c’est l’entrée alphabétique (noms d’artistes), convention arbitraire par excellence, qui exprime au plus près ce systématisme mécanique. Ce qui n’empêche pas de garder à l’esprit la charge intrinsèque attribuée au nom de l’artiste…

Les choix d’organisation des corpus correspondent à la conception de l’accessibilité par les publics, telle que le musée se la représente, au regard de ses missions comme de ses représentations des pratiques numériques. Ainsi, l’on constate que les musées optent majoritairement pour le choix de « leviers » classificatoires, au détriment d’indexations fines qui s’attachent à la description des œuvres mêmes. Ainsi, le poids relatif des descripteurs et des catégories s’inverse, si l’on met en regard la pratique professionnelle et l’offre d’usage aux publics. On n’oublie pas non plus que s’inverse également, dans ce contexte, l’importance relative des éléments textuels et de l’image, celle-ci devenant, dans l’espace public, la raison même du catalogue ; on y reviendra.

De nombreux exemples illustrent cette tendance à privilégier les entrées classificatoires ; l’exemple de la la collection en ligne du MoMA (Museum of Modern Art, New-York) rassemble en un système limpide et rationalisé de « filtres », cette tendance majoritaire. La prédilection est donnée au classement par les grandes catégories que sont les techniques – correspondant souvent à l’organisation administrative et scientifique du musée – la chronologie, les époques et les ères chrono culturelles – dans le cas de l’art moderne et contemporain, la périodisation en décades remplace les coupes historiques usuelles – les écoles et courants artistiques. La mise en ordre du patrimoine (RECHT, R., Penser le Patrimoine – mise en scène et mise en ordre de l’art, Paris, Editions Hazan, 1998. )) a durablement installé et prolongé ces catégories historiographiques, avec le passage du temps. C’est la marque du point de vue du historiographique porté par le musée.

Un cas rare de médiation par l’indexation iconographique.

Les descripteurs formés par divers champs des bases de données originelles, sont peu usités et singulièrement les descripteurs sujets. Quelques cas, toutefois, présentent un intérêt certain, ne serait-ce que par les tentatives d’ajustement qu’ils illustrent, au service d’une entreprise de médiation, de la part de certains musées. Proposés dans la visée opératoire déjà mentionnée, ils confèrent à la stratégie de médiation, une valeur renforcée de « lecture » des œuvres.

Dans cette perspective, l’exemple le plus intéressant est sans conteste celui de Tateonline. L’une des entrées proposées dans le catalogue unifié des quatre établissements Tate (Royaume-Uni), propose en effet de naviguer dans le corpus à l’aide d’un thésaurus qui décrit scrupuleusement ce que chaque œuvre représente. Quelques remarques principales s’imposent, à la vue de ce système d’exposition d’un thésaurus, voué à la fois à la lecture des œuvres et au remembrement infini de jeux d’images de la collection. En premier lieu, il s’agit de faire du thésaurus, édité sous la forme d’une carte sémantique accompagnant chaque image, le support  de la médiation. L’outil sémantique professionnel se mue en projet pédagogique à double détente : pédagogie du thésaurus et de son organisation spécifique, hiérarchique (du générique au spécifique et au partitif), langage documentaire professionnel qui se fait ici outil de lecture des œuvres, au sens d’un savoir/voir.  En second lieu, on note quelques modifications significatives appliquées au thésaurus IONCLASS utilisé ici. Les dix thèmes composant ce vocabulaire contrôlé  de référence se démultiplient en quinze thèmes, ces derniers redistribuant sous des catégories nouvelles certaines d’entre celles de l’appareil de référence. En contrepartie, l’arborescence des catégories est globalement moins développée (on ne dépasse pas trois degrés de ramification). Mais surtout, on note un équilibre sémantique différent : si la précision continue de présider à la logique d’ensemble, une passerelle est jetée vers les non spécialistes du domaine par l’emploi de vocabulaires assimilables à l’expérience commune5.

Il serait erroné de penser que seule, cette inscription dans l’espace public suscite la pratique de modification des thésaurus utilisés par les institutions ; le « bricolage » est répandu comme en témoigne l’enquête récente menée auprès de certains musées parisiens, réalisée à l’occasion d’un mémoire de Master6. En effet, au regard de toutes sortes de particularités, (organisation professionnelle, taille de l’établissement, histoire de l’informatisation des collections), l’usage des descripteurs dans les bases de collections procède d’aménagements des vocabulaires de référence. Toutefois, dans le cas de Tate envisagé ici, la nature des modifications se rapporte directement à la stratégie de médiation du musée7.

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A l’heure où nous mettons cet article en ligne, cet exemple de cartographie sémantique de Tateonline a été retiré du site ; il est remplacé par une formule de filtres où l’on retrouve les vocabulaires et leur hiérarchie à trois degrés. Mais la nouvelle formule n’a plus la même valeur heuristique et ne permet pas les rebonds.

Changement de l’interface des descripteurs du catalogue de collection de Tateonline.

Le Web 2.0, nouveau terrain de négociations autour du catalogue

Avec l’avènement des pratiques liées aux outils du Web 2.0, les fonds d’images des musées sont directement impliqués. Et ceci, à plus d’un titre. En premier lieu, la dynamique d’ajustement évoquée supra y atteint une sorte d’acmé. Ensuite, s’y confirme, sous de nouvelles formes, l’inversion déjà indiquée rapidement : dans l’environnement du web, l’enjeu public des bases de collections produit une inversion de l’objet du catalogue informatisé en donnant la priorité à l’image. Certes, c’est l’opérativité discursive des mots-outils qui fait l’objet de pratiques renouvelées d’indexation mais pour exprimer l’attention portée aux images. Un paradoxe intéressant : contrairement à la tendance générale signalée qui privilégie, hormis l’exemple atypique de Tateonline, le tri des images par quelques catégories classificatoires, le web 2.0 privilégie l’usage des descripteurs par un public d’amateurs plus ou moins initiés. En effet, ceux-ci s’emparent de ceux-là pour structurer des collections d’images. L’instrument lexical spécialisé, codifié, se transforme en instrument d’expression des subjectivités dans la considération des images. Un paradoxe que l’on peut énoncer également de cette façon : les descripteurs d’un thésaurus sont le produit ultime d’une codification normalisée alors qu’ils deviennent, dans les pratiques amateurs, l’expression même de la subjectivité. Le web 2.0 met en lumière cette figure paradoxale et semble déclencher la remise à plat des propositions des musées, en la matière.

Toutefois, il convient de ne pas confondre toutes les pratiques d’indexation sociale ou populaire, traductions employées pour Social Tagging ou Folksonomy. Sans prétendre rendre compte de la pluralité des pratiques dans le cadre présent, on peut se référer pour exemples, à deux types de démarches se situant à des pôles éloignés. Ainsi, si l’on se réfère, par exemple, aux cas des groupes Flickr ou de Flickr Commons où des images de collections sont partagées, l’indexation prend valeur de marquage identitaire, l’analogie avec la pratique du graffiti urbain se présente aussitôt à l’esprit. Ainsi, dans les groupes Flickr créés par des amateurs ou par les musées eux-mêmes8, l’indexation non professionnelle se soucie peu de décrire les œuvres mêmes ; le musée et la ville sont indiqués en premier lieu et les œuvres elles-mêmes y sont tout juste grossièrement identifiées, c’est la situation du visiteur qui s’inscrit dans le mot-clé, souvent accompagnée des caractéristiques de l’appareil photographique, parfois aussi des mots clés codés appliqués à des séries du même auteur ou encore adressés à des groupes d’élection comme on peut le constater sur le Pool de groupe du MET9.

Tags du Pool de groupe du MET

La fonction de tri dans le corpus se  suffit apparemment de ces balisages ; c’est l’image ou plutôt la prise de vue, son originalité, sa virtuosité et le regard porté qui constitue le motif principal. La singularité du regard sur l’œuvre se manifeste, se dégageant des codes normatifs de la photographie de musée ; c’est cet aspect qui fait l’objet des commentaires. De même, sur le pool de groupe de Brooklyn Museum, fort de plus de 5200 participants, la recherche d’originalité de prise de vue est patente, tout comme l’intérêt pour se mettre en scène dans l’espace du musée10.

Ces premiers exemples se situent dans un entre-deux, au regard du catalogue de musée ; dans le cas des Flickr Commons, il s’agit de la « délocalisation » d’une partie d’un fonds patrimonial pour rejoindre un espace commun, « profane » ; dans le cas des photographies d’œuvres créées par les visiteurs, on s’éloigne sensiblement du catalogue, même si le modèle de la base de données régit ces espaces de partage.

La convergence des compétences des amateurs et des professionnels

Pour revenir plus littéralement au catalogue en ligne, on doit envisager l’expérience engagée, en 2006, par sept grands musées nord-américains11 – on en compte 21 aujourd’hui – du nom de Stevemuseum. Les motifs de l’expérimentation résident dans l’attention croissante portée par les musées à l’accessibilité de leurs bases de collections en ligne, de plus en plus volumineuses. Or, la difficulté de navigation avérée, au sein de ces bases de données, attribuée au décalage d’ordre sémantique entre langages documentaires professionnel et vernaculaire, buttant également sur le multilinguisme et le multiculturalisme inhérents au web, incite ces professionnels à étudier les solutions éventuelles apportées par l’indexation populaire. Le dispositif proposé est clairement marqué par l’institution et prend la forme d’un site dédié dont l’interface sophistiquée sert l’invitation à ce que le public exerce ses compétences sur une sélection d’images d’œuvres, livrées sans indice permettant leur  identification. Ainsi, les participants par l’indexation des images proposées, l’ont fait dans un but convergent vers celui du musée, à savoir, décrire les œuvres de façon à favoriser leur identification autant que la recherche au sein d’un corpus.

Un précieux rapport d’étape, publié en 2009, livre les résultats de l’expérimentation, toujours en cours12. Parmi les principales conclusions, l’on retiendra, pour ce qui nous concerne, que le Social Tagging est considéré comme un moyen sans équivalent pour améliorer le langage documentaire propice à l’accès des collections en ligne. Y est également souligné le processus par lequel les professionnels du musée ont progressivement changé d’attitude à l’égard d’un mécanisme qui fait la part belle à des compétences non professionnelles pour résoudre des problèmes dont ils détenaient, seuls, jusqu’alors, la solution, partie prenante de leur légitimité.

Etude Stevemuseum

Il faut souligner la différence de comportement des acteurs dans les différents types de situations rapidement évoquées supra : les plateformes de partage et Stevemuseum. En effet, un grand sac indistinct du Social Tagging a trop souvent suffi à poser toute une série de questions néanmoins légitimes, comparant les propriétés des vocabulaires contrôlés aux incontrôlés et surtout, nourrissant les réflexions sur le conflit d’autorité soulevé, conflit d’expertise autant que de légitimité du savoir. Or, il nous parait décisif de prendre en compte la situation créée afin que les amateurs  exercent des compétences d’indexation ainsi que la finalité institutionnelle, encadrant celle des participants.  Les situations d’appel à coopération de la part des institutions produisent une convergence des pratiques et sont riches de réflexions qui résonnent jusqu’à l’intérieur des institutions patrimoniales13 En effet, ces expériences concrétisent des méthodes exploratoires permettant aux institutions de s’adapter aux situations publiques inédites, créées par leur immersion dans l’environnement du web. Certains musées engagés dans l’opération Stevemuseum ont d’ailleurs déjà intégré ces pratiques de recherche et d’appropriation de la collection qui figure sur leur site web14. Celui-ci bouleverse la donne documentaire, du point de vue technique comme du point de vue de l’usage des documents ; en l’occurrence, les modalités d’appropriation sont désormais marquées par des pratiques coopératives.

D’autre part, et ceci figure explicitement au rang des préoccupations des musées impliqués dans l’expérience Stevemuseum, il s’agit que l’institution muséale « ose » ou puisse enfin se confronter au regard effectif des publics sur les œuvres, à travers l’image des œuvres ; l’indexation permettant d’en rendre compte, d’une certaine façon.

Nul doute que les différentes situations évoquées mettent toutes en jeu un type d’appropriation des collections par l’image qui n’avait pu s’exprimer de la sorte, que ce soit par le truchement de l’achat d’un catalogue imprimé ou d’une carte postale. Tout en l’engageant à endosser une responsabilité d’efficacité dans la recherche au sein des corpus, l’indexation réfléchie d’images d’œuvres, visant à leur description, témoigne du regard effectif de l’amateur.

Le catalogue numérique, figure contemporaine de l’édition d’art.

Le catalogue de collection en ligne mérite également d’être appréhendé comme objet éditorial numérique, inscrit dans la longue histoire de l’édition du catalogue scientifique, branche fondatrice du livre d’art. il est intéressant, de ce point de vue, de garder en mémoire des productions éditées par des amateurs, à une époque où l’amateur/collectionneur créent les outils scientifiques.

L’on s’accorde15 à marquer l’origine du catalogue par le recueil Crozat, composition éditée, à l’occasion de la vente de la collection du Duc d’Orléans, par Pierre-Jean Mariette16  Cette production joue ce rôle fondateur en ce qu’elle figure comme le premier recueil de reproductions par la gravure d’un ensemble d’œuvres, en l’occurrence, une collection où chacune des œuvres est accompagnée de certains types d’éléments textuels. En effet, ceux-ci s’attachent systématiquement à l’identification de l’artiste, l’attribution, à la datation et à la caractérisation du style. Ainsi, le commentaire associé par Mariette à chacun des tableaux, combinant l’érudition à la critique esthétique, forme encore le socle de l’exercice de l’historien de l’art. Ce sont la mise en relation systématique des éléments de la notice avec l’image et le type de « lecture » simultanée proposée à l’amateur qui caractérisent l’apport de ce « musée de papier ».

ICONCLASS – Deux hommes se saluant.

On peut également suggérer que la filiation déjà envisagée de l’outil professionnel muséal croise également la filiation d’une histoire plus longue, du discours sur l’art, faite de modifications d’équilibre entre le lisible et le visible ainsi que leur agencement. On pense ici à la longue histoire de la description. Même si les catalogues de musée ou de vente sont en général exclus de cette histoire de la description ((La description de l’œuvre  d’art. Du modèle classique aux variations contemporaines, BONFAIT, O. (dir.), colloque, Académie de France à Rome, 13-15 juin 2001.)) qui privilégient les variations historiques de la rhétorique et de la narration, il nous parait tout de même utile de pointer ce que les vocabulaires contrôlés doivent à une certaine tradition iconographique. Ainsi, les principaux thésaurus utilisés, quelles que soient leurs différences de structure, se rattachent à des énoncés descriptifs (sujets) et interprétatifs, forgés par l’histoire de l’art. Si l’on reprend notre exemple précédent de l’ICONCLASS aménagé par Tateonline, une part importante des descripteurs, notamment les sujets représentés, reste empreinte de pratiques iconographiques qui tendent à rendre compte de tout élément composant l’image et d’interpréter leurs relations17. Bien évidemment, dans cette perspective, ce sont les œuvres anciennes qui bénéficient du répertoire descriptif le plus valide, le mieux persistant.

 

L’image à l’étude, une histoire ancienne.

Mais dès lors que l’on se concentre principalement sur l’image qui constitue le centre de l’attention et du désir de voir, il est également important de garder à l’esprit la tension qui s’est illustrée dans le passé du livre d’art, pour mettre en exergue l’image des œuvres, non seulement selon diverses techniques et surtout diverses modalités « d’exposition ». Ces recherches anciennes n’ont pas seulement servi la construction des discours de l’histoire de l’art mais cherché à asseoir la centralité de la mémorisation et de l’examen des œuvres par leur reproduction.

De ce point de vue, des études récentes, réactivées sans conteste par l’attention rétrospective portées aux relations œuvre/document bouleversées par le numérique, actualisent la réflexion sur ces éditions anciennes. Ainsi,  l’exposition Musées de papier – 1600-1800, organisée par Elisabeth Décultot, au Musée du Louvre18, permet de s’attacher à la disposition des images, totalement dégagées de leur contexte par le dessin, alignées en séries sur des planches. Cette exposition a proposé de riches interrogations proprement historiographiques telles que l’importance de ces recueils antiquaires dans « l’essor du goût pour l’antique » ou, plus décisif encore, la mise en débat du consensus selon lequel le discours fondateur de l’histoire de l’art réside dans les écrits de Winckelmann. De notre point de vue, l’apport majeur de cette présentation publique se situe dans la considération rendue possible d’ouvrages aussi difficiles d’accès que révélateurs où, comme le dit Elisabeth Décultot, se modèle « (…) sur la seule base de dessins et de gravures, (d’) une histoire de l’art par l’image, bien avant l’apparition des grands récits historiques retraçant par les mots le devenir de l’art.19 ».

En effet, les spécimens présentés manifestent les multiples moyens déployés afin de procéder à l’examen des œuvres, à leur visualisation. Citons rapidement les exemples les mieux connus, telles les planches de Séroux d’Agincourt (1730 – 1814 ), qui proposent une forme accomplie et durable d’agencement de séries de dessins, disposés selon une grille invisible.20.

Au cœur de ces musées de papier, une topique domine, quel que soit le projet d’ensemble. Ainsi, il faut souligner l’extraction par le dessin, d’une statue ou d’un monument de son contexte. On peut inférer que la voie est libre, dès lors, à la mise en regard de vues, comme par exemple, dans le cas des trois vues du Torse du Belvédère, d’Ennio Quirino Visconti (1751-1818)21. Plus surprenant, l’emploi de la pleine page, pour un dessin aquarellé dont les dimensions importantes se matérialisent, grâce à l’exposition de l’objet22.  Plus surprenante encore, du point de vue des formats et de la volonté qu’ils recèlent, en termes de visualisation, nous est apparue la double page aux deux côtés dépliables (des feuilles collées) d’une des planches de Demonstration Historiae Ecclesaisticae(…), gravures dans l’ouvrage de Giuseppe Bianchini (1704-1764) dont le format est de 70 x 150 cm ((Demonstration Historiae Ecclesaisticae quadripartitae coprobatae monumentis perinentibus ad fidem temporum et gestorum, 4 vol., Rome, 1752-1754., Strasbourg, Bibliothèque nationale et universitaire.)). Cette présentation a pour particularité de proposer un musée fictif, figuré par un mur creusé de niches dans lesquelles les bustes des personnages représentés sont logés.

Plan de l’amphithéatre du Grand, Comte de Caylus.

Les méthodes pour favoriser la visualisation pour l’étude sont multiples et attestent de la préoccupation ancienne des vues rapprochée et détaillée ; on n’hésite pas à jouer sur les dimensions, les formats du livre pour contourner la rigidité du support d’édition. Ces repères généalogiques, ponctuels et rapides, nous paraissent importants à rappeler pour envisager l’apport des catalogues en ligne, comme appareils de visualisation des images – sans qu’il soit nécessaire, dans ce cadre, de retracer les étapes ultérieures, associées aux apports des méthodes photographiques et de leurs supports de diffusion.

L’élaboration d’un vocabulaire des formes de l’image numérique.

Dans le cas des catalogues en ligne, la primauté donnée à l’image est instrumentée grâce au dispositif numérique de l’ordinateur connecté au réseau ; plus précisément, grâce à la combinatoire de plusieurs dispositifs (interface de consultation de la base de données, navigateur et surtout écran de visualisation de l’utilisateur. En effet, on ne peut dissocier l’offre de présentation des images de la station de travail de l’utilisateur final dont l’écran s’avère décisif, en tant qu’appareil de visionnage. Compte tenu de ce dispositif complexe, l’on peut prendre en considération la pluralité des formes proposées par les musées, pour l’agencement et la manipulation des images du catalogue des collections.

Nous n’en proposerons ici qu’un bref relevé. L’accent doit être mis sur des modalités inédites, malléables, de l’autonomisation de l’image. Ensuite, on remarque que cette autonomie dynamique est mise au service de la sélection des images, à leur considération et à leur étude.
Parmi les principales figures types, la « planche » de vignettes, peut être proposée, notamment pour la recherche des images par l’image plutôt que par les mots-clés – le MoMA propose la recherche par vignettes ( jusqu’à 160 par page) alternativement aux filtrage par catégories, déjà évoqués. La présentation de ces séries d’images sur l’espèce de table lumineuse fournie par l’écran, résulte fréquemment d’un premier tri – dans le cas des grandes collections comprenant plusieurs milliers d’images, le choix donné aux classement par grandes catégories porte l’inconvénient de renvoyer des listes d’œuvres trop nombreuses ; outre les solutions recherchées signalées supra qui misent sur la mise à contribution des amateurs (Social Tagging), la planche de vignettes procure des modalités de sélection moins déceptives et décourageantes dans la mesure où l’attrait pour l’image même, préserve le moteur désirant de la recherche.

Parmi ces planches ou grilles de vignettes, il faut signaler l’offre de solutions extrêmes et intrigantes, telles que l’entrée dans la collection Masterpieces du Rijksmuseum  ou Artscope, l’outil de recherche de la collection du SFMOMA (San Francisco Museum of Modern Art)23 ; la performance numérique donne ici matière à suspicion. Sans entrer dans le débat de savoir si l’offre se range simplement au magasin des gadgets , il n’est pas sans intérêt de mettre ce type d’outil en regard des planches évoquées supra. L’outil numérique prolonge et modifie bien sûr, les présentations d’images en grille ; la différence essentielle résidant dans le traitement, la malléabilité, au service de l’extraction de n’importe quelle image d’une série mais aussi de la modification de la taille, propriété clé de l’image numérique. Ainsi, à la façon de la planche contact photographique, c’est le passage de la prévisualisation à la visualisation qui est redessiné mais avec des propriétés augmentées. Chaque musée donne sa version de la taille moyenne de la vignette agrandie, sensée donner la vision optimale ou raisonnable de l’œuvre considérée dans son intégralité (en général, hors son cadre).

La visualisation des images des collections en ligne privilégie une seconde figure tendant à « magnifier », façon anglo-américaine pour dire zoomer,  chaque image. La question du zoom est plus complexe qu’il n’y parait car sous ce vocable généralement plébiscité, on range de nombreux formats d’agrandissement qui couvrent un registre pouvant aller de l’imitation de l’usage d’une loupe sur une image de taille moyenne, – l’exemple en est donné par « L’œuvre à la loupe » du musée du Louvre, jusqu’à l’offre de National Gallery, London  ou encore l’application déployée dernièrement par Google pour son Art Project. Ces deux figures extrêmes de la visualisation augmentée permettant une vision rapprochée, propice à capter le détail voire l’invisible à l’œil nu, ressortissent à des regards différents, à des gestes d’étude différents. Il convient en effet de souligner la distinction entre un mieux voir et une scrutation de l’infra-visible, le premier geste mimant le regard de l’historien de l’art, dans son cabinet d’étude (aujourd’hui, son bureau), le second, le geste du praticien dans le laboratoire de recherche, dans le prolongement de l’imagerie scientifique initiée par les méthodes diverses de radiographie des œuvres.
On peut noter que si l’affaire du zoom capte l’essentiel des représentations de l’apport de l’image numérique à la visualisation des œuvres d’art ; les quelques historiens de l’art qui tentent de la mettre à l’examen concluent – un peu rapidement, à mon avis – , à la domination progressive d’une vision morcelée, d’une approche fragmentée des œuvres d’art par l’histoire de l’art24. Cette critique me semble pêcher par le fait de ne pas replacer ce type d’instrumentation dans le complexe mouvant, instable, de la diversité des figures de l’image proposées ; ces mises en forme, ces points de vue, sont parties prenantes de configurations toujours en instance de traitement, par les propriétés du numérique.
Enfin, il convient de mentionner quelques initiatives, encore rares, qui proposent une instrumentation encore plus sophistiquée : le comparateur d’images, d’ailleurs souvent couplé au zoom. C’est le cas pour la collection du LACMA (Los Angeles County Museum of Art),  c’est le cas, avec des détails prédéterminés, pour l’expérimentation Cranach Magnified, menée par le Getty Museum . Ces deux outils différents permettent la sélection d’images de la collection dans une fenêtre dédiée permettant de comparer des œuvres dans le détail puisque grossies.

Cranach Magnified – Comparateur du Getty

La geste de l’étude par l’examen des images des œuvres se caractérise, à l’ère du numérique, par une articulation renouvelée de la vision et de l’action, sur la visionneuse et sur l’image. Il parait nécessaire d’étudier cette nouvelle praxis qui prolonge et modifie les gestes établis, dans les pratiques de l’histoire de l’art, grâce au déchiffrage de la syntaxe de l’image numérique qui se met en place, sous nos yeux. Le musée, comme on vient de le montrer rapidement, joue une partition singulière dans ce domaine. Les corpus instrumentés qu’il édite en ligne, à partir des bases de collection, prennent une valeur propédeutique dans la mesure où s’y dessinent les contours des figures d’une pratique renouvelée des images, pour l’histoire de l’art. Mais l’institution muséale en est-elle seulement avertie ?
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Conclusion

Immergée dans le contexte inédit de l’environnement du web, la politique des musées, soucieux de renouveler leur offre à l’adresse des publics, est guidée par une tension permanente d’ajustement qui se manifeste à travers les catalogues des collections, objet de notre étude. Au point d’envisager un nouveau partage de prérogatives jusqu’alors exercées de façon exclusive. Nous avons envisagé cette forme d’acculturation sous l’angle de la manipulation et de l’appropriation par les publics des corpus d’images édités par les catalogues de collections. Mais nous avons aussi souhaité attirer l’attention sur une dimension moins évidente puisqu’une sorte de point aveugle semble tenir les publics scientifiques hors du champ de vision de l’institution. En effet, un seul « public » n’est pas véritablement pris en considération dans les nouvelles entreprises communautaires qui illustrent l’investissement des musées dans les pratiques du Web 2.0 ; il s’agit de la communauté des historiens de l’art, envisagée dans son ensemble. Or, le musée, assis sur ses compétences de gestion des bases d’images et les évolutions qui lui sont imprimées par le mouvement technologique, propose des modèles, en déclinant tout un vocabulaire composant la présentation des images numériques des œuvres. Le musée en suggère également la syntaxe en gestation par l’offre d’une agency aux facettes multiples, générant les gestes de manipulation et d’appropriation des images pour l’histoire de l’art, à l’ère du numérique en réseau.

Afin d’y voir plus clair dans cette perspective, nul doute, qu’il convient d’instaurer une réflexion sur une médiatique de la discipline, apte à embrasser les configurations de travail sur les documents iconographiques, à partir des différents supports de reproduction et de présentation/communication de ces documents, dans l’histoire. Pascal Griener donne une idée d’une approche fertile, pour le XVIIIème siècle, grâce à son dernier ouvrage érudit25. Il y met au jour les conditions d’émergence d’un instrumentarium constitué par la complémentarité établie entre l’œuvre première et les documents qui trouvent place grâce à des mises en forme adéquates sur des supports édités (recueils et catalogues) ; cette combinatoire est rendue possible, selon Griener, par la consolidation d’une image mentale réflexive et les processus cognitifs de regroupement, mémorisation, comparaison, vérification qui l’actualisent. Cette approche s’avère riche d’ouvertures pour circonscrire et décrire une écologie des pratiques de l’histoire de l’art, articulant les supports, les gestes et les constructions idéelles. En ce qui nous concerne, à l’heure du numérique, il semble qu’il est temps de surmonter les stases sur les termes de la reproductibilité de l’œuvre d’art, versions Benjamin ou Malraux. Un véritable programme d’étude reste à édifier afin de déterminer les rapports entre les objets numériques, saisis à partir des configurations ébauchées ici et les pratiques de recherche sur les images, histoire de l’art comprise.

Si l’on s’en tient à envisager une politique des musées en la matière, l’avance de l’institution patrimoniale sur l’université –composantes des deux histoires de l’art26, dans la pratique des corpus d’images numériques, le met en situation privilégiée pour engager la nouvelle donne d’une mise en commun, d’un partage de l’image et des compétences associées ; les relations établies entre producteurs/détenteurs des images des collections et leurs utilisateurs présentent tous les signes d’épuisement, comme en témoignent les pratiques amateurs. Le réemploi des images et lesdites questions de droits ne sont pas ici seules en cause. Le musée s’avère être producteur d’un arsenal des formes, de mise à disposition de l’image des œuvres pour la visualisation et l’étude induisant des gestes nouveaux ; c’est l’ensemble de la communauté scientifique qui doit maîtriser l’édition de corpus pour ses objectifs de recherche et aborder l’ère des humanités numériques.

  1. FALGUIERES, P., Les chambres des merveilles, Paris, Ed. Bayard, 2003 []
  2. FALGUIERES, P. « Les Raisons du catalogue », in Du Catalogue, Cahiers du musée national d’art moderne, nº 56/57, 1996, p. 5-20. []
  3. MANOVICH, L., The Language of New Media, MIT Press, 2001 []
  4. Encodages, normalisations des métadonnées,  interfaces de consultation même si le schème structurant reste fondamentalement analogue []
  5. Par exemple, emploi de People au lieu de Human being ou remplacement de Abstract Ideas and Concepts par Emotions, Concepts and Ideas, ; ajouts de Work and activities, Leisure and Pastimes, etc. []
  6. PIERRE, B., L’avenir des langages documentaires dans le cadre du Web sémantique – Conception d’un thésaurus iconographique pour le Petit Palais, CNAM-INTD, 2010. En ligne, http://memsic.ccsd.cnrs.fr/docs/00/57/50/53/PDF/PIERRE.pdf. Consulté le 15 octobre 2012. []
  7. Il faut toutefois préciser que d’autres entrées dans la collection sont proposées sur le site Tateonline. []
  8. Les pools de groupes Flickr, créés par de nombreux musées, proposent un espace de partage où les visiteurs stockent/exposent les photographies des œuvres qu’ils sont invités à photographier, au cours de leurs visites. []
  9. Le Pool de groupe de The Metropolitan Museum of Art est caractéristique de cette pratique. Fort de 2066 membres, lors de la livraison de cet article, ce pool de groupe en compte désormais 2294. Consulté les 21 février 2011 et 15 octobre 2012. []
  10. [ Exemple d’une image caractéristique : http://www.flickr.com/photos/vermilionink/4850670235/in/pool-80106430@N00/ , Brooklyn Museum Pool de groupe, Consulté le 15 octobre 2012. []
  11. The Metropolitan Museum of Art, Cleveland Museum of Art, Denver Art Museum, Solomon R. Guggenheim Museum, The Minneapolis Institute of Arts, Rubin Museum of Art, San Francisco Museum of Modern Art. []
  12. IMLS Final Report for “Researching Social Tagging and Folksonomy in the Art Museum.”Submitted by the Indianapolis Museum of Art and Robert Stein in fulfillment of requirements for the steve Project’s National Leadership Grant, March, 2009. Le rapport, rédigé par Jennifer Trant ( Archives & Museum Informatics), comporte tous les éléments de méthodologie, les données quantitatives et qualitatives : http://steve.museum/index.php?option=com_content&task=blogsection&id=5&Itemid=14. On peut également prendre connaissance de l’étape actuelle de la recherche, la phase T3. Consulté le 15 octobre 2012. []
  13. Á ce propos, on lira aussi avec intérêt le bilan tiré par un responsable de lNew York Public Library, prenant appui sur l’expérience pionnière de Library of Congress qui lança le mouvement, en 2008. Joseph B. Dalton, « Can Structured Metadata Play Nice with Tagging Systems? Parsing New Meanings from Classification-Based Descriptions on Flickr Commons », http://www.archimuse.com/mw2010/papers/dalton/dalton.html. Consulté le 15 octobre 2012. []
  14. IMA (Indianapolis Museum of Art) constitue un bon exemple de la mise en service de ces nouvelles méthodes ; voir Interact, User Tags http://www.imamuseum.org/interact. Consulté le 15 octobre 2012. []
  15. HASKELL, F. La difficile naissance du livre d’art, Paris, RMN, 1992, (1987) ; RECHT, R., , « La Mise en ordre, Note sur l’histoire du catalogue », in Du Catalogue, Cahiers du musée national d’art moderne, nº 56/57, 1996. []
  16. MARIETTE, P J., Recueil d’estampes d’après les plus beaux tableaux et d’après les plus beaux desseins qui sont en France dans le Cabinet du Roy, dans celui de Monseigneur le Dux d’Orleans, et dans d’autres Cabinets. Divisé suivant les différentes écoles ; avec un abbrégé de la Vie des peintres et une Description Historique de chaque Tableau, Imprimerie Royale, Paris, vol. 1, 1729, et vol. 2, 1742. []
  17. Dans la présentation en ligne du thésaurus Iconclass, une scène est interprétée, d’homme soulevant son chapeau : il est plus que probable que l’on fait ici allusion à l’exemple même pris par Panofsky pour illustrer ses deux premiers niveaux de l’iconologie, dans ses Essais d’iconologie de 1939. []
  18. Musées de papiers – L’antiquité en livres, 1600-1800, Commissaire DĖCULTOT, E., exposition au  Musée du Louvre, 25 décembre 2010-3 janvier 2011. []
  19. DĖCULTOT, E., Introduction, Catalogue de l’exposition  Musées de papiers – L’antiquité en livres, 1600-1800 , Paris, Louvre éditions/Gourcuff Gradenido, 2010., p.9. []
  20. SEROUX d’AGINCOURT, J-B-L-G, Histoire de l’art par les monuments, depuis sa décadence au IV°s. jusqu’à son renouvellement au XVI°s., 6 Vol., Paris, Treuttel et Würtz, (1810-1823), 325 pl. []
  21. Il Museo Pio-Clementano, Vol. 2, Rome 1785, Rome 1785, pl. X (n° 25 du catalogue précité. []
  22. Plan de l’amphithéâtre du Grand, 1761, (47,8 x 63,5), recueil de Dessins originaux de monuments construits par les Romains dans les Gaules levés par les ingénieurs des Ponts et Chaussées, Comte de Caylus, BNF, Département des Estampes et de la Photographie. []
  23. Voir ici-même le billet consacré à Artscope, Image(s) en-tête []
  24. Voir RODRIGUEZ ORTEGA, N., « Digital Resources for Art-Historical Research: Critical Approach », Digital Humanities 2010 – Conference Abstracts, King’s College, London. En ligne, http://dh2010.cch.kcl.ac.uk/academic-programme/abstracts/papers/pdf/book-final.pdf . Consulté le 15 octobre 2012 ; CHIROLLET, Jean-Claude, La question du détail et l’art fractal, (à bâtons rompus avec Carlos Ginzburg), Paris, L’Harmattan, 2011. []
  25. GRIENER, P., La République de l’œil – L’expérience de l’art au siècle des Lumières, Paris, Odile Jacob, 2010. []
  26. The Two Art Histories – The Museum and the University, Sterling and Francine Clark Institute, Ed. C.W. Haxthausen, 2002, Williamstown []

Formation à la culture des ressources numériques – Une sélection des travaux étudiants 2012.

Depuis trois ans maintenant, un cours sur la Culture numérique est venu compléter des Travaux Dirigés qui ont été instaurés, à la rentrée 1999, en 2èmeannée de Licence, à l’UFR d’histoire de l’art et archéologie (université Paris 1). L’équipe des chargé/e/s de cours et moi-même1, sommes heureux de présenter une sélections des meilleurs travaux réalisés par les étudiant/e/s, ce second semestre de l’année 2012. Des blogs qui méritent d’être signalés et consultés comme autant de ressources nouvelles, sur des sujets choisis par les étudiant/e/s.

Quelques mots sur la formule de ces formations. Depuis le début, je les ai orientées vers la découverte, la description et l’analyse des ressources en ligne pour l’histoire de l’art et l’archéologie2 ainsi que leur appropriation, par le moyen d’outils numériques. Il s’agissait d’engager les étudiants dans de nouvelles pratiques d’étude, en favorisant les réflexions sur la culture numérique. Ce cadrage général s’est maintenu, au fil des années, tout en intégrant les évolutions du web. Ainsi, notamment, les compétences d’édition (blog) et de partage (plateformes d’images, gestionnaires de signets, etc.) se sont imposées pour donner forme à la gestion des ressources numériques de tous ordres, afin de documenter les travaux dans la discipline. La formation privilégie l’emploi d’outils ouverts ainsi que la mise à disposition des résultats auxquels les étudiant/e/s parviennent ; une pédagogie de projet sert de support au travail collaboratif de petits groupes constitués autour d’un sujet.

Quant au cours magistral, il donne à comprendre le web  comme l’environnement dans lequel l’étudiant, l’enseignant et le chercheur travaillent désormais ; les ressources utiles n’y sont pas seulement offertes dans un immense réservoir, mais en font partie intégrante. Ce qui implique, par exemple, de s’initier aussi bien aux enjeux du fonctionnement de Wikipédia, de l’identité numérique, des caractéristiques du numérique au regard de la culture de l’imprimé  ou encore aux questions ouvertes par le mouvement des Digital Humanities.

Une part non négligeable des réalisations des étudiants a rempli le cahier des charges des TD :

–         en rassemblant des ressources de qualité, établissant souvent une passerelle entre ressources émanant de scientifiques(institutions patrimoniales, académie, blogs de spécialistes) et d’autres publications écrites et audio-visuelles, disponibles sur le Web ;

–         en rassemblant et indexant ces ressources grâce à un gestionnaire de signets en partage (Delicious) ;

–         en constituant des porte-folios d’images ;

–         en sélectionnant des flux d’informations permettant de suivre l’actualisation d’informations et de documents sur leur sujet et son contexte ;

–         en articulant la présentation des ressources et leur classification documentaire avec le traitement de leur sujet.

Nombre de blogs ont rempli ces critères mais souvent de façon partielle, manifestant de grandes qualités, dans un registre ou un autre. Aussi, les blogs sélectionnés se distinguent-ils par le fait d’avoir intégré plus complètement des diverses exigences de ce cahier des charges.  Au-delà de la gratification que cette sélection représente pour les étudiant/e/s, la valorisation de ces quelques réalisations a  une vocation exemplaire pour la suite de cette formation et ses perfectionnements. Car les résultats permettent d’ouvrir de nouvelles questions pour le devenir de ces pistes de travail qui évolueront forcément à l’avenir.

Un dernier mot pour dire que ma satisfaction de ces résultats est d’autant plus grande que, ce semestre, je n’ai pas pris part directement à la formation3. La relève est assurée, brillamment assurée.

Archéologie subaquatique

Par Philippe Boulaire, Alicia Espinosa, Lou Octavia Morch, Chloé Rouzier.

Les soldats de terre de Qin Shi Huang

Par Marion Boudou, Aziliz Gautier, Fanny Ichar Ladoux, Elisabeth Kroub-Barrière.

 

Art contemporain et identité - l'expression de la quête identitaire chez Urs Lüthi, Orlan, et Frida Kahlo

 Par Elise Bernier, Annaëlle Lecry, Kimia Ravari.

La plume dans la société aztèque - Attributs et enjeux de la plume dans la civilisation aztèque à la période post – classique

Par Paola Montagna, Armelle Pascaud, Thomasine Zoler.

 

L'influence de la peinture dans les débuts du cinéma

Par Aicha Farman-Farmaian, Sarah Hatziraptis, Linda Zheng, Amandine Cappelier, Liudmila Timchenko.

Veronese ou la Théâtralité - Un espace scénique entre sacré et profane.

 Par Nathalie RAINE, Maréva U, Maud CHOINARD.

 

Les Pieta de Cosmé Tura - Un exemple emblématique de l'art à Ferrare

Par Anna PAGOWSKA, Julia MAILLARD et Héloïse DEBEUSSCHER.

Rothkocolorfields - Mark Rothko et la couleur

    Par Sophie GALLET, Anna TARASSACHVILI, Margaux HELD.

Autour de l'Olympia de Manet

Par Youna SEVESTRE, Morgane GOUZIEN, Cathleen ROBITAILLE.

Les Guerrilla Girls - Reinventing the "f" word : feminism !

Par Clémence BONELLO, Margaux GAYET.

 

 

 

  1. Marc Aufraise, Doctorant en Histoire de la photographie, université Paris 1 ; Antoine Mazières, Coordinateur du programme de Licence Frontières de vivant, université Paris Descartes, Responsable de Fabelier ; Areti Damala, Post-doctorante – Chef de projets en Informatique et Ingénierie Culturelle, Centre d’Etude et de Recherche en Informatique et Communications (CEDRIC), CNAM ; Cécile Joyet, Master 1 Histoire de l’art de la Renaissance, université Paris 1. []
  2. En L2, les disciplines forment encore un tronc commun. []
  3. En congé recherche ; c’est Marc Aufraise qui m’a remplacée en amphi et l’équipe enseignante a montré de sérieuses propensions au travail collectif, à cet esprit collaboratif qui fait la marque de cette formation, depuis ses débuts. []

L’édition scientifique des musées en ligne – à partir des catalogues de collections.

Cet article  a été publié en mars 2011, dans “De l’arbre à la souris : l’édition dans les musées, une histoire de réseaux”, n° 261 Revue Musées et Collections publiques de France de l’AGCCPF1 Il n’a pas été révisé, à proprement parler mais je l’ai actualisé par l’ajout de deux paragraphes (signalés en italique et entre tirets) ; des illustrations supplémentaires ont également été insérées.

Comment les musées assurent-ils leur vocation scientifique en ligne, si l’on se réfère à la vocation traditionnellement assurée par l’édition de catalogues ?  L’observation des sites web de musées permet d’engager cette réflexion, en privilégiant l’éclairage  des transformations éditoriales liées aux propriétés et aux enjeux portés par cet environnement technologique.

La mise en ligne dans l’environnement du Web implique  en effet des transformations inhérentes à ce dispositif complexe, ne serait-ce que par le fonctionnement dynamique des bases de données ou la circulation hypermédia , par l’archivage documentaire sans limites ou l’interconnexion des réseaux. La portée scientifique du catalogue de musée, (scholarly catalogue), s’actualise sans aucun doute dans ces nouvelles formes ; elle a également partie liée à la nouvelle donne communicationnelle portée par cet espace public d’un nouveau genre. Quelques exemples peuvent illustrer les choix qui se proposent désormais aux musées et la lecture qui peut en être proposée.

En tout premier lieu, si nous nous tenons au plus près du modèle de référence du catalogue scientifique, peu de réalisations se présentent à nous. Parmi les cas peu nombreux2, Early Netherlandish paintings in the Rijksmuseum, Amsterdam. Volume I. – Artists born before 1500  satisfait à toutes les caractéristiques du genre, au premier rang desquelles la mise à jour des connaissances, et il tire parti d’atouts supplémentaires, consubstantiels à l’environnement du Web. Ainsi, chaque œuvre est présentée par une notice qui situe le style et l’interprétation du sujet par l’artiste, sa position chronologique parmi ses œuvres connues comme les mises en relation avec celles d’autres artistes. Outre les données biographiques et bibliographiques, toutes les informations issues des dossiers de conservation et de restauration, de provenance sont fournies, accompagnées de documents visuels de reproduction ou d’étude par l’imagerie scientifique. Le caractère systématique de la documentation de chaque œuvre se distingue des sélections rendues nécessaires par l’édition imprimée. L’assemblage des œuvres de chaque artiste (l’index alphabétique des noms est l’entrée privilégiée) permet, pour chaque œuvre l’association de divers documents pour servir le propos : vues multiples, documents du Rijksmuseum ou d’autres institutions. La vision détaillée grâce à un affichage supplémentaire et grossi (2fois) s’applique sans hiérarchie à chaque document, une autre caractéristique du « système » éditorial numérique.

Early Netherlandish paintings in the Rijksmuseum, Amsterdam. Volume I. – Artists born before 1500 - Vue 1
Early Netherlandish paintings in the Rijksmuseum, Amsterdam. Volume I. – Artists born before 1500 - Vue 2

Ce type de transfert du catalogue savant en ligne est peu répandu ; si les sites de musées sont  prolixes en sélections d’œuvres accompagnées de notices, ces compositions se réclament davantage de la « visite guidée » ou du dossier à visées pédagogiques.

Cette première partie de l’article doit être reconsidérée aujourd’hui.

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D’une part, j’ai omis de mentionner pour les avoir découverts juste après, les catalogues que la Réunion des Musées Nationaux (RMN) a mis en ligne. C’est une véritable collection de catalogues qui se constitue ; elle a été inaugurée , en janvier 2008, avec La collection des dessins français du musée Magnin (Dijon) et des Dessins du Château de Pau. Son principe éditorial est le pendant du catalogue scientifique de musée, portant sur un ensemble dans une collection donnée ou dans un monument historique. Mais, et c’est l’éditeur qui le spécifie lui-même, ces éditions numériques sont “libres d’accès”, même si elles ont un pendant imprimé. On doit remarquer aussi que les partis pris d’édition numérique de la collection qui comprend onze réalisations, à l’heure actuelle, semblent ne pas varier, au fil du temps. Cette actualisation de l’article édité est importante car ces catalogues marquent un tournant dans la politique de la RMN, en matière d’éditions multimédias : aux réalisations délibérément adressées à un public non spécialisé, s’ajoute  la prise en considération d’un public de professionnels et de scientifiques ou d’amateurs éclairés.

D’autre part, le premier prototype issu du programme Online Scholarly Catalogue Initiative, (Getty Foundation and the J. Paul Getty Museum) constitue l’évènement le plus significatif. Il s’agit du catalogue Monet’s Paintings and Drawings de Art Institute of Chicago. Cette réalisation, encore au stade du test, illustre la recherche de l’exploitation de l’édition numérique au-delà des mises en formes hypermédias établies. On peut en découvrir les principes dans la démo que voici :

Sans nous livrer ici à une analyse détaillée, quelques orientations principales retiennent l’attention.

D’abord, le parti prix d’articuler l’édition imprimée et l’édition numérique. En effet, c’est la mise en forme imprimée du catalogue qui sert de points d’entrée et de repère essentiels pour la lecture du catalogue, avec ses pages, ses chapitres et l’insertion des images. Toutefois, l’édition numérique va permettre de déborder l’organisation établie de ces modalités de lecture en démultipliant les possibilités de consultation. Au-delà de l’application de l’hypertextualité à l’appareil critique, formule déjà bien appropriée, ce sont l’autonomisation des images et leur visualisation qui constituent les traits marquants de cette édition. Par autonomisation de l’image, l’on entend ici plusieurs choses. D’abord la possibilité de rassembler les images en une ligne de lecture autonome par rapport à l’ordre d’illustration du catalogue. Ensuite, c’est par le traitement scientifique que l’image s’autonomise également comme support d’étude : l’exemple le plus frappant est l’intégration des variations des vues radiographiques et luminescentes, par le moyen des calques. Le zoom est disponible, à tous les étages, bien sûr, avec une qualité remarquable. On remarquera à ce sujet, le fait que les illustrations intégrées dans les pages, comme des détails, par exemple, peuvent également être grossies : on a là la parfaite concrétisation du croisement de l’imprimé et du numérique.

L’édition se mue dès lors en un support d’étude grâce à la disponibilité d’une documentation sans limite quantitative qui peut faire l’objet d’un examen visuel approfondi.

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En revanche, le catalogue des collections a trouvé un débouché en ligne qui mérite d’être considéré dans notre perspective ; il occupera l’essentiel du propos.

La position primordiale des catalogues de collections en ligne.

S’ils ne résultent pas de la mobilisation des recherches d’un conservateur (ou d’une équipe) sur un sujet donné (une partie du fonds, un artiste, une thématique, etc.), ces catalogues des collections, présents sur la majorité des sites de musées, manifestent l’activité scientifique au long cours du musée. Ils ne sont généralement pas suffisamment considérés comme tels, dans la mesure où ils constituent la pièce majeure de l’offre en ligne des musées en direction des publics les plus larges parmi lesquels les scientifiques, les professionnels ne sont pas toujours pris clairement en considération. De ce présupposé, il ressort que la portée scientifique indéniable de ces catalogues prend un tour plus ou moins abouti.

Au préalable, soulignons l’origine de ces catalogues car elle s’avère déterminante pour apprécier leur fortune actuelle. Produit des activités internes du musée au fil de la constitution des fonds (inventaires, récolements), de leur étude (dossiers d’œuvres, documents historiques et scientifiques, états de conservation), de leur gestion (circulations diverses), l’informatisation de ces catalogues a tiré parti de certains schémas documentaires existants (inventaires, fiches, tables, et.). Ces supports de consignation normée de la documentation scientifique muséale ont été versés dans un espace public inédit, au service de stratégies culturelles en rapport avec la façon dont les musées se représentent leurs missions.

C’est dans ce contexte mouvant, voire mouvementé, que ces catalogues peuvent être appréciés, d’un point de vue scientifique.

Directement exportables à partir des bases professionnelles informatisées, les données d’identification et de connaissance des œuvres, ne sont pas systématiquement livrées dans les catalogues en ligne. Pourtant, ces informations, donnent une première mesure de l’apport scientifique du catalogue. Ainsi, la qualité des cartels et notices qui accompagnent l’image des œuvres s’impose comme un premier critère d’appréciation. La National Gallery of Art of Washington a longtemps représenté un modèle de ce point de vue : avec le cartel complet, sont systématiquement livrées les sources bibliographiques, la provenance et l’historique des expositions de l’oeuvre. Cette exigence aisément atteignable parait désormais respectée par un nombre important d’institutions, comme le Musée d’Orsay, le Metropolitan Museum of Art, le Victoria & Albert Museum ou l’Art Institute of Chicago, par exemple. Toutefois, souvent proposées sous forme amovible, « dépliable », ces données sont rarement adjointes à l’ensemble des œuvres présentées. On entrevoit là les difficultés liées aux reversements dans des systèmes différents de gestion de bases de données mais aussi la collecte inégale des informations, au fil de l’histoire des institutions. En revanche on peut attribuer à la destination publique de ces bases de données, l’absence encore répandue de ces informations.

Collection Musée d'Orsay - Notice - Vue 1
Collection Musée d'Orsay - Notice - Vue 2

Les dimensions discursives de la mécanique de l’indexation

« Mettant en œuvre des catégories là où l’inventaire se fie à l’assentiment aux objets donnés, supposant un principe d’ordre, de classement, et un principe de désignation, une déictique, le catalogue témoigne de cette intelligence « mécanicienne » qui est apte à mettre en place des procédures, à édifier des dispositifs, à décliner les agencements du montrer-s’orienter-classer. »

Nul doute que l’intelligence mécanicienne de l’indexation, remarquablement définie par Patricia Falguières3à propos du catalogage émergeant au 16ème siècle, prend une évidence renouvelée avec le catalogue en ligne. Ici, catégories ou descripteurs se muent en leviers de circulation dans le corpus. Dans ce contexte,  cette nécessité fonctionnelle se combine à une opération heuristique. La valeur discursive et opératoire des « mots outils » qui instrumentent le catalogue des images se combine à la qualité scientifique des notices et cartels évoqués plus haut. Le point de vue du musée est aussi porté par la description, par la classification des œuvres de la collection.

D’une façon générale, on peut dire que les musées privilégient une offre classificatoire sur une offre descriptive ; autrement dit, les catégories de recherche dans les bases des collections permettent des entrées dans des pré sélections au sein d’un corpus, à partir de critères comme les grandes ères chrono culturelles, les écoles nationales, les courants artistiques, les techniques, etc., tous éléments externes à la description de l’œuvre même et qui renvoient principalement à la mise en ordre des collections par les musées . Une option illustrée brillamment par le système de filtrage par onglets du catalogue du MoMA.

MoMA Collection - Classification

La description des œuvres, appelée aussi indexation par sujets, s’avère la plus délicate à manier, transposée dans l’espace public du web. Appliquée à chaque œuvre, cette technique, dûment codifiée par des thésauri à l’usage des professionnels, est pourtant plus favorable aux rebonds, aux corrélations, à partir de chaque œuvre ; mécanique propice à une navigation horizontale, plus librement associative, au sein du corpus. Toutefois, l’usage de descripteurs, issus de vocabulaires contrôlés, soumis directement à une hypertextualité opérationnelle, peut déclencher des avalanches de rebonds non pertinents. Ainsi, à partir d’une notice du catalogue du Musée d’Orsay, certains descripteurs restent chargés d’ambivalence sémantique. Ces errements proviennent du fait que l’outillage professionnel des thésauri n’a pas fait l’objet d’une conception éditoriale adéquate à la situation de fréquentation publique du catalogue en question.

A contrario, TateOnline ouvre la possibilité de circuler par rebonds, au sein de son catalogue, grâce à la conception d’une interface très sophistiquée qui prend appui sur l’exposition de la cartographie sémantique de l’indexation de chaque œuvre. Il en ressort une vision scientifique rivée à l’analyse iconographique de l’œuvre qui se mue aussi bien en outil d’exploration de la collection qu’en support didactique.

Catalogue Tateonline - Indexation sujet avec rebonds

Hormis cette exception, la plupart des catalogues suppriment les descripteurs sujets  ou en usent de façon simplifiée. La National Gallery of Art de Washington offre, de ce point de vue, un compromis significatif, en proposant une recherche par sujets : ceux-ci se composent de quelques items principaux, parfois affinés par une arborescence ; mais on a là des descripteurs qui font davantage œuvre de grandes catégories descriptives que de description iconographique détaillée.

A ce point, les catalogues en ligne divergent des pratiques de la communication codifiée à laquelle se livrent les documentalistes et les conservateurs de musées, pour leurs fins propres. On peut y voir une conséquence naturelle du passage de ces objets spécialisés dans une sphère publique indéterminée. Pourtant, en réalité, ces choix d’entrées et de rebonds lexicaux, médiateurs de la connaissance de l’œuvre autant que de leur recherche dans ces corpus informatisés, en d’autres termes, ces choix d’indexation, sont l’objet d’une sourde négociation confrontant les points de vue respectifs du musée et du public4.

On retient de ce qui précède que les attributs sémantiques même élémentaires qui permettent la classification des œuvres ont une valeur non négligeable car ils s’inscrivent dans un contexte rare : celui de la présentation exhaustive des collections.

En effet, le catalogue de collections en ligne vise à l’exhaustivité ; nombre d’entre eux remplissent déjà cette ambition. A la collection ainsi livrée, s’ajoute l’équivalence entre toutes les œuvres. Cet agencement inhérent à la base de données relationnelles (quelles qu’en soient les particularités) est souvent conforté par l’offre générale d’un mode de recherche par l’index alphabétique des artistes, système d’interrogation des plus arbitraires, détaché de tout substrat ontologique, marque de « l’assentiment aux objets donnés ». On ne doit toutefois pas sous-estimer l’ouverture représentée par l’offre d’une présentation exhaustive des collections, précisément aussi parce que frappée de cette mesure d’équivalence. D’un point de vue documentaire, l’offre est d’un grand apport à la connaissance partagée des collections, d’autant qu’elle s’opère à un degré inédit d’internationalisation.

La fonction heuristique de l’image

Outre le partage scientifique inédit des collections d’une part croissante de musées, il faut souligner l’accessibilité des images des œuvres, d’autant que celles-ci se donnent à regarder sous des jours multiples. On peut relever que la primauté donnée à l’image conforte l’opinion consensuelle parmi les historiens de l’art selon laquelle l’approche visuelle reste primordiale dans la pratique de la discipline : regarder les œuvres, regarder les images. L’histoire du catalogue met au jour de plus en plus finement les méandres dessinés par les relations diverses  qui configurent la relation entre les œuvres, la reproduction des œuvres et les formes discursives sur l’art5.

Sans conteste, la situation contemporaine marquée par l’exploitation de la reproduction numérique des œuvres d’art bénéficie d’une généalogie des supports d’étude de l’art aux contours plus nets6.

Phénomène majeur pour la pratique scientifique, la place accordée aux images dans les catalogues des collections peut être, en premier lieu, et modestement, envisagée à travers la diversité de l’offre en ligne.

MoMA Collection - Recherche par l'image

D’abord, on remarque que plusieurs musées attribuent aux images mêmes des vertus exploratoires au sein des corpus. Plusieurs réalisations émanant de musées importants  expérimentent l’offre de « ce type de point de vue » sur les collections. Ainsi, le MOMA, propose une recherche par vignettes dont on peut régler aussi bien le nombre que la dimension ; cette opportunité de circulation dans la collection est livrée comme alternative à la recherche par catégories, déjà évoquée supra .

Avec une perspective analogue, même si seule une sélection de la collection est concernée, les Chefs-d’œuvre, le Rijksmuseum a opté pour cette démarche parmi de nombreuses propositions qui privilégient l’imagerie .

Rijksmuseum Masterpieces - Recherche par l'image

Enfin, Artscope, l’outil d’exploration du San Francisco Museum of Modern Art, propose une démarche radicale en proposant l’appréhension de l’ensemble de sa collection (plus de 4000 œuvres) par le moyen d’une seule image les comprenant toutes ; une loupe permet de détacher une œuvre d’une grille informe, par le choix d’une zone, « à l’aveugle ». On retrouve là la figure d’équivalence des œuvres de la collection, subséquente au système de la base de données.
On peut suggérer que ces démarches, chacune à leur façon, tentent de transposer dans l’univers numérique une approche à la fois heuristique et esthétique, fondée sur une perception intuitive. Simultanément, ces approches rendent présente, d’une façon inédite, la solidarité de chaque œuvre avec l’ensemble du corpus, ce qu’aucun catalogue imprimé ne peut réaliser. On discerne là une dimension radicalement neuve de l’édition en ligne.

Davantage vouées à l’étude de l’image/œuvre, à son examen rapproché, les propositions de grossissement par le zoom sont très répandues. On peut noter des variantes significatives, dans ce registre ; le MOMA ou la Tateonlineproposent une vision d’un format moyen permettant de regarder mieux une image tout en préservant la vision de l’œuvre entière ; d’autres privilégient la visualisation de détails jusqu’à la perception de l’infime, voire de l’invisible à l’œil nu7.

D’une façon générale, les outils disponibles favorisent la performance ; la National Gallery, London en donne toute la mesure.

National Gallery London - Zoom Vue 1
National Gallery London - Zoom Vue 2

Il faut ajouter à ces entreprises qui installent l’examen scientifique de l’œuvre dans un contexte commun, l’offre par certains musées de comparateurs d’images.

LACMA - Comparateur d'images

C’est le cas du Los Angeles County Museum ; le Getty Museum expérimente ce genre de présentation à partir de la collection de Lucas Cranach l’Ancien (1472-1553), en proposant une sélection de détails à la comparaison .

Cranach Magnified - Comparateur d'images avec pré-sélection de détails

 

D’une façon générale, ces propositions engagent une autonomisation des images de la collection en encourageant une certaine posture d’usage qui tend à délester l’œuvre de ses attributs discursifs. C’est l’œil du savant et de l’amateur qui est représenté et mis en jeu dans cet environnement public.

Quelles que soient les figures évoquées, les bases de collections représentent l’identité même de chaque institution, dans la mesure où cette identité tient précisément à la collection. Pourtant, on peut envisager qu’une dynamique propre à la mise en réseau s’impose également aux musées et que des liens soient établis entre les collections, ajoutant un attribut à la pratique scientifique. Cette tendance n’est toutefois pas encore très représentée car l’enjeu institutionnel s’en accommode mal. Le Musée d’Orsay, par exemple, inclut parmi la présentation d’un artiste des images d’œuvres qui sont localisées dans d’autres musées français mais le lien avec le site web n’est pas forcément proposé.

Des initiatives d’un autre type, également emblématiques de l’édition scientifique en ligne, vont pour partie répondre à cet appel du réseau. Cette voie est explorée par certains projets qui font éclater, en quelque sorte, la référence au catalogue pour privilégier, soit le déploiement documentaire8, soit la mutation des conventions éditoriales.

L’édition scientifique, au-delà du catalogue.

Nous terminerons en attirant l’attention sur deux réalisations qui illustrent ces deux types de perspectives de l’édition scientifique en ligne, au-delà du catalogue. Les deux exemples choisis incarnent deux pôles extrêmes de la mise en ligne : un déploiement documentaire inédit, pour l’un, une forme accomplie d’édition critique pour l’autre.

En premier lieu, le Raphael Research Resource9 nous est apparu comme une entreprise audacieuse en ce qu’elle accorde tout son sens à la mise en réseau. Il s’agit d’une plateforme, hébergée et coordonnée par la National Gallery, London, qui vise à mutualiser la documentation muséale éparse des œuvres de Raphaël. De nombreuses institutions se sont engagées dans le processus. Cette réalisation ne met pas seulement en oeuvre les vertus de la mise en réseau, elle livre à un public indéterminé des trésors qui, contrairement aux œuvres, ne sont pas aisément accessibles aux publics, y compris scientifique. Sont en effet mises en ligne les sources ainsi que la production scientifiques des musées ; depuis les radiographies des œuvres jusqu’aux inventaires, en passant par la littérature artistique passée et contemporaine ou bien les correspondances des directeurs de musées .

Van Gogh The Letters10, illustre pour sa part l’engagement scientifique d’un musée, à partir de son fonds d’archives. En l’occurrence, le musée Van Gogh d’Amsterdam, conservateur des archives de l’artiste, est à l’initiative d’une édition critique du corpus de la correspondance de Van Gogh, sous la direction de trois chercheurs. Quinze années de recherche ont permis de livrer une somme illustrée, imprimée et numérique. Le numérique ici a permis de donner toute sa mesure à l’appareil critique exceptionnel constitué par les chercheurs, appareil paratextuel et iconographique. Surtout, l’instrumentation du corpus compose un véritable dispositif de recherche, innervé de multiples circulations hypertextuelles et  pourvu d’une table d’étude équipée d’outils d’affichage et de visualisation, dédiés à l’examen des documents.

Van Gogh The Letters

Un écart antipodique sépare l’offre de documents sources et l’édition critique d’archives muséales. Ces ouvertures témoignent de la diversité des possibilités dans l’environnement du web. Ces réalisations ont en commun avec les catalogues des collections d’apporter des solutions techniques, pour la fouille dans les corpus, pour la visualisation des documents qui font de l’environnement numérique en réseau un milieu de renouvellement des relations entre les écrits et les images, relations qui marquent la construction de l’histoire de l’art. Armés d’une culture documentaire consubstantielle à leur pratique, les professionnels des musées bénéficient d’une position privilégiée pour explorer et mettre en œuvre de nouvelles modalités de l’édition scientifique en ligne.

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Un second ajout parait ici nécessaire.

Cranach Digital Archive11 nous parait dessiner une perspective originale. En premier lieu, cette réalisation ouverte à l’actualisation progressive permet des coopérations renforcées entre tous les historiens de l’art, académiques ou conservateurs des musées . Cette nouvelle figure du catalogue raisonné réalise la convergence entre la base documentaire, dans le droit fil du Raphaël Research Resource, et la version éprouvée du catalogue scientifique. L’édition numérique  s’émancipe ici du référent du catalogue imprimé, a contrario de Monet’s Paintings and Drawings (Cf.supra); fondé sur le socle structurant de la base de données, l’interface propose un agencement qui ménage la coexistence d’informations différenciées et d’outils de visualisation tout en favorisant l’étude par l’image. Il se confirme que le web est désormais appréhendé comme un environnement propice à l’essor de la publication scientifique en ligne ; par les voies multiples explorées, les supports d’étude se modifient mais également les méthodes et les pratiques qui leur sont associées.

 

  1. Association Générale des Conservateurs et des Collections Publiques de France []
  2. Parmi les trois catalogues du Louvre, le Catalogue de l’art britannique parait le mieux abouti []
  3. FALGUIÈRES, Patricia, « Les Raisons du catalogue », Cahiers du musée national d’art moderne, nº 56/57, 1996, p. 6-8. []
  4. Nous faisons ici référence à la folksonomy, l’invitation à l’indexation des œuvres par le public []
  5. L’ouvrage récent de Pascal Griener, La République de l’œil – L’expérience de l’art au siècle des Lumières,  Paris, Ed. Odile Jacob, 2010, vient nourrir un domaine de recherche qui se renforce depuis une vingtaine d’années []
  6. L’exposition Musées de papier – L’Antiquité en livres,1600-1800, organisée par le musée du Louvre du 25 septembre 2010 au 3 janvier 2011, est arrivée à point nommé, symptomatique de la nécessité de mettre le tournant numérique en perspective []
  7. Il y aurait beaucoup à dire sur le bien fondé de l’usage systématique du zoom, au regard des types d’œuvre mais aussi du point de vue de la qualité ou des dimensions de l’affichage sur l’écran, bien évidemment []
  8. C’est ce que nous avons désigné par le terme de documentarisation du patrimoine, in WELGER-BARBOZA, Corinne, Le musée à l’ère du document numérique – Du musée virtuel au musée médiathèque, Paris, L’Harmattan, 2001. []
  9. Nous renvoyons à la présentation que nous en avons faite, ici-même []
  10. Idem : nous avons consacré une analyse détaillée à ce corpus instrumenté []
  11. que nous avons présenté ici même []

Ara pacis Augustae

Vue d'ensemble

Le site Ara Pacis Augustae est une réalisation multilingue conçue et réalisée par Charles Rhyne, Professeur Emérite d’histoire de l’art au Reed College (Oregon), dédiée au monument bien connu, élevé entre 13 et 9 avant JC, à la gloire d’Auguste. Charles Rhyne s’est investi, de longue date, dans la réflexion sur les apports de l’imagerie numérique pour la discipline ; depuis 1996, il a consacré de nombreux articles à ce sujet et a également édité plusieurs sites web de recherche1.

Les objectifs scientifiques du site sont de documenter la longue histoire du Monument par l’image, de sa redécouverte jusqu’à la réalisation récente du Musée. Ce faisant, la documentation opère à deux niveaux : elle rend compte de l’évolution de la connaissance du monument comme de celle de la documentation iconographique même ; l’on peut mettre en regard l’évolution des connaissances, du point de vue des auteurs et les moyens et choix de représentation utilisés au fil du temps.

C’est effectivement à une lecture historiographique du monument que nous invite Charles Rhyne. Il a rassemblé tous les documents iconographiques produits et reproduits, depuis quelques dessins des 16ème et 17ème siècles jusqu’aux photographies numériques qu’il a réalisées lui-même afin de documenter l’état actuel du monument, y compris les salles du musée, créé en 2006.  Dessins, gravures, photographies mais également cartes et plans, diagrammes constituent un corpus unique, issu de la littérature scientifique de référence qui, dans la foulée de la période de fouilles comprise entre 1856 et 1925, a présenté, représenté, renouvelé la compréhension de l’Ara Pacis, qu’il s’agisse de restituer son architecture ou les décorations, les bas-reliefs dont les faces intérieures et extérieures sont parées.

Lanciani - 1897

Le corpus est donc constitué principalement d’images ; toutefois, celles-ci étant pour la plupart issues de publications (Lanciani – 1897 ; Petersen – 1902 ; Dissel – 1907 ; Moretti – 1948 ; Toynbee – 1953 ; Ruesch et Zanardi – 1983 ; Andersen – 2003 ; Martellotti (article) – 2003), on accède à l’intégralité de ces ouvrages en ligne par des liens vers d’autres sites. Le reste du corpus photographique est le fait de Charles Rhyne lui-même.

Les publications de référence citées ci-dessus forment une entrée à part entière dans le corpus. Mais une autre entrée est ménagée par les éléments architecturaux de l’autel ; cet accès croisé au corpus laisse l’utilisateur libre de privilégier la lecture historiographique ou la compréhension du monument, sous toutes ses formes. Une entrée permet également d’envisager l’architecture du musée. Deux pages de présentation (Introduction, Photographs of the Ara Pacis) informent des motifs de l’entreprise). Enfin, une chronologie détaillée et une bibliographie/webographie commentée, privilégiant les ressources iconographiques, permettent d’y faire d’autres incursions ou bien des excursions sur le web.

Zoom reconstitution hypothétique d'un chapiteau Moretti - 1948

La navigation est servie par une structure limpide ; le menu qui rassemble tous les accès reste à portée de main, en permanence. Un outil de visualisation permet d’examiner chaque document grâce à un zoom ; les images ont toutes été numérisées avec la résolution nécessaire. Pour procéder à des comparaisons, l’auteur recommande d’ouvrir tout simplement deux fenêtres ou davantage, si l’écran de l’utilisateur le permet.

L’Ara Pacis fait partie de ces objets d’histoire de la culture politique et de l’art romains qui sont très bien représentés en ligne. Toutefois, ce site se démarque par l’intérêt scientifique singulier porté à la mise en perspective des sources iconographiques, au passé comme au présent.

 

  1. On en trouve la liste sur sa page personnelle []

L’image-document face au numérique : mise en crise ou mise en lumière ?

Demi-journée d’étude organisée par Julie Ramos et Elli Doulkaridou

 

 5 mars 2012

Institut national d’histoire de l’art

Galerie Colbert, Salle Giorgio Vasari

 2, rue Vivienne ou

6, rue des Petits-Champs

75002 Paris

L’histoire de l’art, quelque forme que prenne son développement, est intrinsèquement liée au regard que l’amateur, le collectionneur et le chercheur portent sur l’objet, puis sur l’image de celui-ci. De la gravure à l’image numérique, en passant par la photographie, l’image-document dépasse souvent la simple copie et devient le témoin d’une méthode.

  • Que devient ce regard avec l’avènement du numérique ?
  • Dans quelle mesure l’image numérique remet-elle en question l’image-document de l’historien de l’art ?
  • Quelles sont les nouveaux instruments pour la recherche et quel est leur impact dans les pratiques du chercheur ?
  • Quelles sont les implications théoriques et méthodologiques de cette transformation ?

 

Cette demi-journée d’études réunira historiens de l’art, archéologues et spécialistes du domaine des Digital Humanities, afin de mettre en parallèle les usages de l’image comme document de recherche et la manière dont les pratiques se transforment aujourd’hui avec le numérique. Est-ce que l’histoire de la discipline peut contribuer à une meilleure appréciation des méthodes actuelles ?

 

Programme

9h00-9h15 Ouverture par Philippe Sénéchal, directeur du département des études et de la recherche de l’INHA

9h15-9h45 Introduction par Martine Denoyelle (INHA) et Elli Doulkaridou (INHA)

9h45-10h15 Melissa Terras (University College London)

Visions and Sermons : the Digital Transformation of the Humanities

10h15-10h45 Pascal Griener (Université de Neuchâtel)

L’avènement du fac-similé, une révolution dans l’instrumentarium scientifique des Lumières

 

10h45-11h00 Pause-café

 

11h00-11h30 Corinne Welger-Barboza (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne)

L’histoire de l’art et sa technologie : concordance des temps

11h30-12h00 Dirk Wintergrün (Max Planck Institute for the History of Science, Berlin)

From Textgrid and ECHO to the electronic scrapbook – new ways of collaborative publications in the humanities

12h00-12h30 Martin Warnke (ICAM, Leuphana Universität Lüneburg)

On the Structural Richness of Art Historical Discourse

 

12h30-12h45 Pause-café

 

12h45-13h30 Les enjeux d’une histoire de l’art visuelle

Table ronde avec les intervenants et Mercedes Volait (USR 3103 InVisu, CNRS/INHA), animée par Elli Doulkaridou

 

13h30-14h00 Débat avec la salle

 

Source: INHA

 

 

Le site André Breton – Un monument-document.

Un de ces derniers lundis (3 octobre 2011), Constance Krebs 1, est venue présenter le site web André Breton  aux étudiantes qui suivaient mon Cours de Master, « Culture numérique : musée, œuvre et document ». Un conseil scientifique réuni autour d’Aube Breton-Elléouët, participe également à la destinée du site ; il se compose de Henri Béhar2, de Jacqueline Chénieux-Gendron3, de Marcel Fleiss4, de Jean-Michel Goutier5, de Marie Mauzé6, de Gilles Mioni7 et de Didier Schulmann8.

C’est l’occasion de porter cette réalisation singulière à l’attention des communautés scientifiques et des nombreux amateurs, pour qui le poète révolutionnaire et le surréalisme sont des sujets de prédilection.

Le site web André Breton est un objet numérique singulier, en évolution permanente. Collection en ligne ? Chambre des merveilles virtuelle ? Base d’archives ? Les définitions se pressent à l’esprit, plurielles. Avant d’y voir de plus près, il est essentiel de rappeler les circonstances historiques et éditoriales qui ont abouti à cette proposition en ligne.

Catalogue de la vente - avril 2003

La collection d’André Breton, logée au 42 de la rue Fontaine à Paris, composée d’objets mais également de toutes sortes de documents (correspondances, revues, tracts, cartons d’invitations, etc.), a fait l’objet d’une vente à l’hôtel Drouot, en avril 2003. Organisée par Aube Breton-Elléouët, fille du poète, après avoir distribué une part des objets et des documents à des institutions patrimoniales, (le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, le Musée National d’Art Moderne et la Bibliothèque Kandinsky, la Bibliothèque littéraire Jacques Doucet), la vente a dispersé cette collection, faute d’un engagement suffisant de l’Etat. Le catalogue de vente, dans une édition soignée en 8 volumes9 (Image), en a préservé les traces mais les exemplaires se font rares ; une version numérique sur DVD a également été éditée par Calmels Cohen.

Le site actuel, répond au souhait d’Aube Breton-Elléouët de permettre l’accès public à cette collection. Constance Krebs, éditrice de cette (seconde) version web10, au prix d’un patient travail de mise à jour, y a ouvert de nouvelles perspectives,11, de sorte que l’objet qui en résulte s’est enrichi de vocations multiples.

L’empreinte numérique de la mémoire.

Lors d’une présentation précédente,12, m’était apparue la double nature de l’entreprise : une sorte de monument/document, forme synthétique « aberrante » au regard de l’opposition usuelle dont ces deux termes font l’objet. L’empreinte de la perpétuation du 42, rue Fontaine, tout à la fois mémoire de la collection et du grand homme, portée par Aube Breton, semblait présider à la reconstitution du corpus des documents dispersés.

Au regard des développements actuels du site, on pourrait prolonger cette inspiration par l’emploi des terminologies du virtuel : cabinet de curiosité ou musée virtuels, par exemple. Ainsi, on peut caractériser l’image exposée du Mur , reproduction de la reconstitution  du MNAM, de chambre des merveilles virtuelle dans la mesure où ce fameux mur se propose comme restitution des objets tels qu’agencés par Breton, de son geste artistique de collectionneur aussi bien que de l’atmosphère dans laquelle il œuvrait.

Virtuelle ou non, l’emploi de « chambre des merveilles » laisse à penser, incidemment, le léger décalage que cet ensemble suggère, au regard des missions usuelles d’un musée. On peut supposer l’embarras suscité par la dation du cabinet de Breton : une racine de mandragore peut-elle figurer parmi les objets de la collection ? C’est bien l’ensemble des objets dont le poète s’est entouré qui fait œuvre, à condition d’être restitué dans son intégrité et ses agencements. On se reportera ici à l’article de Didier Ottinger, Directeur adjoint du MNAM, qui étaye cette perspective.

Pour cette part de la collection, le virtuel se trouverait donc dépositaire d’un lieu qui fait œuvre. Mais l’emploi de la terminologie du musée virtuel pourrait tout aussi bien s’appliquer au recollement de tous les éléments dispersés parmi les collectionneurs, particuliers ou institutionnels. Toutefois, l’assemblage reconstitué ne concerne pas uniquement les objets collectionnés ; il comprend indissociablement des papiers de toutes sortes, conservés par Breton lui-même, selon ses propres règles d’archivage.

Je n’ai jamais été convaincue par la terminologie du virtuel, dans ces différentes acceptions – est virtuel, en matière numérique, ce qui peut faire l’objet d’une actualisation par la machine. L’initiative Breton m’apparaît plus clairement comme une entreprise documentaire qui, bien qu’arrimée en premier lieu à une collection/lieu de mémoire, porte essentiellement les caractères de la documentarisation numérique en réseau, désormais partie prenante de processus communicationnels et contributifs, servis par les outils du web 2.0.

Des accès multiples, autant de points de vue sur la collection.

L’entrée dans la collection se fait aussi bien par l’image du cabinet résultant de l’exposition du « mur » par le MNAM que par les menus catégoriels ou par le nuage de tags qui figure en bonne position, sur la page d’accueil. D’une façon ou d’une autre, il s’agit d’accéder à une liste de documents, assortis de notices ; mais les richesses de l’archive se dévoilent au gré de cette pluralité d’accès et des parcours qui se présentent alors.

L'accès par le Mur

 

En premier lieu, le Mur donne bien accès à l’image de chaque objet qui y reste attaché ; une fois le zoom activé, chaque détail du mur peut être sélectionné et identifié individuellement. Les notices de ces images, dont la description varie en fonction de l’objet, correspondent en général à celles du MNAM qui conserve et expose le Mur ; les images disponibles aussi sont identiques. Des liens réciproques, d’un site web à l’autre, rend aisée la confrontation des écrans.

Les deux notices du crâne surmodelé

 

Celui-ci met à disposition une loupe pour approcher les figures quand celui-là propose un agrandissement de l’image entière ; les images des deux notices restent toutefois de taille modeste.

Dans le cas du Mur, tout tend à suggérer une complète homothétie des deux bases d’objets concernés. Toutefois, l’entrée ou le rebond par le tag « mur », apposé à certaines notices permet quelques échappées. Ainsi, le tag Mur active une liste de 240 numéros dont, par exemple, un ensemble de photographies du 42, rue Fontaine  datées de 1929 (environ), montrant, entre autres vues, le fameux Mur qui a peu à voir avec son état dernier. Première expérience d’expansion « hors le mur », servie par les liens tissés au sein du corpus par les tags.

Photographie du Mur - 1929 (environ)

Dès lors que l’on reste focalisé sur les objets, la collection excède évidemment le Mur. Ce sont les catégories : Arts populaires ; Arts premiers ; Œuvres graphiques, tableaux modernes, sculptures) qui en ménagent l’accès. Par exemple, les bénitiers : pas moins de 100 ensembles ! Les notices des bénitiers témoignent de l’action en cours de l’éditrice qui tend à préciser les numéros des lots des ensembles présentés : la vente et son catalogue se rappellent à notre bon souvenir, livrant ses détails : des objets de la maison de Saint-Cirq-Lapopie faisaient aussi partie de la vente.

Ici, les descripteurs marquent combien l’indexation est délicate : respecter l’anticléricalisme radical de Breton rend malaisé l’emploi des termes « sacré » ou « religieux » pour affiner la catégorie des arts populaires dans lesquels ces objets de prédilection de Breton sont classés ; le tag « magie » peut faire irruption dans l’affaire. Et la « magie » opère : le mot-outil livre des listes de notices où objets et écrits de toutes sortes témoignent de l’importance de cette thématique, pour Breton et le mouvement surréaliste.

Ainsi, l’on prend rapidement la mesure des perspectives changeantes selon que l’on s’en tient à une entrée catégorielle ou que l’on poursuit un descripteur. Le tag permet des ordonnancements où la distinction entre les objets et les documents n’a plus lieu d’être. Cette formule d’indexation sert la mise en relation des éléments du corpus au regard des mots clés du Surréalisme ; une entrée privilégiée tant pour les familiers du domaine que pour les non initiés.

 

D’autres entrées se signalent dans la même colonne de rubriques : ainsi des contributeurs qui correspondent, en fait, aux personnes figurant parmi les (co-)auteurs des documents conservés ou simplement citées. Une perspective supplémentaire est offerte avec l’entrée par les séries ou collections, mentionnées sur la page de présentation (Introduction).
Cette entrée revêt une importance singulière si l’on prend en considération qu’elle reconstitue les dossiers par lesquels Breton rassemblait les pièces d’archives concernées, ainsi, par exemple, des documents associés à  Nadja, à l’ensemble Sommeils ou encore aux manuscrits d’André Breton, rassemblés dans des boites. La restitution du cabinet n’est pas limitée au Mur ; la trace de multiples tiroirs invisibles est préservée.

Un complexe documentaire rhizomique et polymorphe

Dès lors que l’on approche le corpus rassemblé sur le site, on se trouve confronté à la complexité d’un objet documentaire qui, à la fois constitue un point d’entrée privilégié dans l’univers et l’histoire surréalistes, fortement présents sur le web, et à la fois rappelle son attachement à collection rassemblée par Breton dont les pièces, objets ou documents, sont consignés dans le catalogue de la vente. Un complexe à géométrie variable qui se caractérise  par la multiplicité des formes données à la documentation et à l’usage qui peut en être fait. Ainsi, la consultation sera-t-elle tributaire de l’accès partiel ou intégral ménagé par le site Breton  mais également de l’offre numérique des autres sites, institutionnels ou non. Cette offre résulte autant de leur politique de numérisation que de la source à partir de laquelle la numérisation a été effectuée.

Ainsi, ne s’agissant que des institutions patrimoniales qui conservent les objets ou documents figurant parmi la vente, des passerelles sont établies entre des systèmes documentaires différents qui donnent lieu à des modes de consultation diversifiés.

On l’a déjà entrevu avec le Mur conservé au MNAM : si l’homogénéité et la similarité de la présentation des notices s’affirme, en premier lieu, une fois replacés dans la collection du musée, les objets adoptent les modes d’affichage de l’ensemble de la collection : grande image, diaporama, à condition de rechercher l’objet en question dans le catalogue général..

On peut aussi évoquer l’exemple de certaines correspondances : une lettre de Breton est donnée à lire sur le site tandis que le lien vers la bibliothèque Kandinsky qui la conserve permet d’en repérer la notice d’archivage, indique le mode de consultation sur place et sur rendez-vous. Un lien pointe en retour vers le site Breton.

Autre cas de figure : dès lors qu’une édition conservée par Breton figure dans le corpus numérique de Gallica, comme Mission de l’Inde en Europe de Alexandre Saint-Yves d’Alveydre (1910), un feuilletoir se présente aussitôt ; activé en mode pleine page, on retrouve l’interface de Gallica avec ses outils de lecture.

Dans le cas des revues, l’exemple de la revue Littérature – Nouvelle série (mars 1922-juin 1924), la forme des ressources excède la politique des institutions patrimoniales et nous permet d’approcher la richesse portée par le réseau documentaire tissé ici. Le site Breton en propose deux accès : d’une part, une page rassemble 173 fac-similés : y sont mêlés les pages imprimées de la revue et les divers documents encartés  par Breton ; d’autre part, on y renvoie vers des pages permettant la consultation par numéro de ces mêmes « truffes », favorisant ainsi un parcours détaillé. Mais la page d’ensemble comporte également des liens externes. Vers la Bibliothèque littéraire Doucet   qui les conserve et où l’on retrouvera le descriptif archivistique de tous ces documents manuscrits ; vers la base The Dada International Archive (université de l’IOWA) qui permet la consultation et le téléchargement de tous les numéros de l’édition imprimée, numérisés en mode image ; enfin, vers le site Mélusine13 qui en propose la transcription en mode texte.

La revue Littérature et Nouvelle série pointées par Mélusine

Par ailleurs, d’autres connexions étendent encore le réseau documentaire auquel le site donne accès. Ainsi, on pourra déboucher, grâce à l’index des contributeurs ou à la notice Masque d’André Breton par René Iché (1897-1954), au site consacré à ce sculpteur. C’est également le cas pour Benjamin Péret , Michel Leiris  ou Alfred Jarry … Ces sites sont édités par des amateurs et des chercheurs. Parfois, ce sont les enseignants du secondaire qui, ayant réalisé un dossier remarquable sur Breton, prolongent le site Breton ; ainsi de Magister, à propos de Nadja http://www.site-magister.com/nadja1.htm

Dans ce contexte extensif, l’on peut toutefois identifier ce que l’on ne trouve que sur le site Breton. L’exemple des Lettres de Rodez d’Antonin Artaud  peut en livrer une idée. Comme souvent, dans cette catégorie des correspondances éditées, on trouvera en premier lieu l’image de la couverture de l’édition conservée par Breton. Mais si l’on passe outre cette promesse parcimonieuse, on y découvrira, sans que la notice n’en fasse encore mention, toutes sortes de documents encartés par Breton dans le livre, relatifs à l’internement d’Artaud à Rodez et à l’initiative de la publication, dans ce contexte (dessin, télégramme, lettres…). Les photographies aussi peuvent recéler, au dos, des notes manuscrites.

Télégramme du docteur FERTIERES encarté dans Lettres de Rodez

Au fil de l’exploration, on prend mieux conscience de l’apport singulier de la collection Breton: à savoir tous les documents, manuscrits, tapuscrits, correspondances, graffitis, croquis, dessins, parsemés au sein des textes édités notamment, ont la particularité de rester associés, « physiquement », à leur contexte de conservation par Breton. Au lieu du riche réseau de liens tissés avec d’autres systèmes documentaire, ici est préservé le réseau d’associations, d’inscription circonstancielle, historique, des documents.

Cette richesse incontestable est tributaire, quant à elle, de choix éditoriaux qu’on peut désormais aborder.

Les parti pris  éditoriaux : un chantier à ciel ouvert

Le site vise à la présentation in extenso des documents en partant d’un fond numérisé juste avant la dispersion et la vente.

Pour ce qui est de la présentation des documents, le parti est clairement pris de favoriser la consultation des documents plutôt que leur appropriation. Mais, de ce point de vue, ni la bonne visibilité ni le confort d’étude ne sont assurés. Ainsi, la loupe, outil choisi pour la vision rapprochée, sert indifféremment pour toutes les images – images d’images ou images d’écrits (manuscrits, tapuscrits, imprimés). Dans le cas des documents iconographiques, comme on l’a déjà noté, on ne perçoit alors qu’une petite portion d’une image de petite taille, ce qui pâtit de l’habitude que l’on a pris de bénéficier de zoom confortables mais peut aider à y voir mieux. En revanche, pour les documents écrits, la lecture s’avère difficile et l’examen ou le déchiffrage trop laborieux. La numérisation de faible résolution et la taille des images sont à l’origine de cette difficulté. La raison principale en revient à des contraintes issues des droits d’auteur et des éditeurs. C’est l’ADAGP14 qui reçoit les droits de l’association qui gère le site Breton et ces droits sont de reproduction et non pas de représentation. On ne peut que regretter, toutefois, que cette solution globale hypothèque la visibilité de nombreux documents – dont les tracts sont l’exemple par excellence –  non assignables au droit d’auteur et que l’on trouve retranscrits sur d’autres sites, alors qu’ils bénéficient ici d’une mise en contexte unique pour l’étude.

Au sein des pages de notices, le signalement des documents (feuilles, feuillets, images, etc.)  emprunte le système des vignettes. On a déjà eu l’occasion de dire tout le bien qu’on pense de cette solution de prévisualisation15 Mais cette signalisation qui indique le nombre de documents à disposition  (« truffes » dans un ouvrage édité, lettres assemblées à une même lettre ou pages numérisées d’un numéro de revue )  se concrétise par l’emploi de minuscules vignettes. Ces icônes, trop petites, n’ont aucune vertu de prévisualisation et ne peuvent servir à sélectionner, en connaissance de cause, le document que l’on va actualiser ; la consultation garde un caractère hasardeux.

On se prend à rêver qu’un épisode ultérieur de numérisation, avec l’aide des conservateurs des documents, puisse remédier à ces limites.

Pour autant, d’autres partis pris essentiels marquent le projet et l’intérêt singuliers du site André Breton.

En effet, le parti pris sans doute les plus audacieux du site Breton est de proposer – et cette fois, l’expression n’a rien de conventionnel – un work in progress, autrement dit, un chantier où la mise en ligne des documents continue de se faire, en même temps que la précision de la description ou l’éclairage plus développé des objets et des archives. C’est un travail considérable qui est en cours et si le risque pris du chantier à ciel ouvert rend parfois la consultation déconcertante, il s’accorde avec la place conférée au commentaire et à la contribution externes.

Ainsi, l’on a pu déjà constater, par exemple, avec les bénitiers, que le processus du catalogage était en cours. Question de temps : peu à peu, l’éditeur, précisera dans le chapeau de présentation des pages si les vignettes montrent tout ou partie des éléments constitutifs d’un ensemble documentaire ( truffes et intérieur d’un livre, verso d’une photo ou d’un tableau, etc.) et si tout est bien assorti de notices.
Mais des ensembles sont achevés. Les Tracts , par exemple, sont non seulement classés mais leur notice d’identification ainsi que leur description et mise en contexte ont adopté leur forme finalisée. Ainsi, la déclaration We dont ear it that way en fournit un bon exemple : les signataires sont clairement démarqués des personnes citées ; la notice historique permet d’en situer les enjeux ; l’édition conservée est précisée tandis que tous les champs de la notice d’identification, selon la description adoptée sur le site, sont remplis ; enfin, les liens avec des reprises en ligne sont proposés. Cet exemple mais on pourrait aussi citer à nouveau la page de présentation d’ensemble de la revue Littérature – Nouvelle série  déjà évoquée, illustrent aussi les contributions éditées continument par les membres du Conseil scientifique.

We don't hear that way

Cette contribution se produit à deux étages, pourrait-on dire. Un spécialiste d’une part du corpus peut avoir en charge la rédaction des présentations des objets ou archives rassemblés et de chacun de ses éléments. Mais il revient également à ce groupe d’experts de valider les commentaires ou les contributions de ceux qui répondent à l’appel.

En effet, l’immense chantier documentaire intègre dans son projet éditorial de convoquer tous les passionnés, érudits du surréalisme, à compléter ou parfaire l’édifice.    Même si l’appel à commentaires ou à contributions sur le mode wiki ne se distinguent pas forcément par la forme, ils marquent l’adoption d’une ouverture participative. Celle-ci se fait avec contrôle a priori ; c’est l’une des prérogatives du Comité scientifique qui entoure Aube Breton-Elléouët, veillant à l’exactitude et à la bonne tenue de l’enrichissement contributif du site.

Des exemples de commentaires mettent en lumière l’intérêt porté par des protagonistes de l’aventure surréaliste, celle-ci ayant connu une longévité singulière au regard des mouvements avant-gardistes prenant leur source dans la première moitié du 20ème siècle.Sur chaque page, une invitation à « Ecrire votre commentaire » permet d’accéder à l’éditeur. Ainsi, sur la page de présentation de l’exemplaire des Annales des sciences psychiques  ,une précision collatérale est apportée par Brady Brower 16 –  l’auteur du commentaire est libre de laisser apparaître son nom ou pas – , quant à ce qui peut être attribué à Richet père et Richet fils, le premier étant cité comme co-éditeur de la revue. Un certain Fred, y revient à deux fois, à deux mois d’intervalle, pour prendre parti et proposer des ressources en ligne, susceptibles de nourrir d’éclairages supplémentaires la charge portée contre Paul Valéry par Breton et Aragon, dont témoigne le texte Une politique méthodique .

Quant au wiki, ouvert en haut de chaque page, il a permis notamment de produire une traduction anglaise de la notice de présentation d’un numéro de la collection « Les Hommes d’aujourd’hui » . Parfois, le wiki est utilisé pour ajouter à la précision d’une notice, comme dans le cas des photographies intitulées Paysages canadiens . En activant  le lien « archives », on peut suivre la succession des apports.

Avis aux amateurs…. Et aux scientifiques !

Post Sciptum : particulièrement dans le cas du site Breton, on aura compris qu’il n’est pas superflu, si l’on souhaite suivre les actualisations incessantes du site Breton, de s’abonner au fil d’actualité quotidien en ligne / ou à la Lettre d’informations mensuelle  . André Breton a bien sûr ouvert un compte Facebook  qui informe ses amis de tout évènement qui anime la vie de la galaxie surréaliste.

En avant-première, on peut déjà alerter d’une initiative en vue : un colloque en ligne, à l’initiative de Constance Krebs et Milad Douailhi. L’appel à communications sera lancé dd’ici peu …

Enfin, je remercie Constance Krebs pour sa précieuse coopération.

 

  1. Constance Krebs est l’éditrice du site Breton []
  2. Spécialiste des avant-gardes, éditeur des œuvres complètes de Roger Vitrac et de Tristan Tzara, auteur d’une biographie d’André Breton, Henri Béhar, professeur émérite de Littérature française à la Sorbonne nouvelle de Paris 3, édite la revue Mélusine, cahiers du Centre de recherche sur le surréalisme, et dirige la Bibliothèque Mélusine aux éditions l’Âge d’Homme. []
  3. Directrice de recherche émérite au CNRS, a enseigné aux Universités Paris-Diderot de Paris 7, et Princeton, New Jersey aux États-Unis. A suscité, avec le soutien de Marguerite Bonnet, la première équipe nationale de recherche en France dédiée au surréalisme, en 1975, au CNRS. Diverses publications visibles sur les moteurs de recherche, la première importante Le Surréalisme et le roman, L’Âge d’homme, 1983, la dernière : Il y aura une fois, une anthologie du surréalisme, Gallimard, nouvelle éd. 2004; Folio/textes 3674. Jacqueline Chénieux-Gendron a fondé et dirigé la revue Pleine Marge, revue de littérature, d’arts plastiques et de critique, Peeters éd. 1986-2009. []
  4. Né à Paris en 1934, Marcel Fleiss se lie d’amitié avec Man Ray au milieu des années soixante. Le photographe lui présente Dali, Ernst, Meret Openheim, Masson, etc. En 1972 il ouvre la galerie des Quatre Mouvements avec une exposition Man Ray, suivie d’une exposition Matta. En 1981 il ouvre la galerie 1900-2000, avec plus de 150 expositions à ce jour, la plupart d’artistes surréalistes. Expert lors de la vente André Breton en 2003. []
  5. Représentant du Comité scientifique de l’association. []
  6. Ethnologue, membre du Laboratoire d’anthropologie sociale (CNRS), Marie Mauzé est spécialiste des sociétés amérindiennes de la côte Nord-Ouest. Depuis 1980, elle conduit des enquêtes de terrain chez les Kwakwaka’wakw de la Colombie britannique (Canada) tout en écrivant de nombreux articles dans des revues françaises et internationales. Elle a notamment co-publié avec Marine Degli Les Arts premiers, Gallimard, coll. Découvertes, 2000 et co-dirigé avec Michael Harkin et Sergei Kan,Coming to shore. Northwest Coast Ethnology, Traditions, and Visions, Lincoln, University of Nebraska Press, 2004. []
  7. Après des études de lettres modernes à la grande époque de l’université Paris 8 – Vincennes, Gilles Mioni se dirige vers l’informatique, grâce au CNAM, en devenant chef de projet. Auteur d’ouvrages de technique informatique, il ne néglige pas la littérature, loin de là, puisqu’il s’intéresse de près au surréalisme. []
  8. Conservateur en chef du Patrimoine, conservateur au centre Georges-Pompidou, chargé de la documentation de la collection du Musée national d’art moderne à la bibliothèque Kandinsky. Contribuant à l’Encyclopedia Universalis, Didier Schulmann est l’auteur de L’Artiste et ses lieux de création, et des Trésors de la biliothèque Kandinsky. []
  9. Calmels Cohen []
  10. Se reporter à l’article que Constance Krebs y a consacré, sur son site amontour []
  11. l’architecture du site est conçue par Cory McCloud, ancien directeur de Giantchair, société d’édition numérique []
  12. séance du 5 novembre 2009 du séminaire « Nouvelles formes d’éditorialisation », organisée par Invisu et Sens public []
  13. Centre de recherche sur le Surréalisme de l’université Paris 3 []
  14. Société des Auteurs dans les Arts Graphiques et Plastiques []
  15.   Les pratiques numériques de l’image – Perception des corpus, la prévisualisation. []
  16. il s’agit sans doute d’un professeur de l’université de l’Illinois, auteur de Unruly Spirits. The Science of Psychic Phenomena in Modern France, Urbana : University of Illinois Press, 2010. []

Cranach Digital Archive

Ce 18 janvier 2012, comme annoncé, Cranach Digital Archive a bien été mis en ligne ! Dans la lignée du Raphaël Research Resource1 , le corpus des œuvres connues et reconnues de Cranach l’ancien (c.1472 – 1553) et de son atelier, est rendu accessible grâce à la mutualisation de plusieurs collections muséales et privées. La Fondation Andrew Mellon  y joue encore un rôle important d’incitation par son soutien2 et favorise la mise à disposition la plus exhaustive possible de tous les documents produits par les institutions muséales. La passerelle établie avec ResearchSpace, un laboratoire de développement également soutenu financièrement par la Fondation Mellon, tisse une toile ingénieuriale qui assure l’innovation et la conformité aux normes les plus actuelles; c’est la garantie, par exemple, que les objectifs de  conservation ou d’interopérabilité des réalisations numériques en ligne de ce réseau de documentation de la recherche soient appliqués..

On note en premier lieu que le projet est dirigé par un musée Stiftung Museum Kunstpalast, Düsseldorf et un universitaire, le Professeur Gunnar Heydenreich, de University of Applied Sciences, Cologne, illustration d’une coopération exemplaire entre les mondes de la recherche patrimoniale et académique. La formule de la mutualisation rassemble des institutions européennes et américaines. Outre la direction de projet déjà mentionnée, on trouve en effet parmi les membres fondateurs : Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Alte Pinakothek and Doerner Institut, Munich ,J. Paul Getty Museum, Los Angeles, Kunsthistorisches Museum, Vienna, Kunstmuseum Basel, Metropolitan Museum, New York, National Gallery, London, Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin, Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden, Prof. Dr. Dieter Koepplin, Basel, Dr. Werner Schade, Berlin, Prof. Dr. Ingo Sandner, Dresden. S’ajoutent des partenaires :    Anhaltische Gemälde-Galerie, Dessau, Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg, Klassik Stiftung, Weimar, Kunstsammlungen der Veste Coburg, Coburg, Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, Brussels, Museum der bildenden Künste, Leipzig, Stiftung Preußischer Schlösser und Gärten, Berlin-Brandenburg, Statens Museum for Kunst, Copenhagen, Stiftung Schloss Friedenstein Gotha, Szépmüvészeti Múzeum, Budapest. Des partenariats avec vingt-trois autres institutions  qui conservent des œuvres sont déjà engagés.


Le corpus rassemble plus de 400 oeuvres  de Cranach l’Ancien et de son atelier, documentées par plus 5000 images, sur environ 1,500 peintures connues. Le fait que ce corpus reconnu représente seulement une fraction minime de la production estimée (peintures, dessins et gravures) ouvre une perspective importante au développement ultérieur du site – work in progress, au principe du CDA – d’autant que les spécialistes sont appelés à contribution : on trouve sur chaque page de documentation des œuvres, le lien pour contacter les gestionnaires du projet afin d’apporter des informations complémentaires ou des rectifications. Parmi les objectifs de développement du projet, d’ici 2014, figure en bonne place la mise en œuvre d’outils collaboratifs.

Au regard du Raphael Research Resource, quelques inflexions ont été apportées. En premier lieu, c’est la présentation des informations en relation avec les œuvres et, en conséquence, la manipulation de la plateforme qui sont modifiées. Parmi les éléments différents, on peut relever principalement un espace central de consultation plus de plus grande envergure où prend place d’emblée une grille de vignettes présentant un grand nombre d’œuvre par page,  plus de 6 pages en tout, qu’on fait défiler simplement au moyen d’une flèche.  Trois entrées de tri préalable se proposent alternativement : par attribution, date ou collection.  Mais surtout, c’est l’espace de consultation qui se différencie par l’intégration très forte de tous les éléments d’information et de documentation offerts. L’espace central reste un espace d’affichage, bien plus confortable que la fenêtre du RRR. En position initiale, s’y affiche la notice d’identification. Un espace contigu permet de déplier chaque élément de cette première notice, suivie d’éléments non affichés : les informations scientifiques (provenance, histoire des expositions, sources/publications, Interprétation/discussion – c’est ici que sont rassemblées des citations de la littérature artistique – mais on constate que cette catégorie n’est pas encore véritablement traitée. Enfin, dans la même catégorie, la sous-catégorie des œuvres associées : encore vide également.

Dans le cadre de ce même panneau, d’autres catégories permettent de déplier les informations relatives à l’examen de la technique et du matériau, ensuite, les rapports de conservation ainsi que l’histoire des restaurations. Enfin, une catégorie Images permet de choisir parmi les documents radiographiques (infra-rouge, réflectographie, rayons X, etc.).

Ces documents sont ceux qui sont rassemblés sur le panneau contigü, à l’extrémité gauche de la page ; outre les documents destinés à des examens visuels divers, certaines pages d’ouvrages apparaissent parfois qui ont analysé ces documents. Encadrant également  l’espace central, le panneau de droite contient l’image sélectionnée ainsi que l’amorce de ses outils de visualisation : un zoom de 200 à 400%, selon l’image (résolution différente selon la provenance du document). L’espace central sert l’affichage de l’image.

Ce qui frappe dans le choix de l’interface, c’est le parti pris d’intégration de tous les éléments disponibles à la consultation et à la manipulation dans le même espace de travail. Car cet espace de consultation se confond bien avec un espace de travail : en effet, les documents extraits de la plateforme ne supportent pas d’être agrandis par un zoom en local et gardent une petite taille, ce qui rend le travail en local, par l’appropriation des documents, moins intéressant.

Cette orientation présente un grand intérêt ; toutefois, nous regrettons de ne pas retrouver certaines archives qui nous avaient beaucoup intéressés, dans le RRR, comme les inventaires ou les notes de conservation sur leurs supports d’origine (carnets, correspondances, etc.) Toutefois, ce qui s’esquisse ici – et les éditeurs le revendiquent comme tel – c’est une invention éditoriale qui succède au catalogue raisonné avec des dimensions inédites : l’actualisation progressive, bien sûr, mais aussi la mutualisation des connaissances ainsi que l’ajout systématique des documents issus des activités de recherche des départements ou laboratoires de conservation-restauration des musées.

  1. voir la signalisation que nous avons publiée []
  2. Cf. Digital Documentation Project, depuis 2017 []

Signes et balises – L’édition numérique en histoire de l’art – Réalisations, projets, enjeux.

 

 

 

 

 

 

Journée d’études, organisée par Anne-Laure Brisac-Chraïbi, le 13 janvier 2012,  Auditorium de la Galerie Colbert, 2, rue Vivienne, Paris- 75002. Invisu-INHA.

Programme de la journée 

 

Matinée

9h30-9h45
Ouverture, par Antoinette Le Normand-Romain, directeur général de l’INHA

9h45-10h30
Introduction, par Anne-Laure Brisac-Chraïbi, responsable de l’édition numérique à l’INHA

10h30-11h15
The RIHA Journal, an academic online journal for a network, par Regina
Wenniger (Zentralinstitut, Munich)

11h30-11h45 Pause café

11h45-13h15
Trois revues sur une plateforme : In Situ, Images-revues, Les Nouvelles de
l’estampe rejoignent revues.org, table ronde avec Béatrice Berchon, Pierre-Olivier
Dittmar, Rémi Mathis, animée par Inès de Montesquieu (revues.org)

13h15-14h30 Pause

Après-midi

14h30-15h00
écrire l’histoire de l’architecture en Méditerranée orientale : édition papier, blog,
revue scientifique, par Mercedes Volait (InVisu, CNRS/INHA)

15h15-16h45
Édition de musées, édition grand public, table ronde avec Emmanuelle Bermès (Centre
Pompidou), Benoît Deshayes et Cécile Maisonneuve (RMN), animée par Anne-Laure Brisac-
Chraïbi

16h45-17h00 Pause café

17h00-18h00
Droit et image en mode numérique : enjeux et perspectives, par Anne-Laure Stérin,
juriste, consultante, chargée de cours à l’université Paris-Est

18h15-19h30 Cocktail de clôture

Meilleurs Voeux, Best Wishes

 

L’équipe de l’Observatoire critique vous souhaite une année bonne, meilleure ou moins mauvaise, une année de travail, une année de changement… Une année qui nous aide à nous réjouir du temps qui passe ? Et en prime, le partage d’une image ou plutôt d’images d’images d’images…

Car parmi tant d’autres me sont revenues à l’esprit ces images, exposées à Arles, cet été, sorties de leur bain numérique comme le poisson de l’eau, par Hermann Zschiegner, « Photography in the Age of Google ». Issues de   l’opération  booléenne, tapée dans Google images : (+ walder evans + sherrie levine) .

Ces images sont reproduites ici à partir du catalogue papier de l’exposition FROM HERE ON1 : retour au Web, avec modification.

Mais auparavant, une autre version conceptuelle (hyper-conceptuelle ?), plus orthodoxe, était livrée par Michael Mandiberg (2001).

La voici :

AfterWalkerEvans                                                                                      AfterSherrieLevine

After Michael Mandiberg (2001), accessible sur Rhisome.org.

Une année sous le signe des jeux en abîme de l’œuvre et du document, un objet qui réunit et agite tout autant les artistes, les historiens de l’art, les chercheurs en études visuelles, les Digital Humanists et tous ceux qui le souhaitent, bien sûr.

 

 

 

  1. Exposition – Manifeste, dirigé par Clément Chéroux, Joan Fontcuberta, Erik Kessels, Martin Parr, Joachim Schmid, dans le cadre des Rencontres photographiques, 4 juillet – 18 septembre []

“S’approprier la visite au musée – Quels modèles pour la participation amateur ?” par Laetitia Aubin

 

 

 

Mémoire de Master 2 – Histoire et politique du patrimoine et des musées,

université Paris 1 – Panthéon-Sorbonne, soutenu en septembre 2011.

 Télécharger :

 Mémoire

ANNEXES

 

 

Les pratiques numériques de l’image (II) – Perception des corpus, la prévisualisation.

Nous avons fait le choix de décomposer l’étude instrumentée des images en quelques phases ou fonctions.  Même si, précisément, les dispositifs numériques se caractérisent par l’intégration des opérations : une  fluidité accrue entre la constitution du stock et la gestion du corpus, entre les différents gestes ou stades de visualisation.  Nous marquons donc un premier arrêt sur la prévisualisation.

L’affichage des fichiers images s’effectue selon des tailles et des agencements variables. Dans ce contexte, l’affichage simultané d’images de petite taille, disposées  sur l’écran dans un espace homogène, une même fenêtre, produit une situation nouvelle de visibilité. La mise en visibilité a priori d’un ensemble d’images, sous la forme de  vignettes, est une propriété primordiale qu’il convient de souligner, de soustraire à l’évidence distraite. Servie par une interface adaptée, la visibilité de grandes quantités d’images présente une affordance1, inédite en matière de visualisation. Certains agencements, suppléés par quelques outils d’ajustement, permettent à la fonction de prévisualisation de se détacher en tant que telle et de s’imposer dans les pratiques numériques de l’image.

Dans le cadre des manipulations ante-numériques d’un corpus d’images, il n’est pas aisé d’identifier formellement une phase de prévisualisation pourtant effective : du parcours manuel et visuel rapide de boites de diapos ou de tirages ou encore de planches contact à la dissémination d’un « tas » sur le bureau ou la table lumineuse, les gestes se différencient selon que le corpus est connu de celui qui le manipule parce qu’il l’a lui-même constitué ou selon qu’il s’agit d’une recherche au sein d’un corpus composé par d’autres (photothèques, diapothèques institutionnelles (universités, centres de recherche, musées, bibliothèques, archives). Ces gestes sont avant tout insaisissables car ils relèvent de méthodes singulières, intimes, les moins aisément formalisables. Quoi qu’il en soit, on peut affirmer que la prévisualisation  d’un corpus visant à sélectionner une ou plusieurs images pour l’étude a procédé jusqu’alors d’un mouvement complexe,  combinant la mémorisation de ce que l’on a regardé avec ce que l’on regarde effectivement, à un instant T : des aller-retour constant entre visible/non visible, entre montré/caché, mettant en jeu sous des formes multiples, le perçu, le su, le connu.

Les possibilités actuelles de perception d’un grand corpus dont la pleine visibilité est désormais assurée modifient quelque peu les fonctionnements cognitifs établis sans que l’on espère modéliser totalement le fonctionnement des pratiques singulières. Reste qu’on peut identifier les conditions d’un mode de prévisualisation inédit.

Avec le numérique, en local ou en ligne, et quels que soient le corpus et son classement, une configuration s’impose qui favorise ce mode de prévisualisation. Il s’agit de l’affichage mobile et malléable de vignettes, souvent de taille équivalente, et disposées selon la structure d’une grille ou mosaïque ; quel que soit son format, cette organisation visuelle permet de parcourir du regard une grande quantité d’images, c’est l’un des caractères de nouveauté ; sa généralisation nous fait dire que l’on a affaire à un standard.

 Variations heuristiques de la grille

La structure de la grille pour agencer des images d’art n’a rien d’inédit en soi. On l’a déjà évoquée, notamment, avec la planche contact ; plus anciennement, on la retrouve dans les recueils imprimés des premiers historiens de l’art. Si le fait de rassembler sur des feuilles, des planches, les dessins ou les représentations gravées d’objets (objets, statues ou détails de bâtiments) est commun à de nombreux ouvrages anciens2, la forme la plus achevée, systématisée sous forme de grille précisément, est incontestablement livrée par Séroux d’Agincourt (1730-1814)3

Tableau historique et chronologique des frontispices des temples, avant et durant la decadence de l'art ©BNF

Le résultat n’est pas sans nous faire penser aux typologies d’objets industriels composées par Bernd (1931-2007) et Hilla Becher (1934-).

Quelles que soient la distance historique et la technique empruntée, ces exemples ont  en commun de rassembler les objets pour être comparés. En effet, dans ces différents cas, la grille prend une valeur heuristique de comparaison : elle illustre déjà une thèse où des rapprochements sont suggérés : elle est le fruit d’une sélection préalable d’objets ou de détails soustraits à leur contexte.

Bernd et Hilla Becher, Châteaux d'eau, Wassertürme, Water Towers, 1970-1998, © Bernd und Hilla Becher, Düsseldorf, 2003

La grille de vignettes numériques peut également résulter d’une sélection au sein d’un corpus mais elle se propose avant tout comme un agencement au service de la prévisualisation d’un ensemble d’images, en vue d’un tri, d’une sélection.

 

D’une façon générale, de nombreuses formes éditoriales ménagent la vision synoptique d’images pour accéder aux documents. Par exemple, les flux d’aggrégateurs comme Netvibes, peuvent être consultés par le moyen d’une grille de vignettes. Dans ce cas de figure, la fonction de prévisualisation est à même de déclencher la consultation d’un billet. Dans le cas de sites ou blogs dédiés aux arts visuels, cet avantage s’impose, sans aucun doute. Mais, outre la structure et la navigation hypermédia, le déploiement du visuel s’inscrit dans la filiation des relations textes/images dans la presse magazine.

 

Mon fil Rhizome sur Netvibes

Plus directement dédiée à la consultation ou à l’étude des images, il est notable que cette figure de la grille de vignettes est proposée aussi bien par les plateformes de stockage et de partage d’images généralistes (par ex., Flickr) que par les outils de consultation des bases de collections de certains sites de musées et de bibliothèques, enfin, par des outils de gestion personnelle d’images.

 

 

En ce qui concerne les plateformes de partage, l’adoption de la grille de vignettes s’est imposée d’évidence ; toutes sortes d’images y sont stockées sans norme d’identification.  Dès lors, la vision rapide et synoptique participe du processus d’identification et de recherche. Une forme d’équilibre est trouvé entre les nécessités d’exposition/identification des images et la gestion de quantités indéterminées.

Galerie de vitraux de Gordonplumb sur Flickr

Un standard du commun au professionnel

On retrouve également ces types de présentation dans le cas de certaines propositions éditées de bibliothèques. Ici, parmi les « expositions virtuelles » de la BNF, toute l’iconographie du dossier sur l’enluminure en Islam est rassemblée sur une même planche ; on peut non seulement entrer dans le site par les images mais surtout on peut prendre immédiatement la mesure de l’iconographie rassemblée.

Enluminures en Islam ©BNF

 

Dans le cas des catalogues de collections des musées, ce choix de la grille de vignettes s’inscrit généralement parmi l’offre des entrées dans le corpus. La proposition du MOMA nous semble l’une des plus remarquables, de ce point de vue, car  la possibilité de visionner, dans un même mouvement, au sein de la même interface, jusqu’à 160 images de la collection donne de la consistance à la prévisualisation. Ne présumant en rien du mode de consultation qui s’ensuivra, le moindre arrêt sur image avec le pointeur (rollover) livre une identification minimale de l’œuvre  (nom de l’artiste, titre, date) tout en modifiant sensiblement la taille de l’image.

Ainsi, c’est la perception des images des œuvres qui préside à la consultation. Cette approche s’inscrit délibérément dans une démarche en direction de publics indéterminés dont on ignore les motifs de consultation. En fait de publics indéterminés, ce sont les non initiés qui sont en fait visés, en accord avec la préoccupation politique principale des institutions patrimoniales. Cet abord des collections par l’image, privilégiant la perception visuelle plutôt que les entrées discursives, vise à séduire et susciter la curiosité, le désir de voir, le désir d’image. Approches hasardeuses, portées par le balayage du regard, serendipity ou rencontre de fortune, découverte des œuvres.

Collection du MoMA

Mais ce type d’approche “vagabonde” de grands corpus, connus de ceux qui les pratiquent, qu’ils les aient constitués eux-mêmes ou non, peut s’avérer riche de sélections non routinières, de redécouvertes, dans l’exercice de l’étude ou de la préparation d’une communication à un public. La rencontre inopinée provoquée par de nouvelles modalités de prévisualisation relance une certaine liberté d’associations, de mises en relation.

La rencontre des pratiques communes et professionnelles est un trait persistant des développements du web : non seulement les modes de consultation se rejoignent, comme dit précédemment, mais les outils également. Dans le droit fil de notre sujet, c’est précisément un outil “sans qualité” qui permet d’outiller les pratiques d’images des professionnels de l’étude des images. La photographie nous a déjà familiarisés avec ce phénomène, dira-t-on, avec raison. Mais, avec le numérique, la portée des outils “profanes” s’accorde aux propriétés puissantes de la technologie. L’outil Picasa, par exemple, l’un des « gestionnaires » d’images couramment appropriés, nous parait offrir un mode exemplaire de prévisualisation d’un corpus déterminé (dossier constitué) ou d’une collection (l’ensemble des dossiers d’images) en local. La manipulation se soutient des fonctions de réglage de l’outil : variation de la taille de l’ensemble des vignettes, déplacements des images, réplications infinies pour modifier les dossiers, les assemblages. L’ascenseur de la fenêtre permet d’ajuster le rythme du visionnage ainsi que son étendue ; quel que soit le nombre d’items considéré, le défilement repousse les limites de la fenêtre à un terme indéfini. Le réglage de la taille des vignettes soutient le choix de visualiser des quantités plus ou moins grandes d’images et surtout d’ajuster l’acuité de la prévisualisation. Considération, réflexion et sélection prennent appui sur l’action combinée du regard et du geste.

Points de fuite

Mais d’autres figures propices à la prévisualisation s’essaient ou se profilent qui méritent qu’on s’y attache quelque peu, quelle que soit leur fortune à venir. En réalité, la grille ou la mosaïque demeurent la matrice de ces propositions. Nous pensons – et revenons, décidément– à l’interface de la collection en ligne du SFMOMA, Artscope qui rassemble plus de 4 000 images sur une même grille.

Artscope

Si l’on considère ce modèle non plus à la lumière d’une pratique ludique et « intuitive » – en fait, à l’aveugle – mais du point de vue du chercheur qui connaît sa collection, l’outil change de nature. L’exploration à l’aide de la loupe numérique ne procède plus du hasard mais parcourt un paysage dont la moindre tache de couleur ainsi que sa place sur la grille est évocatrice. On peut être tenté par la promesse d’avoir à portée d’œil et de main l’ensemble d’une collection, d’un seul tenant…

Une solution approchante est au principe de Sea Dragon, un outil présenté avec succès par Microsoft, lors d’une conférence TED, en 2007. La quantité faramineuse d’images qui passe de l’imperceptible au visible parait ici sans limites.

Le zoom sert de levier à l’opération et sa puissance parait également illimitée. C’est d’ailleurs cette technique spectaculaire de zoom qui a assuré un développement et une application au système Sea Dragon qui s’exporte sur les smartphones, dès 2008. Est-ce à dire que la consultation de collections d’images à des fins d’étude pourrait ainsi migrer vers la mobilité ? Avec l’arrivée des tablettes multimédias, l’hypothèse de la diversification des situations de travail ne peut être négligée.

En réalité, ces figures “excentriques” se distinguent de ce que nous avons appelé la visibilité a priori ; l’accent est ici porté sur la disponibilité des corpus, en toutes situations, mobilisant davantage la référence du “tas”, du corpus informe, mais constamment disponible à l’exploration.

Ainsi, avec la standardisation de la figure de la grille de vignettes, une forme de prévisualisation se fraie un chemin, propice à la considération de grands ensembles d’images, articulant le regard et le geste, projetant, dans le fil du mouvement, des opérations de sélection et de manipulation de l’image, pour l’étude. En second  lieu, on remarque que les outils communs et les outils professionnels, en l’occurrence les systèmes de gestion de bases d’images, convergent pour adopter des langages formels communs. L’affordance de l’interface de prévisualisation, telle qu’envisagée ici, semble valoir pour des usages d’experts aussi bien que d’amateurs ou de simples curieux, même si les motifs ni les modes de consultation ne sont identiques.

Affichage mosaïque de la collection du MNAM

Si les logiciels de gestion des bases d’images, utilisés par les documentalistes et les conservateurs des musées, ne comportent pas tous de telles interfaces d’affichage de vignettes, certains systèmes en sont pourvus comme, par exemple, Navigart, choix judicieux effectué très tôt par l’association Videomuseum, L’interface de consultation publique de la base de collection du Musée National d’Art Moderne, partie prenante de ce réseau des collections contemporaines françaises, en donne un aperçu. Dans ce cas de gestion mutualisée de nombreuses collections, on entrevoit aisément l’intérêt d’une telle offre d’affichage des images des œuvres ; toutefois, l’avantage vaut également pour le travail sur n’importe quelle collection.

Pour les historiens de l’art qui ne bénéficient pas des outils professionnels utilisés par les musées pour la gestion des collections, l’opportunité de s’approcher des pratiques de leurs collègues se concrétise, comme on l’a vu, pour autant qu’ils adoptent les outils de la culture numérique commune.

Dans cette perspective, outre les nouvelles possibilités de prévisualisation, d’autres opérations sont à portée d’écran…

A suivre…

  1. nous avons choisi de référer à la présentation de ce concept par wikipedia anglophone car elle s’avère sensiblement plus complète que la version française bien que celle-ci s’en inspire explicitement []
  2. On consultera avec profit le catalogue de l’exposition éponyme,  Elisabeth Décultot, Musées de papier – L’Antiquité en livres (1600 – 1800), Paris, Editions du Louvre/Gourcuff Gradenigo, 2010. []
  3. Histoire de l’art par les monumens, depuis sa décadence au VIe siècle jusqu’à son renouvellement au XVIe siècle, Paris, Treuttel et Würtz, 6 vol., 1823 (en réalité 1810-1823). []

The Conference of Digital Humanities 2011 at a glance!

La Conférence de cette année se tient à l’université de Stanford, du 19 au 23 juin 2011. Elijah Meeks, Digital Humanist à demeure, un des protagonistes du remarquable Mapping The Republic of Letters,1, a donné une forme inhabituelle à cet évènement.

Il a réalisé un ensemble de graphes permettant de percevoir la conférence sous un jour éclairant : participants, sujets présentés, universités d’origine sont spatialisés, au-delà d’une simple inscription géographique. On accède ainsi à des paysages de données dynamiques qui rendent compte de densités relatives, de connexions plus ou moins développées entre centres et chercheurs, des origines géographiques mais aussi des thèmes de prédilection qui animent la communauté effervescente des Digital Humanities. La vision des équipes est au centre de ces représentations : figures atomisées ou fortement reliées, centres et périphéries, bataillons serrés ou vaillants esseulés, les configurations multiples sont suggestives. Elles sont propices aux interrogations : comment les équilibres ou déséquilibres perceptibles vont-ils évoluer ? L’irruption de nouveaux entrants redessinera sans doute les intensités et les relations établies ; seul le temps, variable forcément absente ici, le dira. Une interrogation me parait particulièrement avivée par ces modélisations : les projets ou communications véritablement internationaux et pluridisciplinaires représentent un enjeu essentiel pour le réseau des Digital Humanities. Au-delà des consortiums techno(cratico)-scientifiques qui se sont multipliés ces dernières années, comment favoriser la menée de projets collectifs ? D’ailleurs, une des communications du colloque s’attache à interroger les conditions de ces entreprises difficiles que sont les collaborations internationales, mettant en jeu les différences culturelles, académiques, linguistiques, collaboratives :  A Trip Around the World: Balancing Geographical Diversity in Academic Research Teams (Lynne Siemens, Elisabeth Burr, Richard Cunnigham, Wendy Duff, Dominic Forest, Claire Warwick).

Quoi qu’il en soit, s’agissant d’une simple coupe documentaire de LA conférence 2011, la puissance de représentation graphique favorise la spéculation et la liste ou le sommaire paraissent bien pauvres, en regard, pour se figurer les dynamiques qui animent la vie du réseau des D.H. – même si, bien sûr, celle-ci ne s’exprime pas toute, à l’occasion de la conférence annuelle. Mais voyez par vous-même.

Dans ce concert international, il ne parait pas inutile de souligner que la participation française s’accroît encore, cette année, avec des communications : Reusability of Literary Corpora: the “Montaigne at work” Project par Marie-Luce Demonet2, responsable scientifique des Bibliothèques Virtuelles Humanistes (Centre des Etudes Supérieures de la Renaissance – Université de Tours-François Rabelais) ; Medical Case Studies on Renaissance Melancholy: Online Publication Project, par Suciu Radu, (Université Denis Diderot-Paris 7) ; avec des posters : Interactive Layout Analysis, Content Extraction and Transcription of Historical Printed Books using Agora and Retro , par  deux autres chercheurs de l’université de Tours, Jean-Yves Ramel3 et Nicholas Sidère,   Constructing DARIAH—the e-Infrastructure for the Arts and Humanities par Laurent Romary, (INRIA), avec Blanke Tobias, (King’s College) et Christiane Fritze (State and University Library Goettingen).

Je ne présenterai pas de communication, cette année, mais je suis ravie de présider une session dont les communications s’annoncent pour le moins stimulantes : The Object of Platform Studies: Relational Materialities and the Social Platform (the case of the Nintendo Wii, par Steven E. Jones, George K. Thiruvathukal (Loyola University Chicago) ; Cinemetrics, par Arno Bosse, Keith Brisson, Yuri Tsivian (University of Chicago) et Digital image analysis and interactive visualization of 1000000 manga pages, Lev Manovich1, William Huber, Jeremy Douglass (respectivement : Visual Arts Department, University of California, San Diego, 2Software Studies Initiative, The California Institute for Telecommunications and Information Technology, San Diego).

On peut consulter l’ensemble du programme en quatre langues. Non seulement la géographie des Digital Humanities représentées à la conférence s’étend mais le multilinguisme semble progresser, lui aussi…On peut retrouver toutes les présentations dans The Book of Abstracts ; autre innovation, en ligne, un moteur permet d’y effectuer des recherches.

Pour boucler la boucle, j’en reviens à Elijah Meeks. Sur son blog, j’ai découvert un « sub-projet » en cours, de Mapping The Republic of Letters. Il s’agit de Mapping Le Grand Tour !

 

Il se trouve qu’en conclusion de la séance du séminaire doctoral “Histoire de l’art et Digital Humanities”, j’avais montré un aperçu de cette réalisation  fameuse  afin précisément d’envisager la portée interdisciplinaire de certains outils et démarches. « On pourrait appliquer ce type d’outils à la représentation de la circulation des œuvres entre marchands et collectionneurs, à une époque donnée,  par exemple,… » avais-je suggéré. Les Dix-huitiémistes de Stanford ont choisi de traduire en flux visibles et dynamiques les circulations et les communications tissées par les voyageurs du Grand tour. On ne manquera pas, sur place, de rassembler autant d’informations que possible sur ce projet qui devrait intéresser les historiens de l’art.

 

  1. plutôt que de le présenter, j’invite à consulter son blog pour tout savoir sur ses travaux de visualisation de données. Il présente également une communication : Modeling Event-Based Historical Narratives: A Conversation Between Digital Humanists, Information Scientists and Computer Scientists []
  2. Rappelons que Marie-Luce Demonet a remporté le Grant Google pour son projet Full-text retrieval and indexation for Early Modern French []
  3. lui aussi lauréat du Grant Google pour Using Pattern Redundancy for Text Transcription []

Séminaire doctoral – L’histoire de l’art et les Digital Humanities.

Vendredi 8 avril 2011, 16h-18h, Salle Jullian – 1er étage, INHA.

L’histoire de l’art et les Digital Humanities

Un milieu international s’est constitué autour de l’usage du numérique dans les sciences humaines et sociales, sous le nom de Digital Humanities. Ainsi de plus en plus d’ensei­gnants-chercheurs, dans de nombreuses régions du monde, expérimentent et s’interro­gent. De l’exploitation automatisée des données utiles à la recherche à l’édition de corpus instrumentés, des réalisations accessibles en ligne illustrent les recherches en cours. Ces explorations sont également porteuses d’interrogations sur de nouvelles relations entre les disciplines. Comment l’histoire de l’art se situe-t-elle dans ce mouvement ?

La date de la quatrième et dernière séance de ce cycle “Pratiques de l’histoire de l’art à l’ère du numérique”  est fixée au 13 mai 2011.